Музыка занимала особое место в жизни российского общества первой половины XIX в. Музыкальное образование было необходимым компонентом воспитания и просвещения молодого человека. Музыкальная жизнь России была достаточно насыщенной. В 1802 г. было основано Русское Филармоническое общество. Для широкой публики становятся доступными ноты.

В обществе усилился интерес к камерным и публичным концертам. Особенно привлекали внимание многих композиторов, писателей, художников музыкальные вечера у А.А.Дельвига, В.Ф.Одоевского, в литературном салоне З.А.Волконской. Большим успехом у публики пользовались летние концертные сезоны в Павловске, которые стали устраиваться с 1838 г., когда сюда была проведена железная дорога из Петербурга. Неоднократно в этих концертах выступал австрийский композитор и дирижер И.Штраус.
В первые десятилетия XIX в. большое распространение получила камерно-вокальная музыка. Особенной любовью слушателей пользовались романсы А.А.Алябьева («Соловей»), А.Е.Варламова («Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица мете г...» и др.), (романсы, песни в народном стиле - «Колокольчик», «Вьется ласточка сизокрылая...» А.Л.Гурилева).
Оперный репертуар русских театров в начале века состоял преимущественно из произведений французских и итальянских композиторов. Русская опера развивалась главным образом в жанре былинного характера. Лучшим представителем этого направления был А.Н.Верстовский, автор оперы «Аскольдова могила» (1835), а также нескольких музыкальных баллад и романсов («Черная шаль» и др.). В операх и балладах А.Н.Верстовского сказалось влияние романтизма. В опере «Аскольдова могила» отражалось характерное для романтического искусства обращение к историческим сюжетам и эпосу, который фиксировал представление народа о своем прошлом.
Приблизиться к уровню великих творений западноевропейских композиторов - Баха, Гайдна, Моцарта, Бетховена и др. можно было только на основе глубокого освоения народно-национального мелодизма с одновременным его преображением в русле основных завоеваний европейской музыкальной культуры. Эта работа началась еще в XVIII в. (Е.Формин,
Ф.Дубянский, М.Соколовский) и с успехом продолжалась в первые десятилетия XIX в. А.Алябьевым, А.Гурилевым, А.Варламовым, А.Верстовским. Однако начало нового (классического) периода в развитии русской музыки связано с именем М.И.Глинки.
М.И.Глинка (1804-1857) принадлежал к дворянской фамилии из Смоленской губернии. Первые музыкальные впечатления Глинка получил от крепостного оркестра своего дяди. Русские народные песни, услышанные в детстве, оказали большое влияние на характер музыкальных произведений Глинки. В конце 20-х - начале 30-х XIX в. Глинка создал ряд выдающихся вокальных произведений, в том числе такие романсы, как «Ночной зефир» (стихи А.С.Пушкина, 1834), «Сомнение» (1838), «Я помню чудное мгновенье...» (1840). Выдающимся событием в музыкальной жизни России явилась постановка в 1836 г. оперы «Жизнь за царя» («Иван Сусанин»). В лице костромского крестьянина Ивана Сусанина композитор показал величие простого народа, его мужество и стойкость. Новаторство Глинки состояло в том, что представитель русского народа, русский крестьянин стал центральной фигурой музыкального повествования. Народно-героический пафос получил яркое воплощение на основе виртуозной техники и большого разнообразия вокально-инструментальных партий. Опера «Жизнь за царя» стала первой классической русской оперой, которая положила начало мировому признанию русской музыки. Великосветское общество довольно сухо встретило оперу, но истинные ценители искусства восторженно приветствовали спектакль. Поклонниками оперы были А.С.Пушкин, Н.В.Гоголь, В.Г.Белинский, В.Ф.Одоевский и др.
Вслед за первой оперой Глинка написал вторую - «Руслан и Людмила» (1842) по сказке А.С.Пушкина. На стихи Пушкина Глинка написал ряд замечательных романсов, и поныне пользующихся широкой известностью. Романс «Я помню чудное мгновенье» убеждает, насколько музыкальный стиль Глинки был близок пушкинской лирике. Глинка явился автором инструментальных пьес, симфонической поэмы «Камаринская».
Трудно переоценить вклад Глинки в развитие русской национальной музыки. Глинка - родоначальник жанров отечественной профессиональной музыки. Он создал национальную русскую оперу, русский романс. Глинка был первым русским музыкальным классиком. Он был основоположником национальной школы в музыке.
Другим замечательным композитором был А.С.Даргомыжский (1813-1869) - ученик М.И.Глинки. Для его творчества характерна большая драматическая напряженность (опера «Русалка», 1856). Даргомыжский брал сюжеты из обыденной жизни и выбирал своими героями простых людей. Русская интеллигенция приветствовала оперу Даргомыжского
«Русалка», где изображалась горькая участь крестьянской девушки, обманутой князем. Это произведение было созвучно общественным настроениям предреформенной эпохи. Даргомыжский выступил новатором в музыке. Он привнес в нее новые приемы и средства музыкальной выразительности. Именно в опере Даргомыжского «Каменный гость» появился вмоа-зительный мелодичный речитатив. Декламационная форма пения оказала большое влияние на последующее развитие русской оперы.

Отправить свою хорошую работу в базу знаний просто. Используйте форму, расположенную ниже

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.сайт/

Истори я русской музыкальной культуры XIX век а

Исторические особенности русской музыкальной культуры XIX века

В истории русской музыкальной культуры XIX век вошел как период его полного и всестороннего развития. В этот период свои бессмертные произведения создали М.И. Глинка, А.С. Даргомыжский, А.П. Бородин, М.П. Мусоргский, Н.А.Римский-Корсаков, М.А.Балакирев, П.И.Чайковский. Дальнейшее развитие русской музыкальной классики связано с именами А.К. Глазунова, А.К. Лядова, С.И. Танеева, А.Н. Скрябина и С.В. Рахманинова, значительная часть творчества которых падает уже на XX век.

Процесс утверждения русской музыкальной культуры совершался стремительно и бурно. Он шел одновременно в разных направлениях: в области новых творческих завоеваний в различных жанрах, активного обогащения выразительных средств, в развитии музыкально-критической и эстетической мысли.

Достижения первой половины XIX века были подготовлены предшествующим периодом, но много совершенно нового, вызванного изменениями в самой жизни. Содержание и идейно-эстетическую направленность развития искусства определяла та напряженная и сложная общественно-политическая обстановка, которая сложилась не только в России, но и в Западной Европе. Экономическое и политическое развитие ряда европейских стран было затруднено агрессивной политикой Наполеона I, ставшего императором Франции после поражения французской революции конца XVIII века. Военный поход на Россию окончился для Наполеона поражением. В Отечественной войне 1812 года на защиту Родины встал весь русский народ. Эти события породили большой подъем в обществе, вызвали проявление горячего патриотизма народа, рост его гражданского, самосознания. В то же время победа над Наполеоном заставила по-новому взглянуть на положение народных масс. Растет народное недовольство, усиливаются крестьянские волнения, возникают оппозиционные настроения среди лучших представителей дворянства, которые понимают страшное противоречие между могучей героической силой народа и его бесправным, угнетенным положением в стране. Именно эти события дали сильнейший толчок декабристскому движению, которое было жестоко подавлено в 1825 году.

В истории русского искусства восстание декабристов проложило глубокий рубеж. Идеология декабристов послужила той почвой, на которой выросло творчество А.С. Пушкина. Пушкин накануне декабрьского восстания написал первую реалистическую народную трагедию «Борис Годунов», Грибоедов - обличительную комедию «Горе от ума», декабристские годы вызвали небывалый расцвет стихотворных жанров.

Решающие сдвиги осуществились и в области музыки. Композиторы начала XIX века много работают в области театральных жанров. К ранним театральным жанрам принадлежат сказочные оперы «Князь-невидимка» и «Илья-богатырь», патриотическая опера «Иван Сусанин» Кавоса, музыка Козловского к трагедиям В.А. Озерова «Эдип в Афинах и «Фингал», «Дебора» Шаховского, оратория С.А. Дегтярева «Минин и Пожарский» или «Освобождение Москвы».

Широкое распространение получил водевиль - легкая комедия с музыкальными номерами. Первым русским водевилем принято считать пьесу Шаховского «Казак-стихотворец» с музыкой Кавоса.

Инструментальное творчество русских композиторов было связано в основном с домашним музицированием. Из произведений крупной формы выделяются концертная увертюра, одночастная симфония А.А. Алябьева. Как автор различных по жанру и характеру фортепианных пьес выдвинулся А.Л. Гурилев. Наиболее значительны соната, «24 прелюдии и фуги». Очень был развит жанр вариаций. Также создаются квартеты и другие произведения для инструментальных ансамблей. Особую популярность приобрела гитара, основателем гитарной школы был А.О. Сихра.

Свой вклад в развитие русского музыкального искусства внесли композиторы А.Н. Верстовский, А.А. Алябьев, А.Е. Варламов, А.Л. Гурилев.

Верстовский вошел в историю музыки как театральный композитор, автор романтических опер. Именно Верстовский возродил русскую оперу. В течение 10 лет не было создано ни одного значительного произведения в этом жанре. В своей лучшей опере «Аскольдова могила» он внес новые темы, образы и средства музыкально-драматической выразительности.

В период 20-х годов начинает свой творческий путь М.И. Глинка. Рассматриваемый период можно назвать глинкинским. Могучая творческая личность Глинки подняла русскую музыку на новую ступень развития, заслонив собою почти все созданное предшественниками. Создатель русской классической оперы и классического романса, он также заложил основы классического русского симфонизма. Главные качества, которые возвышают его среди других композиторов это - широта взгляда на мир, глубокая связь со своим временем и жизнью своего народа.

Во второй половине 30-х годов в русской музыке выдвигается новое имя - Даргомыжского. Начало XIX века в России отмечено быстрым развитием нового направления, охватившего все страны Европы - романтизма. Романтизм оказал огромное воздействие на судьбы мирового искусства. В нем выразилась неудовлетворенность нового молодого поколения окружающей действительностью, протест против несправедливого социального устройства мира. Мечты о свободе человеческой личности, свободном проявлении духовных сил человека с необычайной силой отобразились в творчестве Байрона. С идеологией «воинствующего романтизма» связали свои имена крупнейшие деятели искусства - Шопен и Мицкевич, Гюго, Берлиоз и Лист.

Особое значение для развития русского искусства имела важная тенденция романтизма - борьба за национальное своеобразие художественных форм, стиля и средств выражения. Романтики выступили в защиту всего индивидуального, самобытного, характерного. Они старались пробудить интерес к жизни родного народа, к его историческому прошлому, к народным песням, сказаниям и легендам. Именно эти стороны романтической эстетики прежде всего затронули творчество композиторов пушкинской эпохи и помогли им существенно обогатить язык и стиль русской музыки.

В лучших произведениях эпохи романтизма, в романсах Глинки, Алябьева, в операх Верстовского, в темпераментной лирике Варламова мы находим живое отображение народного быта, характеров и типов, стремление проникнуть вглубь человеческой души. Преодолевая крайности романтической эстетики.- субъективизм, преувеличенность чувств, стремление к «исключительному», - русские композиторы, как и их современники - поэты, переходят к более реальному и всестороннему воспроизведению действительности.

Решающее воздействие на весь путь развития русской музыки оказал Пушкин. Пушкинская концепция исторической драмы подготовила путь Глинки к народно-героической опере «Иван Сусанин». Глубоко народные по духу и складу произведения Пушкина «Руслан и Людмила», «Русалка» определили дальнейшее развитие русской классической оперы у Глинки и Даргомыжского. Его лирические стихотворения стали основой русского классического романса.

Уже в середине XIX века русская музыкальная классика дает пример единства глубокого содержания и совершенной художественной формы. Существенно изменился жанр оперы. Это уже не сеть отдельных музыкальных номеров, объединенных одним сюжетом, а целостное музыкально-драматическое произведение с единым тематическим замыслом и монолитной формой. Стержнем драматургического развития является конфликт. В своих операх Глинка развернул картины отечественной истории («Иван Сусанин», 1836г.), былинного эпоса («Руслан и Людмила», 1842г.). Его современник Даргомыжский показал в опере «Русалка» драму социального неравенства, драму простого человека.

В симфонической музыке Глинки, в его «Камаринской» и «Испанской увертюре» заложены основы программной музыки. Те же принципы симфонического развития нашли претворение у его ученика Балакирева, у Чайковского и композиторов «Могучей кучки».

Процесс развития музыкальной культуры XIX века был сложен, полон противоречий. Начало XIX века - период развития жанра романса. Влияние на русский романс оказала русская поэзия, особенно творчество А.С.Пушкина. музыкальный культура русский

Русский бытовой романс того времени стал как бы лабораторией творческого переинтонирования, создания новой музыкальной стилистики. Русская и украинская мелодика, русские и западноевропейские танцевальные ритмы, речевая и декламационные интонации в вокальной музыке, отдельные «итальянизмы» и распространенные обороты немецкой, французской музыки - все это можно встретить в жанре бытового романса.

Основные черты музыки бытового романса: ведущая роль в мелодике принадлежит секстовой интонации: скачок на сексту вверх и скачок на секту вниз на гармонический вводный тон с последующим разрешением; широкое использование приемов мелодического задержания; частое использование низкого регистра, что придает музыке особый, патетический характер; включение речитативных и декламационных оборотов как средств драматизации; преобладание гармонического минора; частое отклонение в ближайшие тональности, сопоставление мажора и минора для показа смены настроений, частое использование IV повышенной ступени; использование ритмов бытовых танцев, особенно вальса, мазурки, полонеза, серенады; связь с бытовой инструментальной музыкой, выраженная в применении гитарообразных и арфообразных фигурации; форма романса чаще всего куплетная; распространение цыганского стиля исполнения.

Романтические веяния проявились в жанрах баллады. Появляются замечательные баллады Верстовского, Алябьева, Варламова. Построенная в свободной форме развернутого драматического монолога, баллада отличалась сложностью композиции.

Создателем баллады считается Верстовский. Широко известны его баллады «Черная шаль» на слова А.С. Пушкина, «Три песни скальда», «Бедный певец» на слова Жуковского. Одним из самых распространенных жанров в музыке первой половины XIX века становится «русская песня», возникшая как подражание народной музыке. Это песни в народной манере. Важное значение этот жанр получил у Алябьева, Гурилева, Варламова. Их «русские песни» богаты и разнообразны по содержанию.

В пушкинскую эпоху излюбленным видом творчества как поэтов, так и музыкантов, становится элегия - особый вид романса, в котором преобладают созерцание, размышление, глубокое раздумье. Элегии Пушкина, насыщенные философским, гражданским содержанием, привлекали многих композиторов. Известна элегия Геништы на слова Пушкина «Погасло дневное светило». Замечательна элегия молодого Глинки «Не искушай» на слова Баратынского. Особое место в русском вокальном творчестве занимают застольная и походная песни, в которых затрагивается героико-патриотическая тема.

Свидетельством роста русской музыкальной культуры во второй четверти XIX века явилось творчество Алябьева, Варламова и Гурилева.

Алябьев А.А. (1787-1851)

Александр Александрович Алябьев родился в Тобольске. Как и многие его великие современники происходил из родовитой дворянской семьи, получил в детстве отличное и разностороннее образование. С юных лет проявил творческую одаренность. В 1812г. вступил добровольцем в гусарский полк, участвовал во многих сражениях, был ранен и награжден орденами за боевые заслуги. С 1823 года жил в Москве. Вместе с А.Н. Верстовским и Ф.Ч.Шольцем написал музыку пролога «Торжество муз» к открытию Большого театра. В 1825 г. был ложно обвинен в убийстве и сослан в Сибирь с лишением всех прав и дворянского звания. Причиной сурового приговора, по-видимому, явилась близость его к декабристским кругам. В 1828г. Алябьев был направлен в Тобольск. Здесь он руководил симфоническим оркестром и хоровым коллективом, выступал как дирижер и пианист. Он много пишет, несмотря на подорванное здоровье. С ним вошли в русский романс темы патриотизма, свободолюбия. Важным для него было общение с А.С. Грибоедовым, поэтами - декабристами, Даргомыжским.

Значительный вклад Алябьев внёс в камерно-инструментальную музыку. Им написано 3 струнных квартета, 2 фортепианных трио, фортепианный квинтет, квартеты и квинтеты для духовых инструментов, пьесы и циклы вариаций для разных инструментов, музыка к драматическим спектаклям, оперы «Лунная ночь или Домовые», «Буря», «Эдвин и Оскар», «Рыбак и Русалка», «Амалат-бек».

Современник Глинки и Даргомыжского, Алябьев в своих лучших произведениях приближается к творческому методу этих композиторов. Многие его оперы не были поставлены, остались в рукописи. Особое место в творчестве Алябьева занимают «русские песни» и романсы-монологи. Автор знаменитого «Соловья» на слова Дельвига, Алябьев внес романтическую струю в русскую вокальную музыку.

Он один из первых композиторов, написавших большое число романсов ь на слова Пушкина («Я вас любил», «Пробуждение», «Зимняя дорога» и др.). Особое место занимают романсы-монологи, связанные с темой одиночества, изгнания, тяжелых скитаний: «Иртыш», «Вечерний звон». В произведениях 40-х годов обращается к сюжетам социального значения: «Кабак», «Изба», «Деревенский сторож» на слова Н.П.Огарева, «Нищая» на слова Беранже, в которых показаны образы обездоленных. Эти песни подготовили новаторские произведения Даргомыжского («Лихорадушка») и Мусоргского («Калистрат», «Гопак», «Трепак»).

Алябьев стремился к обновлению средств выразительности. Он развил декламационные элементы вокальной мелодии, повысил выразительное значение гармонии и фактуры, придал самостоятельное значение фортепианной партии романса.

Варламов А.Е. (1801-1848)

Александр Егорович Варламов - русский композитор, певец, педагог-вокалист и дирижер. Музыкальное образование получил в Петербургской придворной капелле, где был певчим и занимался у директора капеллы Д.С. Бортнянского.

В 1819г. был назначен учителем певчих русской придворной капеллы в Голландии. Здесь началась его деятельность хорового дирижера, камерного певца и гитариста. В 1823г. возвратился в Петербург, работал учителем пения в театральной школе. В 1843г. он получил место «композитора музыки» и помощника капельмейстера императорских театров.

В 1833г. он выпустил первый сборник романсов и песен и первое русское методическое руководство по вокальной педагогике «Полная школа пения». Сам он был талантливым певцом, мастером кантилены, тонким и вдумчивым интерпретатором.

В историю русской музыки Варламов вошел как мастер романса. В его романсах нашли отражение образный строй русской народной песни, ее интонационные и ладовые особенности. Тонкое знание вокального искусства помогло ему создать яркие образцы русской кантилены, свободно льющиеся мелодии широкого дыхания. Большое влияние на стиль Варламова оказала манера исполнения певцов-цыган.

Варламов создал около 200 романсов и песен на стихи русских поэтов М.Ю. Лермонтова, А.Н.Плещеева, А.А. Фета, А.В. Кольцова и др.

Среди «русских песен» Варламова преобладают 2 жанра - лирическая протяжная и скорая плясовая. В протяжных песнях - мелодическая щедрость, пластичность вокальной мелодии, использование приемов русской народной песенности - вариантно-попевочное развитие, внутрислоговые распевы («Ах ты время, времечко», «Что ты рано, травушка»). Ко второму типу относятся песни активного ритма: «Вдоль по улице метелица метет», «Соловьем залетным».

Воздействие городского фольклора с типичными для него танцевальными ритмами сказалось в романсах «На заре ты ее не буди», «Ты не пой, соловей», «Не шей ты мне, матушка, красный сарасран» (слова Цыганова). Наряду с «Колокольчиком» Гурилева и «Соловьем» Алябьева романс «Не шей ты мне, матушка, красный сарафан» стал общенародным достоянием.

Близки к элегической лирике М.И.Глинки и А.С.Даргомыжского романсы Варламова «Одиночество», «Горные вершины». Драматический монолог «Напоминание», «Грусть», баллада «Оседлаю коня», темпераментный романс на слова Лермонтова «Белеет парус одинокий» создали свою традицию в русской лирике и нашли отклик в творчестве А.С. Даргомыжского, П.И.Чайковского, С.В.Рахманинова.

Основные произведения: Балеты «Забавы султана или Продавец невольников», «Хитрый мальчик и людоед», 200 романсов и песен, вокальные ансамбли, хоры, музыка к драматическим спектаклям.

Гурилев А.Л. (1803-1858)

Александр Львович Гурилев - русский композитор, скрипач, пианист педагог. Сын крепостного музыканта, родился в Москве. Музыке обучался под руководством отца. С юных лет играл в крепостном оркестре на скрипке и альте. В 1831 году вместе с отцом получил вольную. Становится известным как композитор, пианист и педагог. Тяжелые материальные условия и тяжелое психическое заболевание в последние годы жизни затрудняли его творческую деятельность. Но несмотря на это, им написано большое количество произведений.

Широк охват жанров в фортепианном наследии Гурилева - небольшие пьесы, концертные фантазии на темы из оперы Доницетти «Лукреция Борджиа», фантазия на темы оперы Глинки «Иван Сусанин», вариации на темы романсов Алябьева «Соловей, мой соловей», Варламова «На заре ты ее не буди», вариации на темы русских народных песен, полонез, 2 вальса, 5 мазурок и др. Большое разнообразие гармонических приемов, свободное владение техникой фортепианного письма, виртуозный размах дают основания говорить о Гурилеве как об одаренном композиторе, и как о тонком музыканте-исполнителе, превосходно владеющем фортепиано. Им написано много романсов на слова Ю.Лермонтова, А.Н. Кольцова, И. Макарова, Н. П. Грекова и других поэтов: Элегическими настроениями проникнуты песни «Колокольчик», «Вьется ласточка». Обаятельные образы девушек даны в песнях «Матушка-голубушка», «Грусть девушки», «Сарафанчик». Все они отличаются жанровой определенностью, плавностью трехдольного движения в ритме вальса.

Лучшие романсы Гурилева перекликаются с лирикой Глинки и Даргомыжского. Влияние Глинки мы обнаруживаем в интонационных оборотах, типичных приемах восходящего скачка и его заполнения, опеваний центрального звука фигурами типа группетто и т. п.

Но в лучших романсах Гурилев раскрывает самые привлекательные стороны своего лирического дарования. Таковы его романсы «Вам не понять моей печали», «Внутренняя музыка», «Разлука». Сближение с Даргомыжским видно в романсе на слова Лермонтова «И скучно, и грустно». Декламационный склад мелодии, ее сжатый диапазон, выразительные речевые акценты придают музыке характер беседы с самим собой. Алябьев, Варламов, Гурилев во многом предугадали, подготовили будущий путь русского романса.

Русская музыка XVIII и первой половины XIX века

Большой и славный путь прошла в своем развитии русская музыка. Сколько великих композиторов: Глинка, Даргомыжский, Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков, Чайковский, Скрябин, Рахманинов, Глазунов и многие другие! Их искусство прославило нашу Родину. Во всех странах земного шара звучит их музыка и будит в сердцах людей светлые, добрые и чистые чувства. Расцвет музыкальной культуры в XIX веке был подготовлен всем ходом развития её в России. Веками накапливались в народе драгоценные родники музыкального искусства. Народное поэтическое и музыкальное творчество существовало еще в глубокой древности, и в нем отразилась вся жизнь и история народа: его обычаи и обряды, его труд и борьба за свободу, его надежды и мечты о лучшей жизни. Немало суровых, мужественных песен было создано в народе о Степане Разине, Емельяне Пугачеве и других руководителях крестьянских восстаний и войн. Высоко ценил песни о Разине и Пугачеве великий русский поэт А.С.Пушкин. В своей повести «Капитанская дочка» Пушкин приводит песню «Не шуми ты, мати зеленая дубравушка» и говорит о ней как о любимой песне Пугачева. Бережно собирали и изучали родную песню наши русские композиторы-классики. Некоторые их них - Балакирев, Римский-Корсаков, Лядов - составили сборники русских песен для голоса в сопровождении фортепиано. В своих произведениях они нередко использовали русские напевы. А сочиняя собственные мелодии, вводили в них характерные для русских песен интонации, попевки и мелодические обороты. Музыка Глинки и Чайковского, Бородина и Мусоргского понятна и доступна широкому слушателю именно потому, что она богата прекрасными мелодиями, песенна. В XVIII веке появляется бытовая городская песня , с аккордовым гармоническим сопровождением, новая по своему выразительному характеру. Более простая по своему складу городская песня возникла на мелодической основе старинной народной песни, которую часто называют «крестьянской». И почти в каждой городской песне в той или иной мере использованы попевки, ладовые и ритмические особенности старинной песни. Заметное влияние на развитие городской песни оказало творчество русских поэтов. Пример тому - песня «Чем тебя я огорчила», сложенная народными певцами на немного измененные слова известного русского поэта XVIII века А.Сумарокова. В XVIII веке появляются нотные записи русских народных песен. Первый сборник народных песен выпустил певец-гуслист В.Трутовский; за ним последовало обширное собрание, составленное известным русским поэтом Н.Львовым в содружестве с И.Прачем. В эти сборники вошли не только наиболее популярные и любимые народом старинные песни, но также более новые городские. Сборники познакомили любителей музыки с прекрасными русскими мелодиями. Многие из песен впоследствии использовались композиторами в операх и в инструментальных произведениях. На протяжении XVIII века привычные напевы народных песен всё чаще звучат в различных инструментальных пьесах, в музыке к театральным пьесам и в операх. Разумеется, интерес к народным мелодиям возник не сразу. На первых порах жители обеих русских столиц довольствовались произведениями зарубежных композиторов. При дворе в Петербурге часто ставились пышные оперные спектакли для узкого круга слушателей. Но гораздо большее значение имела деятельность маленьких оперных трупп, часто посещавших Петербург и Москву, начиная с 30-х годов. Общедоступности спектаклей способствовали умеренные цены. Это были итальянские и французские весёлые комические оперы на сюжеты бытового характера, в которых пение нередко чередовалось с разговорными диалогами. По образцу разговорных опер с течением времени создавались и первые русские оперы . Вначале это были незатейливые бытовые комедии с музыкальными вставками, основанными на мелодиях русских песен. В некоторых из них высмеивались быт и нравы различных сословий - купцов, чиновников («Санкт-Петербургский гостиный двор» крепостного музыканта М.Матинского). И в этом, несомненно, проявилась связь первых русских опер с передовой русской литературой (в особенности, с творчеством Фонвизина). В те годы в Петербурге большой известностью пользовался общедоступный «Российский театр». На петербургских и московских сценах выступали талантливые русские артисты, как, например, Е.Сандунова. Украшением домашнего театра Шереметьева была замечательная крепостная актриса Параша Жемчугова (о её необычайной судьбе в народе сложилась песня «Вечор поздно из лесочка»). Однако участь талантливых русских актеров и музыкантов в условиях крепостнической России часто оказывалась трагичной, многие из музыкантов безвременно погибали. Несмотря на тяжелое, бесправное положение музыкантов, в последней четверти XVIII века в России складывается уже своя композиторская школа. Молодые композиторы создают выразительные романсы и обработки русских песен, фортепианные и скрипичные пьесы, симфонические увертюры, музыку к спектаклям и, наконец, оперы. Среди них были Дубянский, Березовский, Бортнянский, Фомин, Хандошкин и другие.

Размещено на сайт

Подобные документы

Выявление перспектив расширения рамок учебно-исполнительского процесса с целью стимулирования интересов студентов к фортепианной музыке русских композиторов. Анализ фортепианного творчества Глинки, его современников: Алябьева, Гурилёва, Варламова.

дипломная работа , добавлен 13.07.2015


Вторая половина XIX века - время могучего расцвета русской музыки. "Могучая кучка" - творческое содружество российских композиторов, сложившееся в конце 1850-х и начале 1860-х годов. Михаил Иванович Глинка как родоначальник русской классической музыки.

презентация , добавлен 20.12.2014


Особенности и направления формирования музыкальной культуры в России в исследуемый исторический период, появление и использование органа, клавикордов, флейты, виолончелей. Путь развития русской многоголосной музыки в эпоху барокко. Концертное пение.

презентация , добавлен 06.10.2014


Особенности польской музыки начала XIX века. Шопен, Глинка, Лист – зачинатели движения за создание национальных школ. Шопен как самый яркий представитель польской музыкальной культуры. Образ Польши и картины ее величественного прошлого, народные песни.

курсовая работа , добавлен 12.06.2012


Особенности русской музыки XVIII века. Барокко - эпоха, когда идеи о том, какой должна быть музыка обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и в сегодняшний день. Великие представители и музыкальные работы эпохи барокко.

реферат , добавлен 14.01.2010


Жизнь и творчество В.Ф. Одоевского. Роль В.Ф. Одоевского в российской музыкальной культуре. Анализ церковной музыки. Профессиональный разбор специфики выразительных средств музыки, особенностей баховской полифонии. Признаки психологизма в музыке.

реферат , добавлен 02.12.2013


История чешской скрипичной музыкальной культуры от ее истоков до XIX века. Элементы народности музыки в творчестве выдающихся чешских композиторов. Биография и творчество чешского композитора А. Дворжака, его произведения в жанре смычкового квартета.

реферат , добавлен 19.05.2013


Изучение истории зарождения блюза как музыкальной формы и жанра в конце XIX века. Характерные черты и виды джаза. Жанры классического шансона. Отличительные особенности авторской песни или бардовской музыки. Основные элементы регги и современного репа.

презентация , добавлен 23.11.2015


Место рок-музыки в массовой музыкальной культуре XX века, ее эмоциональное и мировоззренческое воздействие на молодежную аудиторию. Современное положение русского рока на примере творчества В. Цоя: личность и творчество, загадка культурного феномена.

курсовая работа , добавлен 26.12.2010


Характерная особенность узбекских ансамблей. Возрастание интереса русских исследователей к изучению узбекской музыкальной культуре в 20-е годы ХХ века. Представители бухарской исполнительской школы. История создания узбекских народных инструментов.

Русская музыкальная культура 60-70х годов 19 века

Данный период имеет исключительную важность для русской музыки. Если первая половина XIX в. – период формирования русской классической школы, то 60 – 70-е гг. – время, когда русская школа становится одной из ведущих на мировой музыкальной арене . Об этом свидетельствуют следующие факты:

· Появление плеяды композиторов мирового уровня: Балакирев, Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков, Чайковский.

· Появление сочинений мирового уровня: «Борис Годунов» и «Хованщина» Мусоргского, «Е. Онегин», «Лебединое озеро», 1 4 симфонии Чайковского, 1 2 симфонии Бородина.

· Кардинально изменяется бытование музыки и условия её исполнения. Появляются крупные концертные организации (РМО). Плеяда известных исполнителей: А. и Г. Рубинштейн, Л. Ауэр, Винявский, Вержбилович, Мельников, Хохлов, Направник.

· Данный период – «золотой век» русской фольклористики.

· Идёт активное развитие русской музыкальной критики (Стасов, Серов, Ларош, Кюи, Бородин).

Все эти процессы в немалой степени были обусловлены историческими сдвигами (Крымская война 18531856 гг., отмена крепостного права в1861 г). На авансцену политической борьбы выдвигается новый социальный слой – разночинцы. Идёт формирование интеллигенции среднего сословия – разночинской.

Умами молодёжи владели такие критики, философы, демократы, как Добролюбов, Чернышевский, Белинский, Герцен. Чернышевский пишет диссертацию «Эстетическое отношение искусства к действительности», главный тезис которой состоит в следующем: показ жизни во всей её реальности, истинности, неприкрашенности. Важной чертой искусства этого времени становится критика, оценочное суждение – формируется принцип критического реализма .

Особенностью прогрессивной мысли становится историзм , подразумевающий показ народа в реальной исторической ситуации, показ современности сквозь призму прошлых событий.

Самым влиятельным общественным движением и течением общественной мысли стало народничество . «Хождение в народ» (М.А. Бакунин) означало и просвещение, и агитацию, и бунтарство. В 70-е гг. вера в народ и его миссию стала сочетаться с верой в интеллигенцию, в возможности отдельной «критически мыслящей личности».

Идея национального самосознания , идея возможности особого исторического развития России также захватила широчайшие круги русского общества. Перед композиторами также во весь рост встала проблема национального. Претворение в музыкальном творчестве русского народного явилось базовой идеей в деятельности «Могучей кучки».

Иерархия жанров

· Опера – ведущий жанр. Требования, предъявляемые к жанру:

· Сценичность . Опера должны быть музыкальным спектаклем действия, драмой. Развитие основного сюжета не должно загружаться второстепенными деталями.

· Тенденция к интонационному единству произведения.

· Большая роль речитатива .

· Большое внимание к роли хора .

В опере появляются новые жанры: историческая, историческая опера-драма, лирическая (бытовая, лирико-комедийная, лирико-психологическая опера-драма и т.д.)

II. Симфонический жанр . Развивался в двух направлениях – симфония и симфоническая поэма.

· Симфоническая поэма . Наиболее характерный жанр для русских композиторов и наиболее ярко воплощающий программно-симфоническую музыку. Композиторы редко пользовались собственно названием «симфоническая поэма». Обычно – фантазия, увертюра, картина, сюита. Развивали традиции Бетховена, Листа и Глинки. Данный жанр существовал в двух разновидностях: а) поэма как картинно-красочное повествование; б) поэма как психологическая драма.

· Симфония . Первую полноценную симфонию написал Бородин. Он развивал в своём творчестве эпический симфонизм. Чайковский – драматический .

III. Камерно-вокальный жанр . На протяжении всего XIX в. романс был излюбленной формой музицирования. В 60 – 70-е гг. расширяются тематические рамки.и жанровые разновидности романса, появляется романсово-песенный цикл. Вместе с тем, романс продолжает играть роль «творческой лаборатории», в которой оттачиваются стилистические приёмы, служащие основой для оперного творчества.

IV. Новые жанры . Данный период – начало классического балета («Лебединое озеро»);инструментального концерта (Первый фортепианный и Первый скрипичный концерты Чайковского); струнного квартета (первый квартет Чайковского); фортепианного цикла («Картинки с выставки» Мусоргского, «Времена года» Чайковского).

12. Творчество композиторов «могучей кучки». Русский балет, инструментальный концерт и квартет 60-70-х гг 19 века.

«Могучая кучка» (или балакиревский кружок , ещё одно название – «Новая русская музыкальная школа» )- это союз композиторов России. Название кружку дал художественный критик В.В.Стасов, отмечая большую роль произведений композиторов в жизни страны.

« Могучая кучка» сложилась в конце 1850-х – начале 1860-х годов. Это было неспокойное время в России. Народные волнения, подъём общественного движения, вызванный подготовкой и отменой крепостного права в 1861 году, были одной из причин, побудивших многих известных и талантливых композиторов обратиться к народной теме в своём творчестве. Они изучали фольклор, церковное пение, пытались постичь идеи, особенности народной мелодии и воплотить их в своих произведениях.

Наиболее распространённым в то время стал крупный жанр в музыке- опера, в которой часто имелись национальные, фольклорные элементы.

Просуществовала « Могучая кучка» до конца 1870-х годов, став заметным явлением в музыкальной жизни страны. И сегодня произведения, созданные в то время, являются золотым фондом музыкального искусства нашей страны.

Состав «Могучей кучки»:

М.А.Балакирев (организатор и руководитель)

А.П.Бородин

М.П.Мусоргский

Н.А.Римский – Корсаков

Особенности творчества композиторов « Могучей кучки»:

Отражение идей времени, приближение музыки к проблемам и запросам современности

· Поиск новых форм и способов воплощения данных идей, главной из которых является прославление патриотизма, героизма народа России

· Отражение ярких страниц истории России

· Критическое отражение социальной действительности

· Отражение народного быта, наличие фольклорных и сказочных элементов в произведениях

«Могучая кучка» оказала огромное влияние на развитие музыкального искусства в России, её идеи, принципы, формы методы отражения действительности стали школой для многих композиторов последующих эпох.

Произведения композиторов « Могучей кучки»

Русский балет Балеты Чайковского открывают историю русского классического балета. До Чайковского музыка в балете играла вспомогательную роль. В его балетах именно музыка в единстве с танцем стала выразителем содержания. Это подлинно драматические произведения. Музыка каждого танца, оркестровые эпизоды между ними соединены не механически, а определены содержанием. Чайковский в балете не нарушает традиции, но изменяет смысл музыки. Все классические формы подчинены раскрытию основной темы. Композитор подходит к балету как к симфоническому программному произведению. Принципы симфонизации балета - в этом заключается реформа Чайковского. «Ведь балет - та же симфония» - писал композитор. Драматические принципы оперы и симфонии перенесены в балет - сквозное музыкальное развитие, яркие индивидуальные характеристики, лейтмотивное развитие, единство целого. Чайковский считал, что если содержанием оперы должна быть реальность и правдивость, то содержанием балета должна быть сказка, волшебный вымысел. Чайковским написаны три балета: «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик». Сюжеты всех балетов сказочные. Первый балет «Лебединое озеро» сочинен в 1876 году театральным деятелем Бегичевым и хореографом Гельдером. Второй балет «Спящая красавица» /1889/ - монументальная хореографическая симфония, написанная по сказке Перро. Третий балет Чайковского «Щелкунчик» /1892/ - написан на сюжет сказки Гофмана. Все балеты объединяет основная идея - торжество добра над злом.

Квартет. Основоположники русского классического квартета - А. П. Бородин и П. И. Чайковский. Квартетам Чайковского свойственны могучий размах, страстный темперамент и в то же время задушевность (особенно их медленным частям). Так, в основу широко известной второй части Первого струнного квартета положена русская песня «Сидел Ваня на диване». Оба квартета Бородина отличаются поэтичностью, спокойным, уравновешенным лиризмом, картинностью. Русская квартетная музыка многим обязана С. И. Танееву и А. К. Глазунову. Советские композиторы внесли огромный вклад в квартетное наследие. Среди них - Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович, Д. Б. Кабалевский, Б. Н. Лятошинский, М. С. Вайнберг, Б. А. Чайковский, А. Г. Шнитке, В. В. Сильвестров.

Инструментальный концерт . Начало расцвета русского инструментального концерта приходится на последнюю четверть XIX столетия и связано оно с именами П.Чайковского, С. Рахманинова, А. Аренского, А. Скрябина. В русской классической музыке жанр инструментального концерта получил своеобразное и глубоко национальное претворение в фортепианных концертах П.И. Чайковского и С.В. Рахманинова. Создавая фортепианные концерты, они стремились раскрыть богатейшие возможности этого инструмента и доказать, что рояль - это достойный соперник оркестра.

П.И.Чайковским написано три фортепианных концерта, но наибольшую популярность получил его «Первый концерт для фортепиано с оркестром». Он известен пианистам всего мира. Именно это произведение звучит на Международном конкурсе исполнителей в Москве, который носит имя П. И. Чайковского. В XX веке концерт вошёл в репертуар всех ведущих мировых пианистов.

Очень важное место занимает жанр фортепианного концерта в творчестве Сергея Рахманинова. Пожалуй, ни для одного из его современников этот жанр не имел такого значения, как для него. Каждый из четырех фортепианных концертов Рахманинова (к которым следует добавить и Рапсодию на тему Паганини) обозначает определенную веху на творческом пути композитора. «Второй фортепианный концерт» Рахманинова, принёсший его автору заслуженный успех, был по праву признан лучшим русским фортепианным концертом после си-бемоль-минорного концерта Чайковского. Но, при сохранении преемственных связей с наследием Чайковского и других русских и зарубежных композиторов XIX века, рахманиновский концерт содержит много нового, как в своем образном строе и средствах музыкального выражения, так и в самой трактовке жанра. Важнейшим этапом в творческом развитии Рахманинова стало создание «Третьего фортепианного концерта», которому принадлежит такое же центральное место среди его сочинений конца XX столетия. Третий концерт носит на себе печать большей зрелости композитора. Именно с «Третьего концерта» происходит окончательное формирование «титанического рахманиновского стиля».

В 1861 году царским указом было отменено крепостное право, что повлекло за собой либерализацию русской общественной жизни.

Литература была ведущим видом искусства в Росси того времени была, а в музыке главенствовала опера.

Даже симфоническая музыка того времени вступила в законный брак с литературой. Плод этого союза – программная симфоническая музыка. Свои сюжеты она черпает из всей мировой литературы (от традиционных пушкинских текстов до сочинений Шекспира), переосмысливая их с позиции современности. Примером тому служат ………

Главным музыкальным достижением этого периода стало создание русской симфонии, – лирико-драматической у П.И.Чайковского, и эпической у А.П.Бородина.

Появляется и русский классический балет, в котором драматическая сущность сюжета раскрывается музыкальными симфоническими средствами.

Организовано Русское музыкальное общество (РМО), открыты первые консерватории в Петербурге (1862) и Москве. В деле музыкального просвещения России большую роль сыграли братья Рубинштейн.

Старший Антон Григорьевич (1829-1894) скорее пианист-виртуоз, чем подлинный композитор, хотя написал огромное количество сочинений. В массе своей музыка его лишена самобытности. Это общеевропейский стиль. Его легко спутать, например, с Мендельсоном. Тематизм бледный, он часто впадает в помпезность. Правда, нельзя отказать ему в нескольких подлинных удачах, одна из них – хор «Ноченька» из оперы «Демон». И, разумеется, не вызывает сомнения его композиторская хватка, профессионализм. Кучкисты его не жаловали (особенно Мусоргский), называли Тупинштейном.

ПЕТЕРБУРГСКАЯ КОМПОЗИТОРСКАЯ ШКОЛА. МОГУЧАЯ КУЧКА.

В 60-е годы центром музыкальной жизни Петербурга стал кружок музыкантов, возглавляемый Милием Алексеевичем Балакиревым(1837-1910). Кружок вошел в историю как «Могучая кучка». Название дал кружку критик Владимир Васильевич Стасов. Сами себя они называли "новой русской музыкальной школой". За рубежом их называют «русская пятерка».

В кружок вошли начинающие композиторы, не получившие профессионального образования. Балакирев был для них профессором на все случаи жизни: Ц.А.Кюи (1835-1918), А.П.Бородин, М.П. Мусоргский(1839-1881), Н.А. Римский-Корсаков(1844-1908).

Балакирев деспотически учил будущих «кучкистов» писать симфонии, хотя сам умудрился одну свою симфонию писать сорок лет (1856-1897!) Как ни странно, они-таки научились (не все) писать симфоническую музыку, на много голов обойдя своего учителя.

Кучкисты считали себя наследниками Глинки и свою цель видели в развитии русской национальной музыки.

Эстетические позиции «кучкистов» сформировались на почве радикальных народнических идей. Члены «Могучей кучки» считали, что национальное искусство произрастает из фольклора, и долг русского композитора - претворить в музыке образа народа, его историю и нравственные идеалы. Вспомним глинкинские «народность и патриотизм».

«Могучая кучка» заложила основы русской национальной музыки и стала эпохой в развитии русского и мирового музыкального искусства.

В 70-х годах «Могучая кучка» как сплочённая группа перестала существовать.

Балакирев первым из русских композиторов написал симфоническое произведения на литературный сюжет.

XIX век - эпоха русской оперной классики . Русские композиторы- кучкисты создали шедевры в различных жанрах оперного искусства.

Главные оперы М. П. Мусоргского (1839-1881) «Борис Годунов » (1872) и «Хованщина ».Композитор назвал их «народными музыкальными драмами», так как народ - в центре обоих произведений. Главная идея «Бориса Годунова» (по одноименной трагедии Пушкина) - конфликт: царь - народ. Эта идея была одной из самых важных и острых в пореформенную эпоху. Мусоргский хотел в событиях прошлого Руси выявить аналогию с современностью.

Критик Стасов сказал: «Мусоргский принадлежит к числу людей, которым потомство ставит монументы».

Сюжетом оперы А. П. Бородина (1833-1887) «Князь Игорь» послужило «Слово о полку Игореве». Бородин писал оперу 17лет, но так и не закончил оперу; «Князь Игорь» был завершен Римским-Корсаковым и Глазуновым.

Н. А. Римский-Корсаков – оперный сказочник. Его лучшие сказочные оперы- «Снегурочка » (1881), «Садко » (1896), «Кащей бессмертный » (1902) и «Золотой петушок » (1907).

Особое место занимает опера «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии » (1904), написанная по материалам народных преданий о татаро-монгольском нашествии.

Римский – Корсаков - русский музыкальный волшебник и учитель нового поколения русских музыкантов.

2. Александр Порфирьевич БОРОДИН (1833-1887)

Александр Порфирьевич Бородин, один из ведущих русских композиторов второй половины 19-го века. Кроме композиторского таланта был учёным-химиком, врачом, педагогом, критиком и обладал литературным дарованием. Родился в Петербурге. С детства проявилась его любовь и к музыке и естественным наукам. Окончив гимназию, а затем Медико-хирургическую академию, он в течение нескольких лет работает военным врачом и химиком. На медицинском факультете Бородину присваивают звание профессора. В течение всей жизни своей профессией он считал химию, но каждую свободную минуту посвящал музыкальному творчеству.

В историю мировой культуры Бородин вошел прежде всего каккомпозитор. У Бородина было два увлечения - две профессии: химия и музыка.

У Бородина не было профессиональных учителей-музыкантов. Он самостоятельно овладел композиторской техникой. На формирование А.П.Бородина влияние оказало творчество М.И. Глинки.

И мпульсом к плотному занятию композицией в начале 1860-х дали два события - во-первых, знакомство и женитьба с талантливой пианисткой Е.С.Протопоповой, во-вторых, встреча с М.А.Балакиревым и вступление в творческое содружество русских композиторов "Могучая кучка".

Бородин написал оперу „Князь Игорь” (со знаменитыми „половецкими плясками”(1869-1890),) Эта опера - образец национального героического эпоса в музыке. В "Князе Игоре", нашла отражение главная мысль всего творчества композитора - мужество, спокойное величие, душевное благородство лучших русских людей и могучая сила русского народа, проявляющаяся при защите родины.

А.П.Бородин один из отцов русской симфонической музыки. Написал три симфонии (самая популярная 2-я «Богатырская»), симфоническую поэму «В Средней Азии», два квартета (в один из них входит часто исполняемый «Ноктюрн»), песни и фортепианные произведения.

В музыке «Богатырской» симфонии Бородин достигает яркой красочности, конкретности музыкальных образов. По свидетельству Стасова, он хотел в 1 ч. нарисовать собрание русских богатырей, в Анданте (3 ч.) - фигуру Баяна, в финале - сцену богатырского пира. Название "Богатырская", данное симфонии Стасовым, прочно закрепилось за ней.

Бородин воспринимал жизнь объективно и оптимистически, как источник силы и радости, с верой в могущество человека, в торжество разума и красоты.

Музыка Бородина подобна неторопливой летописи, где чередой предстают события и люди. Основной принцип музыкальной драматургии Бородина - сопоставление контрастных образов. Мелодии льются спокойно и плавно, родственны русским крестьянским песням. Бородин нигде не цитирует народные мелодии, он создает собственные музыкальные образы, используя самые характерные особенности фольклора.

Бородин обладал способностью сочинять в народно-песенном стиле.Тесная связь с русским фольклором - эта наиболее характерная черта всего творчества композиторов „Могучей кучки”.

Бородин создал русскую эпическую симфонию, а также утвердил тип русской эпической оперы.

Цитата о А.П.Бородине: "Талант Бородина равно могуч и поразителен как в симфонии, так и в опере и в романсе. Главные качества его - великанская сила и ширина, колоссальный размах, стремительность и порывистость, соединенная с изумительной страстностью, нежностью и красотой". В.В.Стасов.

3. Модест Петрович МУСОРГСКИЙ (1839-1881)

Модест Петрович Мусоргский - один из самых гениальных русских композиторов 19 столетия, член "Могучей кучки". Родился в Псковской губернии в небогатой помещичьей семье. С детства показал способности к музыке, учился в Санкт-Петербурге, был, по семейной традиции, военным.

Решающим событием в жизни Мусоргского стала его встреча с М.А.Балакиревым и вступление в "Могучую кучку".Отказавшись по настоятельным советам Балакирева от военной карьеры и поступив на государственную службу, Мусоргский начинает много и напряженно работать как композитор.

Мусоргский был наиболее последовательным выразителем народности и реализма в музыке. В операх «Борис Годунов» и "Хованщина" запечатлел трагедии не только отдельных личностей, но и народа, переживающего Смутное время начала XVII века или ломку старинных устоев при воцарении Петра. Эти оперы являются одними из самых популярных русских опер в мире Эти оперы не имеют себе равных в мировом музыкальном искусстве по силе и глубине воплощения образов, по правдивости и яркости изображения народных масс. Мусоргский первым из композиторов вывел русский народ на оперную сцену.

В опере «Борис Годунов» личная драма Бориса разворачивается на фоне драмы целого народа. Заканчивается сценой народного бунта под Кромами и тяжким пророчеством Юродивого: «Плачь, плачь русская земля, плачь, русский люд.

Мусоргский был музыкант-реалист, музыкант-народник, родственный Гоголю и Льву Толстому.

Он усвоил себе все особенности русской народной песни и хотя редко пользовался подлинными народными мотивами, но весь склад его мелодики, очень гибкой и характерной, носит народный отпечаток, сказывающийся в гармонических оборотах, в оригинальных, внезапных модуляциях, в ритмическом богатстве, и в самой форме. Главную силу вокального стиля М. составляет выразительная декламация, вытекающая из естественной интонации речи и потому совершенно неотделимая от текста. В этом М. - прямой наследник Даргомыжского.

Кроме опер, Мусоргским написана сюита „Картинки с выставки” (лучшее переложение сюиты для оркестра сделал М. Равель в 1922 году), симфоническую картину «Ночь на Лысой Горе», много песен и романсов, среди которых весьма оригинальные для того времени - „Песни и пляски смерти”, хоровые и фортепианные произведения.

Мусоргский стремился к тому, чтобы его музыка в каждом своем элементе носила национальный, чисто русский характер.

В жизни Мусоргского было все - и величие, и трагедия. Как человек, он всегда отличался подлинной духовной чистотой и бескорыстием. В 1859 году М. оставил военную службу, но неимение средств к жизни и невозможность добыть их музыкальной деятельностью привело к нищенскому существованию.

Его опера "Борис Годунов" надолго была снята с репертуара; другие его сочинения долго игнорировались артистами и публикой. В последние полтора года жизни, оставшись без службы, М. зарабатывал аккомпаниаторством.

Угнетающее однообразие повседневной жизни и тяжелые материальные условия привели Мусоргского к алкоголизму. Депрессия непрерывно углублялась.

Умер он в 42 года в одном из военных петербургских госпиталей.

За всю жизнь Мусоргский заработал музыкой 701р. 50коп.

Цитата М.П.Мусоргского: "Звуки человеческой речи, как наружные проявления мысли и чувства, должны без утрировки и насилования сделаться музыкой правдивой, точной, но художественной, высокохудожественной." Цитата о М.П.Мусоргском: "Исконно русское звучит во всем, что творил Мусоргский" Н.К.Рерих Интересный факт: в конце жизни Мусоргский, под давлением "друзей" Стасова и Римского-Корсакова, отказался от авторских прав на свои произведения и подарил их Тертию Филиппову.

4. Пётр Ильич ЧАЙКОВСКИЙ (1840-1893)

В России две столицы и две музыкальные школы. Московскую школу композиторов возглавил П.И.Чайковский. В творчестве Чайковского русский музыкальный романтизм достиг вершины развития.

Пётр Ильич Чайковский, самый великий русский композитор 19 века, поднял на небывалую высоту русское музыкальное искусство.

Чайковский - первый русский композитор-"профессионал" - теорию музыки и композицию он изучал в новой Санкт-Петербургской консерватории. При жизни Чайковского считали "западным" композитором, в противопоставлении народным деятелям "Могучей кучки.

Чайковский был свидетелем подъема и упадка народнического движения в русской культуре. Чайковский был современником композиторов «Могучей кучки».

В трактовке «национального» и «народного» он шел иным путем, чем «кучкисты». Русский фольклор не был для него универсальным источником и первоосновой музыкального языка. Музыкальные интонации он в большей степени черпал из городского музыкального быта, чем из крестьянского фольклора.

Родился в г. Воткинске, на Урале, в семье инженера. Музыкой начал серьезно заниматься, как и Бородин, уже будучи взрослым. Закончив юридический факультет в университете, Чайковский проработал несколько лет в Министерстве финансов в Петербурге и лишь тогда решил поступить в Петербургскую консерваторию, которую окончил в 1866 г. с отличием. Тут же ему было предложено место преподавателя гармонии в Консерватории. Он принял это предложение и оставался на профессорской должности в течение 11 лет, не прерывая все это время своей творческой деятельности и выступая на концертах с исполнением своих произведений, вызывавших восторженный прием у всей музыкальной общественности России.

В 37 лет в жизни Чайковского наступает перелом. Графиня фон Мекк, богатая поклонница его таланта, предоставила композитору высокую пожизненную пенсию, дающую ему возможность посвятить все свое время исключительно сочинению музыки. Единственным условием она выставила требование, чтобы лично они никогда не встречались. С этого времени Чайковский полностью посвящает себя музыкальному творчеству, лишь время от времени выступая как дирижер.

Во время своих путешествий по различным странам Европы - Польше, Германии, Австрии, Италии, Швейцарии, Франции, Англии - он изучал музыкальный фольклор каждой из этих стран. Особенно сильное впечатление произвела на Чайковского Италия и итальянская музыка, что нашло отражение и в его произведениях. Вернувшись в Петербург в 1893 г. во время эпидемии холеры, он сам заразился и умер от этой болезни.

Композитор был педагогом, дирижёром, критиком, общественным деятелем, работал в двух столицах, гастролировал в Европе и Америке. Чайковский был человеком эмоционально неустойчивым; восторженность, уныние, апатия, вспыльчивость, буйный гнев - все эти настроения менялись в нём достаточно часто. Будучи очень общительным человеком, он всегда стремился к одиночеству. Выделить что-то лучшее из творчества Чайковского - сложная задача, у него несколько равновеликих произведений почти во всех музыкальных жанрах - опера, балет, симфония, камерная музыка.

Музыка Чайковского говорит самобытным, но в то же время универсальным музыкальным языком, в котором соединяются традиционные романтические европейские интонации и музыка русского фольклора. Чайковский полагал, что «европейская музыка есть сокровищница, в которую всякая национальность вносит что-нибудь свое на общую пользу».

Чайковский - крупнейший симфонист, гениальный музыкальный драматург и лирик. Он создал 15 опер (во главе с написанными на пушкинские сюжеты «Евгением Онегиным» и «Пиковой дамой»), 3 балета (на первом месте «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и «Щелкунчик»), 6 симфоний, 5 симфонических поэм, увертюры, 3 концерта для фортепиано, скрипичный концерт, разнообразные произведения для оркестра.

Чайковский сочинял в стиле позднего романтизма, придавая при этом своим произведениям чисто русский характер. Такое сочетание оказалось исключительно благоприятным. Он вывело русскую музыку на европейские сцены. Чайковский – самый исполняемый в мире русский композитор.

Творчество Чайковского оказало огромное влияние на современников. Его имя уже при жизни ассоциировалось с величайшими представителями русской культуры. Оркестр вставал при его появлении в зале.

Наряду с Глинкой, Чайковский является создателем национальной русской школы в мировой музыке.

Цитата композитора: "Я артист, который может и должен принести честь своей Родине. Я чувствую в себе большую художественную силу, я еще не сделал и десятой доли того, что могу сделать. И я хочу всеми силами души это сделать." "Жизнь имеет только тогда прелесть, когда состоит из чередования радостей и горя, из борьбы добра со злом, из света и тени, словом - из разнообразия в единстве." "Большой талант требует большого трудолюбия." Цитата о композиторе: "Я готов день и ночь стоять почетным караулом у крыльца того дома, где живет Петр Ильич, - до такой степени я уважаю его" А.П.Чехов Интересный факт : Кембриджский университет заочно и без защиты диссертации удостоил Чайковского звания доктора музыки, так же Парижская академии Изящных искусств избрала его членом-корреспондентом.

5. Николай Андреевич РИМСКИЙ-КОРСАКОВ (1844-1908)Николай Андреевич Римский-Корсаков - одна из важнейших фигур в истории отечественной музыки.

Родился в Новгородской губернии в дворянской семье, в г. Тихвине. По семейной традиции стал морским офицером, на военном корабле обошёл много стран Европы и двух Америк.

Музыке учился сначала у матери, затем беря частные уроки у пианиста Ф. Канилле. Позже М.А.Балакирев, организатор "Могучей кучки", ввёл Римского-Корсакова в музыкальное сообщество и повлиял на его творчество.

Профессиональное музыкальное образование получил в Петербургской консерватории по классам фортепиано и композиции. Свою первую симфонию он написал в возрасте девятнадцати лет. Однако, Римский-Корсаков не сразу связал свою судьбу с музыкой. В течение нескольких лет он служил в военно-морском флоте, где получил офицерское звание. В это же время он занимается творческой деятельностью, и в 1871 г. ему присваивают звание профессора инструментовки Петербургской консерватории. Затем ему передают и класс композиции. Одновременно его назначают директором музыкальной школы и музыкальным инспектором военно-морских оркестров России. Центральное место в наследии Римского-Корсакова составляют 15опер. Два основных направления отличают творчество композитора: первое - русская история, второе - мир сказки и эпоса, за что он получил прозвище "сказочник". Кроме самостоятельной творческой деятельности Н.А.Римский-Корсаков известен как публицист, составитель сборников народных песен, а также как завершитель работ своих друзей - Даргомыжского, Мусоргского и Бородина.

Среди композиторов „Могучей кучки” он обладал самой большой творческой изобретательностью и наиболее совершенной техникой. Его самые значительные творческие завоевания лежат в области оркестрового колорита.

Им были написаны такие, получившие мировую известность, оперы, как „Садко”, „Снегурочка”, „Золотой петушок” и др. Кроме того - три симфонии, превосходная симфоническая сюита „Шехерезада”, увертюра „Русская пасха”, „Испанское каприччио”, симфоническая поэма „Садко” (помимо оперы того же названия), многочисленные песни, а также хоровые и камерные произведения. Все его творчество, выдержанное и стиле неоромантизма, глубоко проникнуто „русским духом”.

Римский-Корсаков считается крупнейшим мастером инструментовки. Учебник „Основы оркестровки” является одним из лучших пособий в этой области, а его учебником но гармонии учащиеся пользуются и в наше время.

Римский-Корсаков был создателем композиторской школы, как педагог и руководитель Санкт-Петербургской консерватории он выпустил около двухсот композиторов, дирижёров, музыковедов, среди них Прокофьев и Стравинский.

Бескорыстный труд Римского-Корсакова в деле завершения оркестровых и оперных шедевров Мусоргского сыграл решающую роль в их появлении на концертной эстраде и оперной сцене.

Фанатичное упорство в постижении музыкальной науки превратило его в патриарха-деспота.

Римский –Корсаков - «железный Феликс» русской музыки. Убежденный в своей непогрешимости, он ничтоже сумняшеся вставлял «палки в колеса» молодым композиторам, не попадающим в зону его музыкального вкуса. Так, например, он упорно препятствовал проникновению на петербургскую сцену Первой симфонии Калинникова, даже после того, как она с триумфальным успехом была исполнена в таких крупнейших музыкальных центрах Европы, как Берлин, Париж, Вена и Прага.

Творчество русских композиторов конца 19-го - первой половины 20-го века является целостным продолжением традиций русской школы. Вместе с этим изменилась концепция подхода к "национальной" принадлежности той или иной музыки, непосредственного цитирования народных мелодий уже практически нет, но осталась интонационная русская основа, русская душа.

Истоки русской музыки восходят к творчеству восточно-славянских племен, населявших территорию Древней Руси до возникновения в IX веке первого русского государства. О древнейших видах восточно-славянской музыки можно судить гипотетически по отдельным историческим свидетельствам, материалам археологических раскопок, а также по некоторым пережиточным элементам, сохранившимся в позднейших образцах песенного фольклора. Ко времени образования древне-русского государства с центром в Киеве народная песня занимала важное место в семейном и общественном быту, были известны музыкальные инструменты различных типов. Уже в VI веке гусли – один из любимых инструментов славян.

Широкое распространение получил обрядовый фольклор, связанный с языческими религиозными верованиями и ритуальными действиями, сложившимися в эпоху общинно-родового строя. Многие языческие обряды продолжали жить в народе и после введения Христианства на Руси (конец Х века), несмотря на суровое осуждение и преследования со стороны церкви. Вплоть до XVII века церковными властями издавались указы и грамоты, направленные против любимых народом «бесовских» игр и песен. С течением времени язычество как целостная система верований и представлений о мире отмирало и языческий обряд, утрачивая магически-культовое значение, становится элементом игры. Но при этом сохранились внешние формы обряда и некоторые моменты, регламентировавшие его отправление.

В Древней Руси не существовало развитых форм профессиональной светской музыки, что определяло особенно большую роль фольклора в жизни общества. Народная песня бытовала не только среди трудящихся масс, но и в высших феодальных кругах вплоть княжеского двора. Основными носителями светской художественной культуры были скоморохи, представляющие собой тип средневекового синкретического актера и музыканта. Они различались по социальному положению и характеру своего искусства. Бродячие скоморохи, выступавшие перед простым народом на улицах и площадях, находились вне социальной иерархии феодального общества и были лишены всяких прав. «Служилые» скоморохи, прибывавшие в услужении у феодалов и князей, были более обеспеченными и пользовались защитой своего патрона. Среди скоморохов встречались гусляры, гудошники, «свирцы» (исполнители на примитивных духовых инструментах). Репертуар их складывался преимущественно из народных песен и плясок. Лишь в XVII веке под влиянием общекультурных сдвигов скоморошество потеряло свое значение и было оттеснено из центральных областей России на северные окраины.

С принятием в конце Х века христианства как государственной религии начала развиваться церковная музыка. Формы древнерусского церковного пения, а в значительной степени, вероятно, и самые его напевы, были заимствованы из Византии. Оттуда же была воспринята система их фиксации с помощью особого рода условных знаков, представлявших собой разновидность невменного письма.

В результате переосмысления заимствованных византийских форм возник свой, вполне самобытный тип древнерусского певческого искусства – знаменное пение или знаменный распев. Проследить этапы этого процесса не представляется возможным, так как ранние формы знаменной письменности не расшифрованы.

Первые известные памятники древнерусской музыкальной письменности относятся к концу ХI – началу XII веков. Вместе с тем в практике церковного пения бытовала устная традиция. Лишь в XV – XVII вв. все виды церковных песнопений были «положены на знамя» и пение «по крюкам» (крюк – наиболее распространенных знаков знаменного письма) вошло во всеобщий обиход.

Важнейшими признаками древнерусского певческого искусства являлись – строго выдержанное одноголосие, без инструментального сопровождения, плавность мелодического движения, отсутствие скачков на большие интервалы, тесная связь мелодии со словесным текстом, состоящим из строк неравной длины, как следствие этого – свобода метроритмической организации, несимметричность структуры напевов, построение напева на основе готовых канонизированных формул посредством их сцепления и вариантного преобразования. Сумма формул-попевок, составляющих мелодический фонд знаменного распева, охватывалась системой осмогласия.

В Киевской Руси наряду с обычным знаменным существовал особый род кондакарного пения, отличавшегося обилием мелодических украшений, длительными распевами слогов.

После распада Киевской Руси возник ряд певческих школ, среди которых особенно выделялась новгородская. В период феодальной раздробленности Новгород был основным хранителем древнерусских певческих традиций. С конца XIV века выдвигается Москва как общерусский центр певческого искусства, объединяющий и синтезирующий достижения местных школ.

В XVI веке был создан образцовый хор государевых певчих дьяков, который помимо участия в царских богослужениях выполнял функции инспектирования наблюдения за состоянием церковного пения в стране.

В середине XVI века сложилась школа московских певцов и распевщиков, сыгравшая важную роль в развитии церковно-певческого искусства. Основателем ее считается Савва Рогов, среди его учеников и последователей пользовались известностью Федор Крестьянин, Иван Нос, Стефан Голыш.

В этот период знаменный распев достиг расцвета, возникло множество мелодических вариантов. От знаменного распева ответвились особые разновидности монодического хорового пения – демественный распев и путевой распев.

XVII век был переломным в истории русской музыки, завершая древний и одновременно подготавливая новый периоды ее развития. Кризис средневекового мировоззрения, ломку привычного строя понятий и взглядов отражали споры по вопросам церковного пения, в которых сталкивались два направления. Одно из них стремилось путем частичных реформ укрепить старую традицию, другое выдвигало и отстаивало новые формы, связанные с иной системой эстетических воззрений, иным пониманием искусства в жизни.

В середине XVII века были введены киноварные пометы (буквенные обозначения, которые проставлялись над основным рядом певческих знаков и указывали точную высоту звука). В основу этой системы положен так называемый обиходный звукоряд из двенадцати диатонических ступеней, разделявшийся на четыре «согласия». Наряду с разработкой и систематизацией теоретических основ знаменного распева в XVII веке происходило его дальнейшее мелодическое обогащение, возникали новые песнопения и их варианты, певческие стили или как они назывались тогда распевы – киевский распев, болгарский распев, греческий распев.

Во второй половине XVII века утвердился новый стиль хорового многоголосия – партесное пение, который первоначально сложился на Украине и в Беларуси (Н.Дилецкий, И.Коренев). Простейшие виды партесного пения основывались на мелодиях знаменного распева. Высшей формой партесного пения был хоровой концерт a cappella для 8-12 и более голосов.

В XVII веке при дворе и в домах просвещенного русского боярства появились клавесин, орган и другие европейские инструменты, создавались домашние инструментальные капеллы. Музыка занимала большое место в придворном театре (1672 – 1676 гг.).

Некоторые из стилистических форм и жанров русской музыки, сложившихся в XVII веке, продолжали жить и в следующем столетии. Так, партесный концерт оставался важнейшим видом творчества русских композиторов до середины XVIII века. Среди его многочисленных мастеров – Н.Калашников, Н.Бавыкин, Ф.Редриков.

Под непосредственным воздействием прогрессивных демократических направлений русской общественной мысли и литературы в последней трети XVIII века сформировалась национальная композиторская школа. Ее представители стремились соединить в своем творчестве стилистические принципы и формы раннего европейского классицизма с темами и образами из русской жизни, с мелодическим складом русской народной песни. Появились первые печатные сборники народных песен – Трутовского, Львова и Прача. Многие из помещенных в них записей народных мелодий были использованы композиторами.

Важнейшее место в творчестве композиторов XVIII века занимал оперный жанр. Наиболее видные композиторы этого времени – В.А.Пашкевич, Е.И.Фомин, Д.С.Бортнянский, М.Березовский, И.Хандошкин и др.