"Здесь, тем не менее, мы оглядываемся назад, но не стоим на месте. Мы стремимся вперед, открываем новые пути, беремся за новые дела, потому что мы любопытны... и любопытство гонит нас по новым дорогам. Только вперед. " (Уолт Дисней)

О технологии анимации

Иногда, между мною и заказчиком возникают недопонимание при согласовании технических особенностей будущих анимационных произведений. Статья поможет вам лучше разбираться в вопросах технологии анимации.

Для начала, что бы не запутаться, мне хотелось бы выделить 3 основных критерия по которым можно судить об анимации: виды анимации, методы анимации и стили анимации. Для многих - это одно и тоже, но это не так! Виды анимации - это то, в каком виде или форме демонстрируется мультфильм (рисованный, кукольный и т. д). Методы анимации - это технические особенности с помощью которых создается анимация (покадровая анимация, программируемая анимация и т. д). И наконец, стиль анимации - это художественный прием, который используется в анимации (реализм, аниме и т. д). В этой статье я рассмотрю понятие "виды анимации" в более развернутом виде, а впоследствии прибавлю к этому "методы" и "стили". Все это вместе и есть технология анимации.

Рисованная классическая анимация.

Один из самых интересных и распространенных видов анимации, это так называемая классическая анимация. Классическую анимацию делают рисуя на прозрачной пленке (или кальке) каждый отдельный кадр. Затем эти кадры собирают в специальной программе монтажа. Такая анимация очень живая, плавная, пространственная, но дорогая))). Примером такой анимации могут послужить мультфильмы студии "Дисней" и "Союзмултфильм".

Кадр из мультфильма "Белоснежка и семь гномов" студии "Дисней"

Перекладная анимация.

Старейший вид анимации. Суть этого вида анимации в том, что нарисованный на картоне или бумаге объект режется на отдельные кусочки и эти кусочки передвигаются (перекладываются) от кадра к кадру. Отсюда и название - перекладка! Многие считают такую анимацию примитивной, но в умелых руках такие мультфильмы могут получиться очень интересными. Одним из самых ярких примеров перекладной анимации можно смело назвать мультфильм "Ежик в Тумане" режиссера Юрия Норштейна. "Ежик в тумане" был признан мировым сообществом САМЫМ ЛУЧШИМ МУЛЬТФИЛЬМОМ ВСЕХ ВРЕМЕН И НАРОДОВ!!! Вот тебе и перекладка... Вот тебе и примитивно...

Кадр из мультфильма "Ежик в тумане" режиссера Юрия Норштейна

Живопись на стекле.

А вот здесь примитивным анимацию точно не назовешь! Суть такой анимации в рисовании масляными красками по стеклу. Каждый кадр при этом - это живописная картина, которая видоизменяется мазками художника. Ярким примером такой анимации является произведение Александра Петрова "Старик и море", которое было удостоено премией "Оскар".

Кадр из анимационного фильма "Старик и море" режиссера Александра Петрова.

Кукольная анимация.

То же старинный вид анимации. Все куклы и декорации в кукольной анимации изготавливаются вручную, что делает ее такой же дорогой, как и классическая анимация. Тем не менее такой вид анимации очень популярен даже сегодня (несмотря на распространение компьютерной 3д анимации). Если сказать честно, то кукольная анимация мне в детстве не нравилась))) Но прозрение наступило, когда я увидел мультфильм Тома Бертона "Кошмар перед рождеством".

Кадр из мультфильма "Кошмар перед рождеством" режиссера Тома Бертона.

Пластилиновая анимация

Название пластилиновая анимация говорит само за себя. Добавлю только то, что пластилиновая анимация вышла из кукольной анимации и стала популярной у нас в России после появления мультфильмов "Падал прошлогодний снег" режиссера Александра Татарского.

Кадр из мультфильма "Падал прошлогодний снег" режиссера А.Татарского.

Компьютерная 2д анимация.

Хотим мы того или не хотим, но на смену старым видам анимации приходят новые. Компьютерную 2д анимацию почему-то принято называть Flash анимацией и это не совсем верно. Flash - это только одна программа. Можно назвать и другие мощные компьютерные программы для создания 2д анимации, например: After Effect, Anime Studi Pro, Toon Boom Studio и еще множество платных и бесплатных программ. В настоящее время компьютерной 2д анимацией занимаются почти все студии. Именно такую анимацию мы видим сегодня в сериалах по телевизору, в интернете, в казуальных компьютерных играх и т. д.

Кадр из анимационного сериала "Симсоны"

3д анимация.

3д анимация - вид мультипликации созданный на базе компьютерных 3д программ. Это самый молодой и самый перспективны вид анимации. С развитием компьютерных технологий стало возможным не только рисовать графику и анимацию в двухмерной плоскости (2д анимация), но и оживлять трехмерные формы. Технология эта очень сложная, но если рассказать коротко, то процесс производства выглядит примерно так. Сначала рисуются концепт арты (любым способом), по этим рисункам создают трехмерную геометрию модели. Затем текстуры, которые надеваются на форму персонажа или объекта. Далее создают кости объекта и прикрепляют их к форме, что бы форма смогла двигаться. Аниматоры получают подготовленную модель для движений и начинают ее оживлять. Чем лучше подготовлена модель, тем ее движения получаются естественнее и пластичнее. После создания анимации сцена визуализируется (переводится из 3д в обычную картинку). Яркими примерами такой анимации являются мультфильмы студии Пиксар.

Кадр из мультфильма "Рататуй" студии Пиксар.

Комбинированная анимация.

Комбинированная анимация - это совмещение любого из видов анимации с видеофильмом. Ранними примерами такой анимации могут быть: фильм "Кто подставил кролика Роджера", мультфильм "Приключение Капитана Врунгеля" и т. д. С развитием 3д технологии и компьютерных спецэффектов этот вид анимации встречается в художественных фильмах все чаще и чаще. Основной особенностью современной комбинированной анимация заключается в ее полной реалистичности.

Кадр из фильма "Мир юрского периода" режиссера Стивена Спилберга

Другие виды анимации.

Кроме перечисленных видов анимации существуют и другие, например: песочная анимация, лазерная анимация, фото анимация, игольчатая анимация и т. д. Однако, эти виды считаются менее популярными и в данной статье я позволил себе о них лишь упомянуть.

Виды анимации в студии Картонная Башня.

Наша студия анимации специализируется на производстве компьютерной 2д анимации. Благодаря гибким возможностям компьютерных программ мы можем создавать как перекладную, так и классическую анимацию одновременно. Так же нам по силам создание и 3д анимации. В качестве примера, вы можете посмотреть на 3 ролика из нашего портфолио:

1. Компьютерная 2д анимация в классической манере.

Мультипликация - это создание на экране движущегося изображения. Вернее, иллюзии непрерывного движения. На деле это последовательность статичных кадров. А ещё - технически сложное и постоянно развивающееся искусство. Так что если кто-то скажет вам, что мультфильмы - это не серьёзно, бурно протестуйте и приводите аргументы. Вот краткий ликбез по основным видам движущихся картинок, из которого станет ясно, почему анимация не уступает игровому кино, а в чём-то даже его превосходит.

Классическая рисованная мультипликация

Многие в детстве рисовали на полях тетрадных листов фигурки, меняющие позу с каждой страницей. Если быстро пролистать такую тетрадку, будет казаться, что персонаж бежит, а цветок - распускается. Схожим образом устроена классическая покадровая анимация.

Стандартный формат частоты, с которой меняются картинки - 24 кадра в секунду. И все эти кадры необходимо отрисовать! Раньше это делали вручную. Со временем на помощь пришли специальные программы монтажа, так что теперь от руки рисуются только опорные кадры. Тем не менее, создание покадрового мультипликационного фильма - до сих пор кропотливая и непростая работа.

Первым вариантом покадровой анимации иногда называют тауматроп , винтажную игрушку в виде диска с рисунками на обеих сторонах. Быстро вращая кружок на нитке, можно было добиться эффекта совмещения картинок. Например, птица и клетка превращались в изображение птицы в клетке, а цветы и ваза - в полноценный натюрморт. В начале ХХ века стали появляться первые анимационные фильмы. Стюард Блактон снял короткометражку «Забавные выражения весёлых лиц» , а Эмиль Коль - «Фантасмагорию» . В обоих фильмах авторы рисуют персонажей на доске, и потом те «оживают». Коль выяснил, что для каждой фазы движения нужен свой рисунок и использовал вертикально укреплённую камеру.

Потом случилось великое событие - в анимацию пришел Уолт Дисней . Он придумал, в частности, способ создания объёма за счёт совмещения разных планов, а также послойную технику, при которой друг на друга накладываются прозрачные целлулоидные плёнки с изображениями, так что кадр больше не нужно было рисовать с нуля. С помощью трёхцветной системы «Техниколор» (совмещение монохромных изображений, снятых через красный, синий и зелёный фильтры) Дисней создал первый цветной мультфильм - «Цветы и деревья». Он же снял первый в истории звуковой мультфильм («Пароходик Вилли» с насвистывающим Микки Маусом в главной роли) и первый полнометражный анимационный фильм - «Белоснежка и семь гномов», который произвёл настоящий фурор.

Оказалось, что мультипликация интересна людям разных возрастов. Мало того, она позволяет добиваться особого эмоционального эффекта уникальными средствами.

Актёр, даже обладающий мимическими навыками Джима Керри и самоотверженностью Кристиана Бейла, который сбрасывал для ролей до 30 килограммов, всё-таки не может выйти за пределы человеческих возможностей. А вот рисованные герои не обязаны строго подчиняться законам природы и физики. Поэтому художник может наградить их любыми пропорциями, внешними особенностями и пластикой - лишь бы всё это работало на раскрытие образа.

За это тоже нужно благодарить Диснея, создавшего целый пантеон культовых персонажей, характер которых отражается во внешности. Его методы взяли на вооружение другие режиссеры-мультипликаторы. Благодаря им сегодня существуют сотни запоминающихся анимационных героев и злодеев.

Стиль классической анимации может быть разным. Диснеевский или советский мультфильм, европейская авторская или даже абстрактная анимация, аниме - разные стили, которые вы ни за что не перепутаете. Однако технически всё это - покадровая анимация.

Кукольная мультипликация

Технология stop-motion использует сцену-макет, которая служит декорацией, как в театре, и кукольных «актёров». Чтобы создать иллюзию движения, позы фигурок немного меняют, покадрово фотографируя, а потом превращают всё это в фильм. Появилась такая анимация вместе с классическим кинематографом. Например, знаменитая сцена из фильма «Путешествие на Луну», где космический корабль попадает спутнику Земли прямо в глаз - это тоже stop-motion.

Кукольные мультфильмы - всегда особенная история в мире анимации. Их не превращают в огромные франшизы (не получится из-за сложности производства), да и коммерчески они не самые успешные. Однако в этом способе оживления статичного есть особое волшебство.

Такие мультфильмы дают возможность создать объём, на который не способна классическая рисованная мультипликация, а также обеспечивают детализацию без необходимости что-то отрисовывать - достаточно просто разместить объекты в кадре. Впрочем, это как раз совсем не просто. Декорации для кукольных мультфильмов создаются вручную, и это по-настоящему адский труд .

Чтобы изобразить сакуру в фильме «Коралина в стране кошмаров», использовали покрашенный в розовый цвет попкорн.

Каждый цветок на игрушечных деревьях создан руками художников-мультипликаторов и размещён так, как это требуется для сцены. В «Кубо. Легенда о самурае» шерсть обезьяны сделана из крошечных лоскутов силикона, каждый из которых был наклеен на фигурку. Все эти вещи нужно продумать заранее, ведь когда предмет уже создан в материале, нажать undo не получится. Озвучивая кукольную анимацию, каждое движение губ куклы-актёра создают отдельно, синхронизируя мимику со звуковой дорожкой. Сегодня многие детали распечатывают на 3D-принтере, и всё же это по-прежнему штучная работа.

В 60-80-х годах кукольную анимацию очень любили в СССР - за фактурные материалы и уютную камерность. Особую народную симпатию заслужили «Варежка» Романа Качанова, где комок красной шерсти вызывает бурю эмоций, и «Пластилиновая ворона» Александра Татарского с виртуозной игрой форм (пластилиновая анимация - это тоже подвид stop-motion) и бодрыми песнями.

В какой-то момент кукольная анимация оставляла за спиной компьютерную по сложности и естественности движений персонажей. Однако сегодня CG-технологии шагнули вперёд, и компьютерные герои не уступают кукольным собратьям, а во многом превосходят их.

Со временем сложная в производстве и трудоёмкая stop-motion анимация стала терять популярность. Как ни странно, это идёт ей на пользу. Работать в этом жанре решаются только идейные режиссёры, которые точно знают, о чём хотят рассказать и обладают оригинальным стилем. Например, Тим Бартон с его знаменитыми фильмами о поющих скелетах и мёртвых питомцах, или Уэс Андерсон, снявший картину «Бесподобный мистер Фокс».

Компьютерная мультипликация

В этом случае движущиеся изображения получают с помощью 3D-анимации, сгенерированной на компьютере. Трёхмерные модели объектов двигаются и взаимодействуют так, как этого захотят постановщики.

В кино одним из первых использовал компьютерную анимацию Джордж Лукас. Спецэффекты ранних эпизодов «Звёздных войн» многие поклонники до сих пор ценят выше, чем графику в современных фильмах. Студия Лукаса ILM также работала над множеством известных киноэпопей с выдающимися эффектами («Индиана Джонс», «Назад в будущее», «Звёздный путь»), а также над фильмом «Кто подставил кролика Роджера», совмещающим актёров и нарисованных героев.

Потом выяснилось, что анимация может не только обслуживать фильмы с актёрами, но и создавать собственный мир. Первопроходцами в области компьютерной мультипликации, которые сделали для неё не меньше, чем Дисней - для традиционной, стала студия Pixar . На сегодняшний день это самая успешная анимационная студия за всю историю кинематографа.

В короткометражном мультфильме 1986 года «Люксо-младший» рассказывается о том, как маленькая настольная лампа под присмотром лампы-родителя играет с мячиком. Лампы удостоились чести стать героями мультфильма, поскольку позволили работать со светом и демонстрировать, как его отражают разные поверхности. В этом коротеньком мультфильме есть то, за что работы Pixar хвалят до сих пор - инновационность технологий и эмоциональная живость персонажей. В 1995 году студия выпустила первый полностью созданный на компьютере полнометражный фильм - «Историю игрушек».

В студии постоянно совершенствуют технологии и ищут новые возможности. Кудрявые волосы на ветру, тонущие в воде предметы, движения облаков, миллионы песчинок на пляже…

В случае с CG-фильмами, чтобы сделать всё это убедительным, требуется учесть фактуры, вес, траектории движения и множество других факторов. То, что объекты - виртуальные, делает их «материальные характеристики» только важнее. Ведь художники и разработчики хотят, чтобы резиновый мяч пружинил, а ткань развевалась на ветру, как настоящая.

Эти методы взяли на вооружение и другие студии, например, Blue Sky Studios, выпустившая «Ледниковый период», и Dreamworks (франшизы «Шрек», «Мадагаскар», «Кунг-фу панда», «Как приручить дракона»).

Компьютерная анимация дала зрителю глубину картинки, а также возможность бегать вместе с героями и совершать головокружительные полеты. Такие лихие виражи камеры не были возможны в классической анимации, да и в обычном кино. Именно поэтому в 3D-мультфильмах бывает столько гонок и приключений, а сценарии пишутся с расчётом на визуальную составляющую и динамику.

Конечно, хорошие мультфильмы привлекают не только за счёт технологий. Однако именно широкие возможности анимации позволяют режиссёрам не просто передавать переживания, но и затрагивать сложные темы. Хаяо Миядзаки говорит о гармонии с природой, Тим Бартон делает весёлым даже разговор о смерти, а фильмы Pixar учат принимать себя и разбираться в собственных чувствах.

Мищенко Наталья, ученица 10 класса МОУ СОШ № 32 г. Рыбинск

Результаты опроса десятиклассников показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме. Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Скачать:

Предварительный просмотр:

XIX городская открытая научная конференция школьников,

Посвящённая памяти академика А.А. Ухтомского

«Стили анимации»

Выполнила

Мищенко Наталья Игоревна,

ученица 10 класса

МОУ СОШ № 32

имени академика А.А. Ухтомского

Научный руководитель

Щербак Эллина Юрьевна

Рыбинск

2012 г.

Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3

1. Происхождение анимационных техник и их развитие. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. История японской анимации. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4

1.2. История студии Уолта Диснея. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5

2. Сравнительная характеристика. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.1. Рисунок. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.2. Анимация. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.1. Сходства. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.2. Различия. . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

2.3. Сюжет. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .10

3 «Kingdom Hearts» – игра, соединившая столь разные техники. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .11

Заключение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12

Литература. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Приложения. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .14

Введение

Актуальность данной проблемы обусловлена особенностями современной молодежной культуры. В последние годы японская анимация приобрела большое распространение на территории нашей страны. На больших экранах во многих городах России были показаны лучшие полнометражные произведения японской анимации – «Унесенные призраками» Хаяо Миядзаки, «Волчица и пряности» Такэо Такахаси, «Девочка, покорившая время» Мамору Хосоды, «Исчезновение Харухи Судзумии» Ясухиро Такэмото. Был даже снят один российский мультфильм с концепцией и графикой японской анимации – «Первый отряд». Для его создания были привлечены известные японские аниматоры, которые работали над мультфильмом совместно с российскими. Но данное направление в мультипликации получило довольно неоднозначную оценку, тогда как мультфильмы У. Диснея нравятся всем людям без исключения.

История аниме берет начало в XX веке, когда японские кинорежиссёры начинают первые эксперименты с техниками мультипликации, изобретёнными на Западе. Это говорит о том, что оба стиля анимации имеют общие истоки, одинаковые начальные наработки. Но в процессе развития они пошли по разным путям, чем и обусловлено так заметное в данное время их различие.

Результаты опроса 28 учащихся 10 класса показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме (приложение 1). Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Цель: выявление сходства и различия между анимацией студии Уолта Диснея и японской анимацией.

Задачи:

1. Проследить историю появления анимации Уолта Диснея и японской анимации.
2. Проанализировать сходства и различия в техниках анимаций.
3. Рассмотреть современную совместную работу студий.

Практическая значимость . Данная работа может быть использована на уроках по искусству, изобразительному искусству, во внеклассной работе.

1. Происхождение анимационных техник и их развитие

1.1. История аниме

Аниме, как самостоятельное направление в мультипликации возникло в 1958 г. и было официально признано как искусство в конце XX-го века. История аниме корнями уходит к началу XX столетия, когда японцы стали проявлять заметный интерес к иностранным техникам создания анимационных фильмов.

Несмотря на то, что эксперименты с анимацией проводились в Японии и до этого, первым заметным творением, относимым к аниме, стал показ «Истории о белой змее», мультфильма студии «Toei». Первый аниме-сериал выпустила студия «Otogi», представляющий собой чёрно-белые исторические мультфильмы. В 1963 г. Осаму Тэдзука, прозванный «Богом манги», основал студию «Mushi Productions» и выпустил свой первый аниме-сериал «Могучий Атом». Это стало началом бума аниме.

В течение 1970-x гг. аниме активно изменялось, разрывая связи со своими иностранными прародителями и рождая новые жанры, такие, как меха. Появлялись такие произведения, как «Люпин III» или «Мэйзингер Z». Многие известные режиссёры, в частности Хаяо Миядзаки и Мамору Осии, начинали свою карьеру в эти годы.

К 1980 г. аниме и манга (комиксы, зачастую дающие начало японским мультфильмам) широко распространились в Японии, и переживали свой так называемый «Золотой век». Были выпущены первые сериалы из цикла «Гандам», начала свой путь к вершине Румико Такахаси – создательница таких аниме как «Инуяша» и «Ранма 1\2». В 1988 г. полнометражный фильм «Акира» установил рекорд бюджета аниме-фильма и создал совершенно новый стиль анимации – более детальная проработка рисунка и так называемый прием «24 кадров в секунду». Это позволило сделать сюжет более динамичным, движения персонажей более плавными и реалистичными.

1990-е и 2000-е годы стали временем широкого признания аниме за пределами Японии. «Акира» и вышедший в 1995 г. «Призрак в доспехах», впервые объединивший традиционную анимацию и компьютерную графику, получили известность по всему миру. В 1997 г. полнометражный аниме-фильм «Принцесса Мононоке» собрал 160 миллионов американских долларов в Японии.

В разы возросло число как поклонников аниме, так и зрителей, смотрящих его от случая к случаю. В то же время в Японии продолжали совершенствоваться технологии создания и отрисовки аниме: студии переходили на компьютерную графику, активно применяя трёхмерную анимацию. Из детских мультипликационных фильмов начала XX века японская анимация превратилась в культуру, творящую разнообразные, серьёзные и забавные, эмоциональные и наивные, предназначенные для подростков, детей и взрослых произведения.

1.2. История студии Уолта Диснея

В 1920-1921 годах У. Дисней по заказу снял 12 коротеньких лент – «Смехограмм Ньюмена». Это единственные мультфильмы, сделанные полностью им, от начала и до конца (как художника, аниматора и автора). Эти сценки из канзасской жизни особого успеха не имели, но позволили (материально) автору начать осуществление его собственной идеи – серии экранизации сказок.

Экранные сказки У. Диснея не являлись иллюстрациями к любимым всеми книжкам, они представляли собой авторские анимационные интерпретации этих произведений. Так появились «Красная Шапочка», «Бременские музыканты», «Джек и бобовый стебель». Но эти творения публика так и не увидела, так как прокатчики их не признали. У. Дисней выпустил еще 9 лент, среди которых были: «Златовласка», «Кот в сапогах», «Золушка» и другие сказки. Его энтузиазм привел к разорению предприятия.

Следующим сериальным проектом У. Диснея стал «Освальд – счастливый кролик». Его изобразительное решение явилось логическим продолжением кота Юлиуса. «О-образный» стиль внешности персонажа был ежегодной «жертвой» кота Феликса, но автор в разработке самих сюжетов и гэгов проявил блестящее мастерство аниматора. Сюжет разрабатывался в литературной форме, затем весь скрипт переводился в раскадровку по эпизодам. Здесь же великий аниматор ввел и альбомы образцов. В них представлены не только все персонажи серии, но и типичные для них схемы движения (по ротоскопу).

В технической стороне У. Дисней тоже пошел на невиданные «жертвы» - нововведения. В технологию создания мультипликата он вводит понятия черновика, так называемый «черновой мультипликат». Именно поэтому многие творения диснеевской студии выглядят на экране такими безупречными, выверенными до мелочей.

Герой, созданный на студии У. Диснея вслед за Освальдом, станет ее символом на все последующие годы. Речь идет, разумеется, о Микки-Маусе. Хотя сначала мышонок получил имя Мортимер, вскоре от него пришлось отказаться. Внешний облик был разработан аниматором Юбом Айверксом, а характер, внутреннюю сущность вдохнул в нарисованного грызуна сам У. Дисней (озвучивал Микки поначалу тоже он). Первоначальный образ Микки больше напоминал настоящую мышь, чем всем известный облик «маленького мага». Но главный стиль есть главный стиль – он диктовал условия, и вскоре Мауса округлили до известного всему миру образа.

2. Сравнительная характеристика анимаций

Между любителями анимации уже давно идут жаркие споры о том, что же лучше – аниме мультфильмы или диснеевские. Сравнительную характеристику попытаемся провести по трем основным параметрам: рисунок, анимация и сюжет.

2.1. Рисунок

Самое интересное в вопросе о рисунке состоит в том, что любители Диснея обычно критикуют тот единственный элемент, который объединяет два разных стиля. Это большие глаза.

Ведь и в самом деле, глаза у западных мультяшек ничуть не меньше (если не больше), чем у японских. Да и как же быть иначе, если аниме позаимствовало эти большие глаза именно у диснеевских мультипликаторов, так как Осаму Тедзука в свое время проходил курсы повышения квалификации в Диснее.

В чем же причина нормального отношения к большим глазам в одном случае и неприятие их в другом? Все дело в том, что западные аниматоры пошли по пути карикатурного рисования, а японские – реалистичного. И то, что на заведомо карикатурно деформированном персонаже смотрится вполне естественно, на лице человека выглядит немного ненатурально.

Кроме того, глаза японских персонажей выделяются гораздо сильней, чем у западных, и за счет большого количества бликов, и за счет цвета, и за счет более детальной прорисовки, что заставляет обратить на них более пристальное внимание. Кому-то это нравится, кому-то нет. Но в любом случае, большие глаза всегда придают персонажу более милый и доброжелательный вид, чем маленькие.

Так чем же различаются западный и японский стили рисования? Главных отличий два:

1. Карикатурность западных персонажей и реалистичность японских. Персонажи аниме, конечно, тоже достаточно сильно деформируются для создания того или иного эффекта, но карикатурности в них нет.

2. Основная форма, заложенная в диснеевских героях – шар или яйцо. Все линии мягкие и округлы, острых углов почти нет даже у самых злобных злодеев. В основе же внешности японских героев лежит клин. Подбородок, нос, плечи, форма тела, постоянно развевающиеся волосы, и огромное количество складок – все острое, торчащее, «колющее» взгляд. Даже глаза, и те имеют форму шестиугольника с клинообразными ресницами.

Кроме различий в рисовании самих персонажей часто в спорах упоминается отличия в рисовании задних планов. Причем обвинения звучат с обеих сторон, каждый так и норовит обвинить противника в плохой прорисовке фона. Но неудачные задние планы есть как в одной, так и в другой анимации, поэтому различать их по этому показателю неправильно.

2.2. Анимация

Анимация на западе сделана значительно лучше японской. Даже сейчас, когда во всю используются компьютерные технологии, движения в диснеевских мультфильмах сорокалетней давности выглядят более приятно и плавно, чем сейчас у японских аниматоров. Аниме, во многом, остается просто комиксом, в который добавили немного динамики для связи различных кадров. Единственным исключением из этого правила является, пожалуй, только Хаяо Миядзаки. В аниме много статичных картинок, которые просто меняют свое положение в пространстве, у Диснея же, почти каждый кадр живет и дышит. Во многом, такое восприятие обуславливается опять-таки карикатурностью мультяшек. Их движения можно гипертрофировать как угодно для создания большего эффекта жизни. К людям же из аниме такой механизм не применим. Зато развевающиеся волосы и плащи - вот в чем японцы достигли настоящего совершенства.

2.2.1. Сходства

«Медленный вход» и «медленный выход». Разрабатывая выразительные позы художник вкладывает все свое мастерство, поэтому именно эти моменты должны быть дольше видны зрителю. Для этого ассистенты дорисовывают движения так, что больше всего кадров оказывается рядом с ключевыми позами. При этом персонаж как бы проскальзывает движение от одной компоновки к другой, медленно выходя из позы и замедляясь у другой. Японские аниматоры хорошо усвоили данный принцип. В некоторых местах они не только используют его, но и значительно усиливают его действие для придания еще большей инерции персонажу.

Движения по дугам . Этот принцип является вторым революционным открытием Диснея. Живые организмы всегда передвигаются по дугообразным траекториям. В основном характер траектории зависит от скорости движения. Этот принцип объединяет обе техники. Именно благодаря ему движения персонажей, насколько карикатурными бы они не были, выглядят плавно и естественно.

Сквозное движение и захлест. Суть принципа состоит в том, что движение никогда не должно прекращаться. Существуют такие элементы как уши, хвосты, одежда, которые постоянно должны находиться в движении. Движение отдельных элементов тела в то время как тело уже не двигается называется захлестом. В анимации У. Диснея захлест и сквозное движение используются значительно умереннее чем в аниме, однако этот принцип также получил распространение.

Ни в одной анимации мира сквозное движение не развито так как в аниме. Волосы персонажей почти всегда развеваются по ветру. Плащи волшебников и рыцарей могут развеваться даже в закрытых помещениях. Японцы уделяют очень много внимания сквозному движению и захлесту, это придает еще более живой вид персонажам.

Второстепенные действия. Часто для придания персонажу большей выразительности используют вторичные движения. Например, горюющий персонаж может часто сморкаться в платок, а удивленный подергивать плечами. В аниме такой прием называется «фансервис» - изображение предметов или специфических движений, не влияющих на сюжет, но способных дополнить психологический портрет героя (иногда не несет такого подтекста и служит для заполнения экранного времени)

Расчет времени. При расчете времени учитываются вес, инертность, объем и эмоциональное состояние героя. Настроение также передается скоростью движений персонажа. Так подавленный персонаж движется очень вяло, а воодушевленный достаточно энергично. Расчет времени имеет место в обеих системах анимации.

Профессиональный рисунок. Рисунок – основа всего. На студии Диснея довольно часто встречаются таблички вроде: «Чувствуется ли в твоем рисунке вес, глубина и равновесие?». Аниме и профессиональный рисунок – также понятия неразделимые. В Японии дизайном персонажей (kara-settei) занимаются отдельные люди. Многие художники сделали на этом свое имя.

Привлекательность. Привлекательность персонажа – путь к успеху всего фильма. Привлекательность имеется в обеих системах анимации. Привлекательность персонажей складывается из нескольких факторов:

Большие глаза придают герою юный и доброжелательный вид.

Большая голова – делает героев похожими на детей. Даже самый страшный монстр может стать безобиднее мышонка, если ему немного изменить пропорции тела.

У взрослых персонажей часто очень длинные ноги (чуть больше туловища с головой), за счет чего они выглядят более стройно.

Преувеличение. Уолт Дисней всегда требовал от своих работников большего реализма, на самом деле стремясь больше к «карикатурному реализму». Если персонаж должен был быть печальным, он требовал, чтобы его делали мрачным, счастливого же нужно было делать ослепительно сияющим. В аниме также работает этот принцип.

2.2.2.Различия

Сжатие и растяжение. Это, пожалуй, одно из самых значительных открытий Диснея за всю историю анимации. Этот принцип произвел революцию в мире анимации. Благодаря сжатию и растяжению персонажи уже не выглядели «каменными». Суть принципа состоит в том, что живое тело всегда сжимается и растягивается во время движения.

В аниме же сжатие и растяжение почти не используется. В то время как Дисней пошел по пути карикатур, аниме художники пошли по пути реализма, поэтому тела людей и животных становятся не безразмерными, а вполне реалистичными. Сжатие и растяжение может использоваться больше только в аниме для детей или нарисованных в чиби-стиле (карикатурный стиль рисовки)

Упреждение (или отказное движение). В реальной жизни для произведения какого-либо действия, человеку часто приходится делать подготовительные движения. Любой принцип Диснея является преувеличением, поэтому очень часто его герои, прежде чем побежать, осуществляют своеобразный замах ногой, что смотрится слишком смешно.

Аниме фильмы – это больше театр нежели карикатура. Так же на этот принцип откладывают отпечаток и всевозможные восточные единоборства. Бойцы обычно двигаются почти безинерционно, и ударам очень редко предшествует замах, позволяющий увидеть и блокировать его.

Сценичность. Для правильного восприятия персонажа зрителями все его движения, позы и выражения лица должны быть предельно просты и выразительны. Этот принцип основан на главном правиле театра. Камера должна быть расположена так, чтобы зритель видел все движения персонажа, а одежда не должна скрывать его движения.

Во время прохождения курсов повышения квалификации в Диснее Осаму Тедзука («бог японской анимации») не только изучал принципы Диснеевской анимации, но и сумел подойти к ним несколько с другой стороны. В аниме все внимание сосредотачивается на выражении лица и позе персонажа, что приводит к большему эмоциональному воздействию на зрителя.

2.3. Сюжет

Это одно из самых сильных мест в аниме. Сюжеты есть на любой вкус – и для взрослых и для детей, для мальчиков и девочек, про животных и гигантских роботов (приложение 2).

Как видно из данного списка, у аниме достаточно много жанров, предназначенных для людей разного возраста, преимущественно подростков.

На западе же, можно выделить только три основных сюжета: сказка для детей (чаще всего на классическом сюжете), «жертва-охотник» и супергерои. Обычно аниме рассчитано на более взрослую аудиторию, чем мультфильмы Диснея и поэтому сюжет многих затрагивает жизненные проблемы.

3. «Kingdom Hearts» - игра, соединившая столь разные техники

Как признаются авторы «Королевство сердец», идея игры появилась у них случайно. В феврале 2000-го сотрудники компании Square Enix Тецуо Номура и Синдзи Хасимото во время случайной встречи в лифте поделились с представителями Disney сумасшедшей мыслью. Отчаянные японцы предложили смешать персонажей Disney и Final Fantasy. Более года ушло на то, чтобы утрясти все формальности, и вот на выставке E3 в мае 2001-го «Королевство сердец» – игра во многом уникальная, соединившая в себе культуры Запада и Востока, – была впервые представлена публике. От компании Уолта Диснея произведение получило добрый сказочный мир и обаятельных, знакомых всем с детства героев, а от японцев – берущий за душу сюжет и умение собрать все компоненты в единое целое, работающее, словно дорогие швейцарские часы.

Вселенная игры состоит из десятков обособленных островков, каждый из которых посвящен одному из классических мультфильмов Диснея. Путешествуя между мирами, вы встречаете множество знакомых с детства персонажей вроде Аладдина или бурундуков Чипа и Дейла, хотя они частенько выступают в необычных амплуа. Те же Чип и Дейл тут подрабатывают механиками межпланетных кораблей, непутевый добряк Гуфи вдруг стал капитаном королевских гвардейцев, а Дональд Дак – придворным колдуном. По соседству с бурундуками и селезнями живут томные герои JRPG, например Клауд и Сефирот из Final Fantasy.

Казалось бы, ничто не может нарушить идиллию этих миров, но вдруг начинают происходить жуткие события. Повсюду пропадают люди и появляются странные создания, названные впоследствии Heartless (Бессердечные) и Nobodies (Никто). Это мрачные тени, возникающие после того, как человек лишается сердца: первые представляют собой физическое воплощение тьмы, которая и забирает сердца, а вторые – то, что остается от человека после «операции». Некоторые из них разумны, но большинство – нет. Для борьбы с чудищами существуют вооруженные кейблейдами мастера ключей. Кейблейд – особое оружие в виде гигантского ключа, которое нельзя украсть у его владельца и которое способно открыть и закрыть любой замок.

Данная игра получила большую популярность сразу после своего выхода во многих странах мира.

Заключение

Изучив литературу по данной теме, мы пришли к следующим выводам:

1. Оба стиля анимации отталкивались от одинаковых наработок. Современная анимация студии У. Диснея, пройдя большой промежуток времени, претерпела не сильные изменения. В её структуре лишь появились новые технологии и герои, подсказанные временем. Основные же правила остались прежними со времен великого аниматора.

Японская анимация, появившаяся как крепкое самостоятельное направление лишь в 1958 г., изменила принципы У. Диснея для создания собственного неповторимого стиля. Она развила и доработала, а иногда и полностью переработала многие принципы анимации а также создала собственный стиль рисунка.

1. Между аниме и анимацией студии У.Диснея больше сходств, чем различий. Это обусловлено тем, что они развивались на основе созданных и отработанных У.Диснеем правил анимации. Сходства проходят по основным правилам, в которых заключается создание реалистичных движений и привлекательности образов персонажей – главное, без чего любой мультфильм будет смотреться плохо и неказисто.

Основные различия же заключаются в рисунке и сюжетной направленности. Благодаря этому аниме и выглядит своеобразным и отличным от своего прототипа.

1. Итогом совместной работы аниматоров западного и восточного направления стало создание новой серии игр под названием «Королевство сердец». Она соединила столь разные на данный момент стили анимации, благодаря чему и выглядит необычно и красиво. Такого органичного соединения не произошло бы, не имей направления анимации общих «корней».

Литература

1. Аниме и Дисней muxacko. [Электронный ресурс]. – http://www.drawanime.ru/ ?pg=art&id=14
2. Гаврилов А. Анимационные сериалы США сквозь годы звука, цвета и телевидения. [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=53726
3. Гаврилов А. Сериальные работы Уолта Диснея: как появился Микки-Маус? [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=64961
4. История аниме. [Электронный ресурс]. – http://ru.wikipedia.org/wiki/
5. Комарницкий С. Kingdom Hearts: Birth by Sleep. [Электронный ресурс]. – http://www.igromania.ru/articles/118532/Kingdom_Hearts_Birth_by_Sleep.htm
6. 12 законов и принципов анимации. [Электронный ресурс]. – http://www.cgtarian.ru/poleznosti/12-zakonov-i-principov-animacii.htm

Приложение 1

Анкета для учащихся 10-х классов

Уважаемые учащиеся! Просим вас ответить на вопросы данной анкеты для определения актуальности работы по теме «Стили анимации»

Вопрос: Слышал ли ты когда-нибудь о таком стиле мультипликации как аниме?

Варианты ответа:

1. Не слышал
2. Слышал
3. Увлекаюсь

Результаты анкетирования учащихся 10-х классов

Ряд 1 – увлекаются

Ряд 2 – слышали, хотят узнать подробнее

Ряд 3 – не слышали

Приложение 2

Словарь популярных жанров японской анимации

• Сказка – жанр кодомо-аниме, экранизация классических сказок.
• Комедия – разновидность аниме, главное для которого – юмор: пародии, комедии положений, словесные и трюковые шутки.
• История – разновидность аниме, действие которого связано с теми или иными реальными историческими событиями.
• Драма – достаточно редкий для аниме жанр драматически-трагического повествования. Основной признак – отсутствие выраженного счастливого конца.
• Научная фантастика (НФ) – аниме, действие которого связано с существованием и использованием техники, не существовавшей на момент создания этого аниме (межзвездных космических кораблей, бластеров и т.д.) Обычно НФ-аниме излагает возможную историю будущего человечества, часто его сюжеты связаны с контактами с пришельцами.
• Космическая опера – разновидность НФ-аниме, концентрирующаяся на войнах, проходящих с активным использованием космических кораблей.
• Меха – сложные механизмы, как правило, самодвижущиеся, не имеющие реальных прототипов (т.е. придуманные специально для данного проекта). Обычно этим термином обозначают «гигантских роботов», огромные человекоуправляемые боевые машины. Жанр «меха» характеризуется активным использованием меха.
• Сэнтай – дословно «группа/команда», жанр аниме, рассказывающий о приключениях небольшой постоянной команды персонажей, борющихся с кем-либо или с чем-либо.
• Меха-сэнтай – то же, что и сэнтай, но команда персонажей при этом пилотирует один или несколько меха.
• Махо-сёдзё – «девочки-волшебницы», жанр сёдзё-аниме, рассказывающий о приключениях девочек, наделенных магической силой. Концентрируется на проблемах женского взросления.
• Спокон – жанр аниме, рассказывающий о юных спортсменах, добивающихся успеха путем воспитания в себе воли к победе. Объединение слов «спорт» и «кондзё» («сила воли»).
• Киберпанк – жанр аниме, рассказывающий о мире будущего, жизнь которого полностью определяют компьютерные технологии. Картины будущего при этом представляются мрачными и антиутопическими.
• Паропанк – жанр аниме, рассказывающий об альтернативных нашему мирах, находящихся на уровне технического развития, соответствующему Европе конца XIX века. Этот период характеризуется началом революции технических средств передвижения – появление дирижаблей, аэропланов, паровозов, пароходов. Техника, однако, все еще воспринимается простыми людьми не как нечто привычное и банальное, а как нечто чудесное и, зачастую, демоническое. Паропанк возник как альтернатива киберпанку. Если киберпанк обычно основывается на футуристической эстетике, то паропанк – на эстетике ретро.
• Фэнтези – аниме, рассказывающее о мирах, которыми правит не технология (как в НФ), а «меч и магия». В фэнтези часто фигурируют не только люди, но и разнообразные мифологические существа – эльфы, гномы, драконы, оборотни, люди-кошки, а также боги и демоны.
• Путешествие между мирами – разновидность аниме, в котором главный герой или герои перемещаются между параллельными мирами, обычно – между миром современной Японии и фэнтези-миром.
• Мистика – жанр аниме, действие которого связано с взаимодействием людей и различных таинственных сил. Последние не поддаются однозначному научному описанию, чем отличаются, скажем, от магии в фэнтези. Отношения с ними обычно связаны с различными моральными проблемами.
• Парапсихология – жанр аниме, действие которого связано с парапсихическими силами (телепатия, телекинез, гипноз).
• Апокалиптика – разновидность аниме, повествующее о наступлении Конца Света.
• Постапокалиптика – разновидность аниме, повествующее о жизни после глобальной катастрофы – Конца Света.
• Романтика – аниме, повествующее о любовных переживаниях.
• Мыльная опера – жанр романтического сёдзё-аниме, концентрирующийся на изложении сложных и запутанных любовных историй.
• Школьная мыльная опера – разновидность мыльной оперы, описывающая любовные истории школьников.
• Повседневность – аниме, описывающее повседневную жизнь обычных японцев (обычно - среднего класса) со всеми ее радостями и бедами.
• Социальный фильм или сериал – аниме, поднимающее животрепещущие проблемы современного общества.
• Психологический триллер – жанр аниме, повествующее о «приключениях человеческой души». Попадая в необычные ситуации, герои таких аниме переживают сложные и непредсказуемые психологические изменения.
• Боевик – жанр сёнэн-аниме, действие которого связано с боевым противостоянием.
• Самурайский боевик – жанр исторического сёнэн-аниме, действие которого связано с войнами самураев и ниндзя.

Предварительный просмотр:

Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него:

Анимация - (от лат. - вдохновение, оживление). В компьютерной анимации оживление является иллюзией, так как объект (созданный рисунок, модель) на экране на самом деле неподвижный. Мы выделили несколько причин, по которым анимация в вашем видео станет лучшим решением.

1. Точно в цель

Сфера применения компьютерной анимации достаточная широкая. Анимация встречается как в мультипликации, так и кинокартинах, компьютерных играх и видеорекламе. Такое видео притягивает внимание зрителя за счет яркого, реалистичного изображения и подачи информации любой сложности в непринужденной, легкой, игровой форме.

Каждый в детстве любил мультики, а компьютерная анимация - еще одно приятное напоминание об этом, она вызывает положительные эмоции и интерес к происходящему на экране.

Вы знакомы с "четвертой стеной" французского драматурга Дени Дидро и Мольера? Термин появился еще в XVIII веке. Так называли воображаемую стену, которая появляется между зрителем и актерами на сцене "трехстенного" театра и разделяет реальный мир с тем, в котором живут актеры в рамках сюжета пьесы. Следующим шагом стали попытки разрушить "четвертую стену", чтобы стереть границы реального и игрового мира и усилить эффект присутствия зрителя в театральной постановке или кинофильме. Последнее стало особенно популярно с развитием 3D-технологий. Вспомните только летящие в вас предметы с экрана в кинотеатре, которые создают реалистичный эффект и вызывают эмоции. Разрушить "четвертую стену" и стать ближе к зрителю в анимации можно за счет того, как анимационный/мультипликационный герой показывает зрителю, что он реален. Такой прием используется в конце мультфильма или анимационного видео, когда герой неожиданно обращается к зрителю или не дает экрану погаснуть, создавая иллюзию выхода за его пределы. Этот эффект не так часто используется, но всегда вызывает большой интерес. Ведь это первостепенная цель рекламодателя - удержать внимание зрителя и оригинально рассказать о продукте или услуге.

2. Motion Design

Технология motion design (моушн-дизайн) - это сочетание графического дизайна с 2D и 3D-анимацией, которая раскрывает основную идею рекламного или продуктового видеоролика и направляет все внимание зрителя на контент. Дизайн и анимация вписываются в основную концепцию видео, придавая большому объему информации определенную форму. Таким образом информация легко воспринимается, а картинка держит внимание от начала до конца видеоролика. В 60-е годы с появлением компании Motion Graphics Inc. началось развитие моушн-дизайна. Тогда основатель компании, дизайнер и аниматор Джон Уитни создавал анимационную графику для телевидения и кино.

Видео, которые мы создаем с помощью моушн-дизайна можно разделить на три категории:

• Комбинированный ролик (анимация + отснятое видео)

Приведем пример самого часто используемого вида двумерной графики из нашего портфолио - шейповой графики, и самого редкого, но не менее интересного вида - squigglevision графика.

Шейповая двумерная графика (от англ. shape - фигура, форма) состоит из плоских геометрических фигур. Простые анимационные объекты не перегружают картинку и восприятие зрителя, не рассеивают внимание на лишние детали. Весь акцент в шейповых видео делается на основной информации, которая характеризуется структурностью и простотой. Персонажи шейповой графики - частые герои корпоративных видео (инструкции, презентации, игровые сцены), развлекательных роликов и видео, представляющих бизнес-услуги или рекламный продукт.

Squigglevision - способ анимации, который изобрел Том Снайдер. В сравнении с рисованной мультипликацией, такая техника проще с точки зрения производства, что существенно экономит время, так как непрерывное движение контуров уменьшает потребность в более сложной анимации для придания сцене ощущения динамичности. Squigglevision анимацию вы можете встретить в нашем видео "Starwire. Мультфильм о розетках".

3D-графика - изображение объектов в объеме. Преимущество 3D для рекламного или продуктового видеоролика в том, что при работе с данной технологией можно создать любое пространство: реальное и вымышленное, но обязательно привлекательное для зрителя или потенциального покупателя. В таком видео с объектами или героями можно делать то, что нельзя во время съемочного процесса: оживить рекламируемый товар (наделить его мимикой и речью) или заставить объект трансформироваться, чтобы увидеть все его возможности. 3D-графика также используется в дизайне: создание заставок для мероприятия, необычная подача логотипа компании и т.д.

Комбинированная графика используется, когда 2D- или 3D- графику необходимо совместить с реально отснятым видеорядом. Так компьютерная графика или анимация взаимодействуют с отснятыми объектами в кадре или сопровождают их, визуализируя информацию с помощью инфографики. Ярким примером можно считать Doodle анимацию. Эта техника рисования в кадре от руки, демонстрация процесса создания персонажей, предметов и действий. В нашем видео для Сбербанка "Жизнь клиента банка через 5 лет " мы использовали Doodle анимацию.

3. Шаг за шагом (сценарий и раскадровка)

Хороший и грамотный сценарий - гарантия того, что ваше видео досмотрят до конца. Написание сценария - первый шаг к достижению коммерческой цели или реализации концепта с помощью анимационного видеоролика. Оригинальная концепция, которая ляжет в основу видео, повышает эффективность видеопродукта. Товар станет более желанным для потенциального покупателя (рекламное видео), условия предлагаемой услуги более привлекательными (продуктовое видео), а имидж компании - позитивным (корпоративное видео).

Итак, креативные концепции готовы, сценарий написан. Следующий шаг за раскадровками к видеоролику. Раскадровка - последовательность картинок будущего видео, которая пошагово отражает содержание каждого кадра и сцены.

Если как таковой раскадровкой принято считать набросок от руки, то при производстве анимационного видео чаще используется понятие "Storyboard" (сториборд, компьютерная раскадровка, анимационный сценарий) и steelshot (стилшот, это один кадр из сториборда).

Сториборд анимационного видео может быть полезен в следующих случаях:

• для утверждения с клиентом сцен будущего анимационного видеоролика;
• для визуализации проекта с профессиональной точки зрения, чтобы избежать ошибок в производстве;
• для удобства использования в дальнейшем данного сюжета и анимационных образов (в многосерийных видеороликах). Клиент может не менять анимационных героев, так как зритель/покупатель уже привык к образам, и это создает большее доверие.

Анимация в сочетании с инфографикой поможет грамотно расставить смысловые акценты, создать нужную атмосферу и передать большое количество информации (описание процесса, технологии, преимуществ, раскрытие проблемы и идеи). Каждый вид анимации способен привнести свои оригинальные особенности в ваше видео. А пока вы думаете, какая анимация вам ближе, ознакомьтесь с нашими 2D и 3D работами.

Все, кто занимается авторской анимацией, обязательно что-то изобретают, придумывая собственную технологию съемки, — такая уж это профессия. И не важно, работает автор мультфильма на компьютере или делает все рука-ми. Иногда эти изобретения зрителю не видны: они нужны самому художнику, чтобы все получилось так, как ему надо. А иногда они поражают воображение. Для ручных техник, пожалуй, самые главные и наглядные открытия делаются в трех направлениях: в том, как сделано само изображение, что становится для него фоном и как сделана сама анимация, то есть движение. А для циф-ровых технологий главным новшеством пока оста-ется VR - виртуальная реальность, где важна не сама анимационная техника, а то, как зритель смотрит это кино.

I Высокие технологии

Пожалуй, цифровые технологии меняются быстрее всего. Но в большинстве случаев зритель не замечает бесконечных усовершенствований компьютерной графики, позволяющих делать текстуры пушистых облаков, пронизанного солнцем моря или «живой» человеческой кожи или же рисовать в фильме огромную армию так, что никто и не подумает, что она не настоящая. При этом в «цифре» техники, полностью меняющие подход к анимации, появляются не так уж часто. Вот главные из них.

«Пёрл» («Pearl»)

Режиссер Патрик Осборн. США, 2016

Сегодня есть много возможностей увидеть фильмы с обзором на 360 градусов прямо в компьютере: технологии это позволяют. Сама техника анимации при этом может оставаться вполне традиционной: вот, например, рисованный «Пёрл» независимого американского режиссера Патрика Осборна, первый VR-фильм, номинированный на «Оскар». Это сенти-мен-тальная музыкальная исто-рия об отце и дочери, вся жизнь которых проходит в машине — хетчбэке 1970-х годов. Меняя курсором угол обзора, мы можем видеть ведущего маши­ну отца, а на заднем сидении - его взрослеющую дочь.

Gorillaz — «Saturnz Barz»

Режиссер Джейми Хьюлетт. Великобритания, 2017

Клип группы Gorillaz «Saturnz Barz» рассказывает фантастическую историю о посещении компа-нией заброшенного дома, где живут призраки. Благодаря технологии трехмерной компьютерной анимации, мы можем подробно рассмотреть этот страшноватый дом, а потом, вылетев в космос, разглядывать небесные тела вокруг.

«Обратно на Луну» («Back to the Moon»)

Режиссеры Франсуа-Ксавье Гоби, Элен Леру. США, 2018

Проект, неожиданным образом объединивший VR-тех -нологии и дудлы гугла . Первый интерактивный дудл с обзором на 360 градусов был посвящен фильму «Путешествие на Луну» пионера кино Жоржа Мельеса. «Обратно на луну» можно скачать на мобильный телефон в Google Spotlight Stories, потом вставить телефон в специальные очки для VR (подойдут картонные Cardboard) и оказаться прямо внутри мультфильма, где действуют красотка, фокусник и зеленый тролль.

3D-ручка

«Ties» («Узы»)

Режиссер Дина Великовская. Германия, в работе

Еще одна удивительная возможность, которую дают нам высокие техно-логии, — это 3D-ручка, с помощью которой можно рисовать в воздухе. Ее уже активно используют в дизайне, но, кажется, в анимации таких опытов еще не было, хотя эта технология, соединяющая рисунок и предмет-ность, букваль-но создана для мульт-фильмов. И вот как раз сейчас российский режиссер Дина Великов-ская, снимавшая и кукольные, и рисованные фильмы, начала в Герма-нии снимать мультфильм «Узы» с помощью 3D-ручки. Пока что доступен только тизер.

Необычное использование Motion Capture

II Непривычные материалы и способы создавать изображение

Теперь перейдем к ручным техникам, среди которых есть пусть не новые, но необычные и редкие. В первую очередь посмотрим на то, каким образом и из каких материалов можно создавать само изображение для мультфильма.

Анимация на игольчатом экране

«Здесь и великое нездесь» («Here and the Great Elsewhere»)

Режиссер Мишель Лемье. Канада, 2012

Технику игольчатой анимации придумал в начале 1930-х годов Александр Алексеев, наш бывший соотечественник, после революции эмигрировавший во Францию. Суть ее в том, что иглы свободно ходят в отверстиях вертикально стоящего экрана и при нажатии образуют скульптурную форму с другой сторо-ны. Само анимационное изображение создается тенями, которые отбрасывают иглы, и получается очень мягким и летучим, оно немного напоминает рисунок углем или порошком. Техника эта непростая, а экранов, созданных Алексее-вым, в мире всего два: один во Франции, а другой в Канаде. Соответственно, и последователей Алексеева, работающих на этих экранах, немного. Один из последних фильмов, сделанных в этой технологии, — снятый в 2012 году «Здесь и великое нездесь» канадки Мишель Лемье, философские и фантас-тические истории о Вселенной и по-пытке человека понять мир.

«Рыба из лапши» («Noodle Fish»)

Режиссер Чжин Ман Ким. Южная Корея, 2012

Свой прелестный вариант игольчатой техники придумал корейский режиссер Чжин Ман Ким. Вместо иголок он утыкал экран лапшой, и изображение у него строится не столько из тени от иголок, сколько из самих этих иголок-макаро-нин, складывающихся то в барельеф, то в контррельеф, изобра-жающие героев и среду мультфильма. Рыбка из лапши мечтает познать мир, попав из лужи в море; она хочет узнать, что находится за границами воды, но к финальным титрам попадает в тарелку аниматору. Герои говорят на ко-рей-ском, но есть английские субтитры, к тому же сюжет понятен и без слов.

Анимация светом

«Но что за блеск (я вижу на бал-коне)?» («What Light (Through Yonder Window Breaks)»)

Режиссер Сара Уикенс. Великобритания, 2009

Рисовать можно и светом. Например, как очень оригинально это сделала дипломница лондонского Королевского колледжа искусств Сара Уикенс в своем фильме «What Light (Through Yonder Window Breaks)». Это строчка из монолога влюбленного Ромео в сцене на балко-не из «Ромео и Джульетты», которая в пе-ре-воде Пастернака полностью звучит так: «Но что за блеск я вижу на балко-не? / Там брезжит свет. Джульетта, ты как день! / Стань у окна, убей луну сосед-ством…» Сара снимает историю про ожившее пятно света в своей мансарде, не используя никаких сложных технологий, а только сам свет, зеркала и трафареты (то, как она это делает, можно увидеть на финальных титрах). Ее герой — шаловливый солнечный зайчик, похожий на духа воздуха Ариэля из шекспировской же «Бури».

Pikapika — «Go! Go! Pikapika!»

Режиссеры Кадзуэ Монно, Такэси Нагата. Япония, 2007

Есть еще одна, сегодня ставшая популярной, технология анимации светом, она называется «фризлайт» — замерзший свет. Художники рисуют в воздухе цвет-ными фонарями и снимают это с большой выдержкой — получается очень нарядно. Вот, например, музыкальное видео японского проекта Pikapika, получившего множество наград за разработку этой технологии.

Stop motion из непривычных материалов

Эфрат Бен-Цур — «Robin»

Режиссеры Юваль и Мерав Натан. Израиль, 2014

Анимационная технология stop motion («остановленное движение») — самая что ни на есть традиционная и распространенная в анимации. Обычно этим термином называют работу с куклами и предметами: их фотогра-фируют по-кадрово, меняя положение объекта, а потом соединяют фотографии — на видео получается движение. Но когда вместо кукол и привычных предметов выступают неожиданные материалы, старая техника снова выглядит новой и эксперимен-тальной. Вот, например, анимация цветов и листьев в музы-кальном видео израильских аниматоров Юваля и Мерав Натан для песни Эфрат Бен-Цур на стихотворение Эмили Дикинсон «Малиновка» («Robin»).

Орен Лави — «Her Morning Elegance»

Режиссеры Юваль и Мерав Натан. Израиль, 2009

У этой же режиссерской пары есть еще один экспериментальный и сильно повли­яв­ший на многих аниматоров клип, где в технологии stop motion снимали людей.

«Бриллиант» («Shiny»)

Режиссеры Дэниель «Облако» Кампос, Спенсер Сассер. США, 2016

Есть очень остроумные фильмы, где анимируется одежда, причем часто технология находится на границе двух популярных техник — stop motion и перекладки, где детали, в отличие от предметной анимации, двигаются на плоскости по частям, как в аппликации. Вот, например, такая авантюрная история, снятая американскими режиссерами Дэниелем «Облако» Кампосом и Спенсером Сассером (для этого фильма существенно, что первый из них — танцор и хореограф).

Сыпучая анимация из необычных материалов

«Чинти»

Режиссер Наталья Мирзоян. Россия, 2011

За последние годы сыпучая (или порошковая) анимация из редкой техники превратилась в одну из самых популярных. Но все привыкли к тому, что это делается из одних и тех же материалов, в основном из песка и кофе. Разумеет-ся, мультфильмы можно снимать не только из них, но и из всего, что может сыпаться, — даже из железной стружки, добавляя интересные эффекты магнитом. Лучшие из сыпучих материалов традиционно находятся на кухне, и тут дополнительный смысл может привнести их вкус, крупность частиц или происхож-дение. Вот, например, мультфильм петер-бургского режиссера Натальи Мирзоян «Чинти» о мечтательном муравье. Его история происходит в Индии, и поэтому особенно уместно выглядит анима-ция, сделанная с использованием разных сортов чая.

«Вспыльчивый человек»

Режиссер Наталья Антипова. Россия, 2004

Фильм вгиковской дипломницы Натальи Антиповой «Вспыльчивый человек» сделан из специй. И поскольку в восточной притче речь идет о человеке, который не может подавить свой гнев, здесь используется красный перец и другие острые приправы.

«Котенок, который потерялся», «Про ежа и яблоко», «Балет в лесу»

Режиссер Светлана Разгуляева и ее ученики в Цехе сыпучей анимации. Россия, 2015

На Фабрике мультфильмов Большого фестиваля мультфильмов режиссер Светлана Разгуляева с учениками сняла три простые истории про котенка, ежика и лесной балет, используя все домашние запасы: разноцветные крупы, фасоль, чечевицу, макароны разных форм и многое другое. А на следующий год на Фаб-рике дети сняли «Шагайку »: эта коротенькая анимация из гаек и желе-зок, тоже частично работающая как сыпучая, рассказывает о Большом взрыве.

Анимация киселя

«Простейшие» («Protozoa»)

Режиссер Анита Накви. Польша, 2011

Продолжая кухонную тему, надо рассказать и о прекрасном фильме молодого польского режиссера Аниты Накви под названием «Простейшие». Главный строительный материал для мульт-фильма Аниты — кисели разных цветов.

Анимация медицинских снимков

«Чужие тела» («Corps étrangers»)

Режиссер Николя Бро. Канада, 2013

Еще одна интересная возможность внутри привычной техники компьютерной анимации. Канадский режиссер Николя Бро снял очень красивое абстрактное кино «Чужие тела», используя изображения, взятые из разного рода медицин-ских исследований — компьютерной томографии, МРТ и т. д. Наши органы тут превращаются в диковинных животных, и тело действи-тельно ощущается как что-то странное и чужеродное.

Анимация с использованием шелкографии

«A Love Letter to the One I Made Up» («Любовное письмо тому, кого я придумала»)

Режиссер Рахель Гутгарц. Израиль, 2017

Оригинальную технологию использовала выпускница израильской Академии искусств «Бецалель» Рахель Гутгарц. Для своего дипломного фильма, в котором девушка по дороге домой размышляет, каким она себе представляет идеаль-ного мужчину, и в воображении пишет ему письмо, Рахель использовала шелко--графию, то есть печать каждого кадра через трафарет. Ручная печать, которая каждый раз получается по-разному, дает особый, «трепещущий» кадр и «живой», насыщенный цвет. Фильм на иврите, есть английские субтитры.

Пиксиляция

«Стэнли Пикл» («Stanley Pickle»)

Режиссер Вики Мэтер. Великобритания, 2015

Пиксиляция — не новая, но тем не менее не слишком часто использующаяся анимационная техника. Для нее снимают реальное движение (человека, напри-мер), а потом видео покадрово перемонтируют так, что оно уже выглядит анимационным. Именно этим способом, например, можно показать волшеб-ный полет человека над землей: снять, как он подпрыгивает, а потом вырезать все кадры, где он взлетает и приземляется, и оставить только кадры в воздухе. Знаменитый фильм, снятый при помощи пиксиляции, «Стэнли Пикл» британ-ки Вики Мэтер — очень подходящая для этой технологии исто-рия о молодом гении-изобретателе, который сделал себе механиче­скую семью и жил в мире шестеренок, пока не встретился с живой девушкой.

«Светило» («Luminaris»)

Режиссер Хуан Пабло Зарамелла. Аргентина, 2011

И еще один знаменитый фильм в технике пиксиляции — «Светило» аргентин-ского режиссера Хуана Пабло Зарамеллы. Тут режиссер очень естественно соединяет пиксиляцию с предметной анимацией (соединение разных техник сегодня распространено), чтобы показать, какие фантастические собы-тия происходят в как будто совсем реальном мире. Перед нами производствен-ный роман — насмешливый и лирический.

Анимация из фотографий

«На пороге Ильич»

Режиссер Михаил Солошенко. Россия, 2014

Анимация из фотографий - это, конечно, не термин: строго говоря, любая stop motion анимация, как и перекладка, строится из покадровой съемки. Но вги-ков-ский учебный фильм Михаила Солошенко «На пороге Ильич» был сделан сложнее: в нем участво-вали четыре актера, каждого для этого фильма снимали по кадрам как кук-лу и вырезали. Отдельно снимали мимику, чтобы на каждую реплику поста-вить подходящее движение губ, отдельно — всю обстановку. Получилось тысячи вырезанных фотографий и их фрагментов. Тут такая сложная техно-логия была нужна в частности потому, что в этой пародийной истории масштаб персонажей разный: герой и его мама — обычные люди, а Ленин и Пушкин — это питомцы размером примерно с кошку. Ну и потому, что в такой ручной сборке все предметы, вроде бы оставаясь настоящими, получили какую-то гротескную неправильность, очень идущую этой абсурдной истории.

«4min15 au révélateur»

Режиссер Мойя Жобен-Паре. Канада, 2015

Успешным фестивальным дебютом канадки Мойи Жобен-Паре стал экспери-ментальный фильм, для которого Мойя сама придумала технологию. Она снимала город и свою сестру через окно квартиры, потом распечатывала гору фотографий и процарапывала на них эмульсию, наблюдая, как меняются на серебряном отпечатке текстура и цвет, а затем уже снова соединяла изобра-же-ние на компьютере. Получилось очень интересное полуабстрактное кино.

Коллажная анимация

Трейлер театрального фестиваля NET 2017 года

Режиссеры Мария Алигожина, Алексей Ермолаев. Россия, 2017

Коллажная анимация — это на самом деле частный случай традиционной техники перекладки, использующей в первую очередь не авторское изобра-жение, а ready-made (например, фотографии, вырезанные из глянцевых жур-налов и подчеркнуто искусственно двигающиеся). Вот, например, коллажный трейлер театрального фестиваля NET, снятый Марией Алигожиной и Алексеем Ермолаевым.

Анимация, сделанная из кино

«Быстрый фильм» («Fast Film»)

Режиссер Вирджил Видрич. Австрия, Люксембург, 2003

Австрийский режиссер Вирджил Видрич снял свой «Быстрый фильм» как знак признательности старому Голливуду. Классическая история погонь и спасения героем прекрасной женщины создана из кадров и микрофрагментов 400 ста-рых фильмов от «Мальтийского сокола» и «Годзиллы» до «Психо»: Видрич распечатал 65 тысяч кадров и сложил из них предметы — самолеты, поезда, машины, — в которых и разворачивается действие. Герои фильма ежесекундно меняют лица: Хамфри Богарт начинает целовать одну звезду, а отрывается уже от другой; в дверь заглядывает один актер, а высовывается голова другого, — настоящий подарок для киномана.

Анимация на пишущей машинке

«Машинопись» («Schreibmaschinerie»)

Режиссер Каро Эстрада. Австрия, 2012

Еще один пример того, что основой изображения в мультфильме могут быть самые неожиданные вещи, взять хотя бы буквы и знаки, напечатанные на старой пишущей машинке. Фильм австрийки Каро Эстрады так и называется — «Маши-нопись» (Каро говорила, что вдохновила ее случайно обнаруженная пишущая машинка бабушки). На этой машинке и было снято антивоенное кино, посвященное Первой мировой.

«G-AAAH»

Режиссер Элизабет Хоббс. Великобритания, 2016

Британка Элизабет Хоббс посвятила свой фильм «G-AAAH» Эми Джонсон, которая работала машинисткой до того, как в 1930 году совершила рекордный одиночный перелет из Англии в Австралию. Элизабет тоже «нарисовала» весь свой фильм на старой машинке Underwood 315. Надо сказать, мультфильмы из букв (напечатанных или написан-ных вручную) хоть и всегда выглядят экспериментально, но встречаются не так редко. Вот , например, фильм «Loof and Let Dime», снятый дипломником ВГИКа Романом Верещаком. Это абсурдистское стихотворение поэта-аутиста Кристофера Ноулза, его читает американский театральный режиссер и художник Роберт Уилсон.

Анимация из войлока

«Мягкие растения» («Zachte Planten»)

Режиссер Эмма де Свааф. Бельгия, 2008

В куклах, сделанных из войлока, вроде бы нет ничего особенного. Но несколько лет назад, после выхода фильма «О, Вилли… » бельгийских режиссеров Эммы де Свааф и Марка Рулса, где не только герои, но и весь мир выглядел мягким и опушенным, как шерстяной носок, валяная техника всех особенно заинте-ресовала. Теплое пространство было обманчивым: мягкие беззащитные герои «О, Вилли…» вовсе не чувствовали себя в безопасности (детям мультфильм может показаться довольно страшным). Это же видно и в самом первом, дипломном фильме «Zachte Planten» («Мягкие растения») Эммы. Ее мульт-фильм о том, как офисному клерку приснились страшные приключения в мягком лесу.

Рисование кровью

«Манифест крови» («Blood Manifesto»)

Режиссер Теодор Ушев. Канада, 2014

Надо сказать, что рисовать можно и кровью. Вот «Blood Manifesto» канадского режиссера Теодора Ушева, снятый в недавнем револю-ционном жару, когда весь мир (а с ним и Канада, как и Россия) протестовал против тоталитаризма власти. Собственная кровь, как и собственная ритми-зованная проза (мультфильм пока не переведен с английского языка на рус-ский), и плакатно-поэтический изобразительный стиль — все работает на дух этого фильма, похожего на горькую песню революции.

Силуэтная анимация

«Трое изобретателей» («Les Trois Inventeurs»)

Режиссер Мишель Осело. Франция, 1980

Силуэтная техника — редкая, но одна из самых старинных. Прославила ее еще пионер анимации немка Лотте Райнигер, а одним из самых знаменитых ее последователей в этой технике считается французский режиссер Мишель Осело. Его «Трое изобретателей» — невероятно изящный фильм, похожий на кружевные салфетки. Печальная история о семействе трех гениев-изобре-тателей, которых обыватели посчитали колдунами, — разрушили их изобре-тения и сожгли дом. Мультфильм на французском, но текста там очень мало, да и сюжет вполне понятен.

Сюго Токумару — «Katachi»

Режиссеры Кася Киек, Пшемек Адамски. Япония, 2012

А вот современный вариант силуэтной техники — музыкальное видео для япон-ского исполнителя Сюго Токумару, снятое польской режис-серской парой Касей Киек и Пшемеком Адамски: здесь новые бумажные силуэты не заменяют прежние, а встают впереди них, оставляя за собой все предыдущие фазы движения, как его след. Можно , как это было снято: фазы рисовали на компьютере, распечатывали и вырезали их лазером.

III Необычный фон и пространство для анимации

Бывает, что фильм выглядит очень необычно, хотя анимационная техника, которая в нем используется, вполне традиционна - особенным его делает фон или простран-ство. Представьте, например, мультфильм, нарисованный на теле (а такое бывает), или фильм, где анимация проецируется на реальное пространство леса. Вариантов не счесть, вот самые известные.

Анимация на стенах домов и в пространствах города

«Big Bang Big Boom»

Режиссер Blu. Италия, 2010

Аниматоры есть и среди художников, занимающихся уличным искусством, рисующих граффити и превращающих стены домов и городские объекты в гигантские фоны для своих мультфильмов. Одним из самых знаменитых аниматоров-граффитистов считается художник, скрывающийся под ником Blu. Он любит соединять сюрреалистическую рисованную анимацию с пред-метной. Вот, например, его фильм «Big Bang Big Boom» рассказывает исто-рию о Боль-шом взрыве, создавшем мир, и использует для этого весь город: дома, завод-ские территории, городской пляж, мосты, машины и так далее.

«Трафаретное танго № 2» («Stencil Tango no. 2»)

Режиссеры Марио Руллони, Хуан Пабло Зарамелла. Аргентина, 2010

Еще один мультфильм на стенах — уже не рисованный, а сделанный с помо-щью трафаретного граффити на стене полуразрушенного дома. Для того чтобы изготовить трафареты, профессиональных танцоров