Сьюзен Вудфорд «Способы восприятия картин»: как понимать живопись. Как смотреть картины Урок анатомии от Микеланджело

06.07.2019Рубрика: Детский сад

Книги уже много тысячелетий формируют, отражают и сопровождают человеческую цивилизацию. Им уже 4,5 тысячи лет. Книга печатная (в современном понимании слова) сама становится предметом искусства с момента своего возникновения (примерно с 1440 года; в России - несколько позже - во второй половине XVI века).

Сандро Боттичелли. «Мадонна с книгой»

Джузеппе Арчимбольдо. «Библиотекарь»

Отношения человека с книгой всегда оставались примером искренности, доверительности и необходимости друг другу. Собирая материал по теме, мы были поражены многообразием видов (начиная с иконописи и кончая декоративно-прикладным искусством) и жанров, отобразивших книгу и читателя (это и портрет, живописный и скульптурный, и натюрморт, и компьютерная графика). В них искусство как бы признается в любви к Книге - удивительному творению и, одновременно, источнику человеческого интеллекта. Для некоторых художников она - главный герой и смысловой центр (в жанре натюрморта). Но в основном книга в руках человека - это способ раскрыть его внутренний мир, подчеркнуть его душевное состояние и красоту.

Более 570 памятников искусства о книге и чтении от античности до новейшего времени собраны и прокомментированы в известной работе западногерманского книговеда З. Тауберта «Библиопола». Это произведения Джорджоне, Тициана, А. Бронзино, Д. Веласкеса, Рафаэля, Рембрандта, Рубенса, К. Коро и многих других титанов XV-XVIII веков. В XIX веке - это излюбленная тема импрессионистов: О. Ренуара и К. Моне, Ван Гога и Э. Мане, А. Тулуз-Лотрека и Б. Моризо. Произведения русских мастеров классической эпохи - О.А. Кипренского, В.А. Тропинина, И.Н. Крамского, И.Е. Репина, В.И. Сурикова, М.А. Врубеля, В.А. Серова, Н.Н. Ге, и таких художников прошлого века, как М.В. Нестеров, И.Э. Грабарь, Н.П. Ульянов, А.А. Дейнека и других, показывают нам, как широко распространилась книга в России, как изменился её читатель.

Рассказать обо всех невозможно. Мы выбрали то, что, на наш взгляд, может удивить современника в отображении «человека читающего» в искусстве. Талантливое произведение с его конкретными деталями может сказать внимательному глазу больше, чем многотомные исторические издания. И тогда сами изображения приобретают силу и достоверность документов. Но прежде всего нас интересует, как с помощью книги раскрывается характер человека читающего, а через него - и характер эпохи. Первые книги появляются на иконах мастеров в руках святых, это, разумеется, Священное писание. Затем - на парадных портретах средневековых вельмож. Книги очень дороги и говорят не только о богатстве их обладателей, но и о причастности к интеллектуальной элите своего времени.

Портрет Лукреции Панчатики относится к лучшим произведениям Аньоло Бронзино (1503-1572) и к одному из самых прекрасных женских образов в мировой живописи. Портрет создавался как парный к портрету мужа Лукреции - посла флорентийского герцога при французском дворе Бартоломео Панчатики. В Париже супруги попали под влияние гугенотов. После возвращения во Флоренцию им пришлось пройти через суд инквизиции. Однако позднее милость герцога им была возвращена. К этому периоду и относится создание шедевра. Все «придворные» портреты Бронзино отличает олимпийская отстраненность от повседневности и её прозы. Перед нами изображение прекрасной молодой аристократки. Гордая осанка. Спокойная уверенность в собственной неотразимости и правая рука - на «Часослове Богоматери», который узнается по молитве, посвященной Деве Марии. Филигранно выписанные плотный и дорогой атлас, дорогие украшения подчеркивают кожу цвета слоновой кости и хрустальные глаза. На золотой цепи с эмалью (возможно, подаренной Бартоломео по поводу помолвки или свадьбы) надпись: «Любовь не имеет конца».

В итальянском искусстве эпохи Возрождения выделяется совершенно фантастический для своего времени живописец, постановщик праздничных представлений, декоратор, представитель маньеризма Джузеппе Арчимбольдо (1527-1593). Арчимбольдо был художником, наделенным неисчерпаемым воображением и универсальной эрудицией. Самые известные из созданных им работ - так называемые «составные головы» из серий «Времена года» (1562—1563) и «Четыре элемента» (1569). Необыкновенно оригинальные и поражающие своей неповторимостью, а зачастую и портретным сходством, его работы составлены полностью из великолепных плодов, овощей, цветов, ракообразных, рыб, жемчужин, музыкальных инструментов, книг и т. д. Так, например, рисунок «Повар» составлен из кухонных элементов. Лица стилизованы; эффект формы и светотени в пространстве создаётся весьма искусной компоновкой элементов. Перед вами его «Библиотекарь», человек-книга. Ну чем не коллаж, обработанный в Photoshop? Забытый ныне художник был провозглашен в XX веке предтечей сюрреализма, а картина «Библиотекарь» названа «триумфом абстрактного искусства в 16-м столетии».

Жан-Оноре Фрагонар. «Девушка за чтением»

На протяжении последующих веков книга становилась более доступной, развивалась светская литература, менялся облик читателя. В 1769 году парижский художник Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806) задумывает уникальную серию полотен одинакового размера, так называемых «фантастических фигур». Большая их часть не имеет реальных прототипов и создаётся за невероятно короткое время, около часа. Такова его «Девушка за чтением». На месте лица читающей девушки французский художник вначале нарисовал мужскую голову. Возможно, женское лицо также не является портретом с натуры и поэтому может рассматриваться как одна из «фантастических фигур». Но естественная поза поглощенной чтением (любовного романа, стихов?) девушки делает её живой и тёплой, что дало возможность французскому искусствоведу Теофилю Торе написать о ней в 1844 году: «Очаровывает свежее лицо юной девушки, с нежной, словно персик, кожей. Она одета в светлое, лимонно-желтое, щедро отражающее световые блики платье... Героиня картины сидит, откинувшись на лиловую подушку, на которую падают глубокие пурпурные тени. Портрет поражает своей глубиной и жизненностью».

В произведениях художников XIX века книга появляется всё чаще и чаще. К книгам тянутся простой крестьянин и светская дама, аристократ и мещанин. Книга включена как центральная фигура в жанровые и исторические полотна: «Меншиков в Березове»

В. Сурикова, «Завтрак аристократа» П. Федотова, «В книжной лавочке» В. Васнецова и многие другие.

У импрессионистов масса картин о читателе и книге. Книга в руках человека, расположившегося на природе, - излюбленная их тема: у Клода Моне («На лугу», «Семья художника в саду», «В лесах Живерни», «Чтица»); у Анри Тулуз-Лотрека («Дезире Дио»), у Гюстава Кейботта («Апельсиновое дерево»). Книга как часть семейной жизни нашла широкое отражение у О. Ренуара. Персонажи его картин читают за завтраком («Завтрак в Берневале»), одну книгу на двоих читают подружки («Читающие девушки»), есть у него «Девушка, читающая книгу», «Читающая женщина» и особенно много очаровательных читающих детей.

Список имён и интересных работ импрессионистов можно продолжать. Однако это тема для объёмной монографии, которая ждёт своего автора. А мы не можем обойти стороной выдающегося предшественника импрессионистов французского живописца, мастера пейзажа и портрета Жана-Батиста Камиля Коро (1796-1875). Как пейзажист К. Коро оказал большое влияние на творчество импрессионистов своей великолепной передачей световоздушной среды, богатством колорита и умением создать незабываемое впечатление от пейзажа в целом. Коро любил включать в пейзажи фигурные композиции. Всего известны 323 картины с фигурами. Обычно художнику позировали его друзья и родственники. Так же как и пейзажам, фигурным композициям Коро присуще свое определенное настроение. Часто это изображения миловидных девушек, простодушных и чистосердечных, привлекающих чистотой и обаянием молодости, поэтичностью, погруженных в чтение или мечты. Это «Читающая муза» и «Девочка за учением», «Лес в Фонтенбло» и «Читающая девушка в красной кофте». На портрете «Прерванное чтение» изображена одна из таких моделей как раз в момент глубокого раздумья, должно быть, навеянного чтением. В её облике красота и женственность сочетаются с умом. Бытовая характеристика персонажа очень незамысловата, скромная цветовая светло-коричневая гамма с оттенками розового, тонкий колористический строй точно соответствуют настроению лирической созерцательности и нежному облику женщины-мечты, идеала, духовно близкого автору.

В. Суриков. «Меншиков в Березове»

В. Васнецов. «В книжной лавочке»

Клод Моне. «На лугу»

В России в XIX веке книга и чтение начинают играть заметную роль в обществе, и бурно развивающаяся портретная живопись во всём многообразии отражает эту тему. Один из лучших русских портретистов, идеолог и организатор «Товарищества передвижных художественных выставок» (1870), автор такого всемирно известного шедевра, как «Христос в пустыне», И.Н. Крамской (1837-1887), будучи примерным семьянином, во множестве создает портреты дорогих ему людей, прежде всего жены. Софья Николаевна была большим другом, надёжным помощником в делах Крамского. Свои работы он показывал ей первой, для него очень важно было ее мнение. Художник изобразил жену за чтением в саду, освещенной предзакатным солнцем. Это камерный, интимный портрет, проникнутый любовью и тончайшим лиризмом. Сочетание тёплых золотистых и холодноватых лилово-розовых тонов шелкового платья и атласной шали создает удивительно светлый облик Софьи Николаевны, наделённой особой аристократической утонченностью и душевным теплом. Глядя на спокойную позу читающей, мы понимаем, что художник именно в семье видел ту крепость, где можно отдохнуть от непрекращающихся (и не всегда удачных) сражений за новое искусство, мы чувствуем его уважение, любовь и нежность.

И.Н. Крамской оставил в наследство потомкам изображения самых известных своих современников с книгой в руках. Достаточно вспомнить такие его работы, как «Н.А. Некрасов в период последних песен», «Портрет А.С. Суворина». Но задолго до него в мировой живописи возникла тема, которую условно можно обозначить как «портрет мыслителя», т.е. человека, с помощью книги создающего новое знание (будь то философ, писатель или художник). Книга становится знаковым элементом в их изображении, непременной деталью. «Портрет Эразма Роттердамского» Г. Гольбейна, этюд Г. Курбе «Читающий Бодлер», «Портрет Эмиля Золя» и «Портрет поэта Стефана Малларме» Э. Мане, «Лев Николаевич Толстой на отдыхе в лесу» и «Портрет Д.И. Менделеева в мантии профессора Эдинбургского университета» И.Е. Репина, «Портрет Н.Н. Ге» Н.А. Ярошенко, «Портрет ученого-физиолога И.П. Павлова» М.В. Нестерова и многие, многие другие.

Невозможно не рассказать о «Портрете философа В.С. Соловьёва» (1885) И.Н. Крамского. Русский философ, богослов, поэт, публицист, литературный критик Владимир Сергеевич Соловьёв (1853-1900) стоял у истоков «духовного возрождения» России конца XIX - начала XX века. Крамскому удалось увидеть и подчеркнуть своеобразие его личности. Художник сажает его в высокое массивное кресло, увенчанное деревянной резьбой, и как бы отгораживает свою модель от обыденной прозы жизни, усиливая момент отрешённости философа, его погруженность в свои мысли и думы. Портрет излучает благородство, ум, человечность. Это, безусловно, один из лучших представителей человеческой породы. Не зря современники подмечали его сходство с Христом («Христос в пустыне»), а в наши дни один молодой блоггер сравнил его с Атосом. Учёный регулярно приходил на сеансы художника и терпеливо высиживал до конца. Ему было интересно наблюдать за чудом художественного творчества, и портрет сохранил заинтересованное выражение внимательных глаз великого философа. Невольно вырывается вздох сожаления о том, что такие прекрасные лица не увидеть уже не только в толпе прохожих, но и среди самых высоколобых интеллектуалов.

И.Н. Крамской. «Портрет жены Софьи Николаевны»

Г. Курбэ. «Читающий Бодлер»

Н.А. Ярошенко. «Портрет Н.Н. Ге»

Совсем особый и обширный раздел темы - дети за чтением. Дети растворяются в книге, погружаются в вымышленный мир, где много прекрасного, героического, таинственного, в то же время оставаясь естественными. Этим-то и привлекают художников, начиная с полотен Ф. Хальса и Рембрандта (XVII в.) до импрессионистов, искусства авангарда, соцреализма и постмодернизма. Остановимся на том, мимо чего пройти трудно, - портрете дочери Наташи кисти М. Нестерова (1862-1942). Притягивают внимание серьезность и достоинство очаровательной маленькой модели, поразительная одухотворенность ее образа. В портрете одиннадцатилетней дочери автор сумел передать то главное, что в будущем станет определяющим в ее характере: благородство, душевную чистоту, пытливость ума и активное отношение к жизни. Изысканное сочетание золотистого с голубым, оттененное нейтральным зеленым, создаёт тончайшую гармонию особого, чудесного мира уже не ребенка, но ещё и не взрослой женщины. «А девочка на картине Михаила Нестерова «Наташа на садовой скамейке», выглядит очень современно. Она вполне могла вписаться в наше время», - комментарий в ЖЖ.

До сих пор мы рассказывали о картинах, написанных в классической реалистической манере. Но трудно ожидать, что спустя почти век (XX век!) не изменится и само искусство и отношение к нему, когда так разительно изменилась реальность. Художник Йосеф Островский (1935-1993) не любил стилистических определений его творчества: «Я - художник. Не «реалист» и не «модернист». Просто художник. Только так я - свободен и могу выразить на холсте свою философию». Он был ни на кого не похож и необыкновенно талантлив. Уже в 15 лет был принят в Одесскую государственную художественную академию, в 20 лет стал членом Союза художников СССР. Его работы, основанные на детских воспоминаниях о жизни еврейского местечка, несут зрителю свет и тепло. Они - о простом и вечном. Он писал лица стариков, ушедших столетия назад, и мы сегодня видим, что их мудрость и доброта вместе с ними не ушли.

Вот и «Человек с книгой» приковывает взгляд сразу своей наивностью и чистотой. Седобородый старец зачаровано смотрит на книгу, как на чудо. Но ведь это так и есть! Й. Островский сотворил свой мир, сложный, радостный и грустный, - мир философа и сказочника. Художник доказал, что в дорогой ему Одессе существовала не только формально-изысканная, но и тёплая, очеловеченная живопись. Внутренним светом полны его полотна, а самые известные из них находятся в музеях и частных коллекциях Израиля, России, США и других стран.

Художник, о котором пойдет речь ниже, - Роб Гонсалвес, родился в Торонто (Канада) в 1959 году. Изучив технику перспектив и основы архитектуры, он уже в 12 лет начал рисовать свои первые картины. Став взрослым, работал архитектором, рисовал театральные декорации и продолжал заниматься живописью. После удачного выступления на выставке в 1990 году Гонсалвес полностью посвятил себя живописи. Некоторые искусствоведы относят его работы к сюрреализму, считая его последователем С. Дали. Но это не совсем так. Скорее его стиль можно назвать «волшебным реализмом», когда в реальные сцены он вносит свою необыкновенную фантазию.

Его живопись - это попытка показать, что невозможное возможно, что за обыденной реальностью скрывается тайна чего-то иного - мудрого и светлого. Насколько это удается художнику - судить знатокам и любителям живописи, но что-то особое и притягательное в его работах не заметить нельзя. На картине «Люди и книги» мы видим читателей разного возраста, выбирающих книги. Каждый находит нужную, открывает её и попадает в свой, не похожий на другие, необыкновенно интересный и даже в чём-то волшебный мир. Яркие, неожиданные, удивительные, радующие своей необычностью работы художника пользуются популярностью на родине и в США. Его картины выставлялись на крупнейших и престижнейших выставках современного искусства на континенте. Многие выдающиеся люди, известные корпорации, посольства, коллекционируют работы Гонсалвеса.

На сайте «Планета Людей» http://www.planeta-l.ru/catalog1 можно познакомиться с его картинами. Из комментария посетителя виртуальной выставки Роба Гонсалвеса: «Мне нравится эта неуловимость образов, переходящих из одних в другие, тонко переданное рукой художника и его фантазией соединение, перетекание друг в друга разных миров».

Вот такими видит читателей современное искусство.

А что имел в виду гениальный китайский скульптор, создавая шимпанзе-«мыслителя» в знаменитом парке обезьян? Может быть, то, что, если человек «поколения High-Tech» будет использовать книгу, как эта обезьяна или как наши предки начала прошлого века, предлагавшие «сбросить классиков с корабля современности», человеческая цивилизация прекратит своё существование? В мире всё связано, экологическая катастрофа дополнится катастрофой интеллектуальной и эволюция вернётся к своему началу, круг замкнётся? Надеемся, что это просто очень остроумное и наглядное предупреждение: ребята, всем хватит места в мире разума. И электронной книге, которая стремительно развивается и принимает интересные формы, и такому родному и близкому нашему другу в переплёте с бумажными страницами. Читатель, конечно, изменится, изменится и его образ в искусстве. Верим, что это будет человек и будет он лучше нас.

Наталья Горбунова,

зав. сектором Научной библиотеки ТОГУ.

Людмила Кононова,

ведущий библиотекарь НБ ТОГУ

Фотографии

А. Н. Яр-Кравченко.
А. М. Горький читает И. В. Сталину, В. М. Молотову и К. Е Ворошилову свою сказку «Девушка и смерть» 11 октября 1931 года.
1949.

Анри де Тулуз-Лотрек.
Читальный зал в замке Мелрум. Портрет графини Адель де Тулуз-Лотрек.
1886-1887.

Анри де Тулуз-Лотрек.
Любительница чтения.
1889.

Берта Моризо.
Чтение. мать и сестра художницы.
1869-1870.

Василий Семёнович Садовников.
Невский проспект у дома Лютеранской церкви, где помещались книжный магазин и библиотека для чтения А. Ф. Смирдина. Фрагмент панорамы Невского проспекта.
1830-е.

Герард Доу.
Пожилая женщина за чтением. Портрет матери Рембрандта.

16-летняя киевлянка Ира Иванченко развила скорость чтения до 163 333 слов в минуту, полностью усвоив прочитанный материал. Такой результат был официально зарегистрирован в присутствии журналистов. Ещё в 1989 годы был зарегистрирован неофициальный рекорд скорости чтения – 416 250 слов в минуту. При исследовании мозга рекордсменки Евгении Алексеенко специалисты разработали специальный тест. Во время испытания в присутствии нескольких учёных Евгения прочла 1390 слов за 1/5 секунды. Это время, которое тратит человек, чтобы моргнуть.

Чудо-скорость. «Чудеса и приключения» №11 2011.

Герард Терборх.
Урок чтения.

Елизавета Меркурьевна Бём (Эндаурова).
Писал весь день до вечера, а читать нечего! Сказал бы словечко, да медведь недалечко!

Жан Оноре Фрагонар.
Читающая женщина.

Иван Николаевич Крамской.
За чтением. Портрет Софьи Николаевны Крамской.

Илья Ефимович Репин.
Читающая девушка.
1876.

Илья Ефимович Репин.
Чтение вслух.
1878.

Илья Ефимович Репин.
Портрет Е. Г. Мамонтовой за чтением.
1879.

Илья Ефимович Репин.
Лев Николаевич Толстой за чтением.
1891.

Илья Ефимович Репин.
За чтением (Портрет Наталии Борисовны Нордман).
1901.

Илья Ефимович Репин.
М. Горький читает в Пенатах свою драму «Дети солнца».
1905.

Илья Ефимович Репин.
А. С. Пушкин на акте в Лицее 8 января 1815 года читает свою поэму «Воспоминания в Царском селе».
1911.

Читальный зал.

Благовещение (Читающая Мария).

Николай Петрович Богданов-Бельский.
Воскресное чтение в сельской школе.
1895.

Нисикава Сукэнобу.
Ойран Эхон Токива читает письмо, две куртизанки справа.
1731.

Никикава Сукэнобу.
Три девушки читают письмо.

Нисикава Сукэнобу.
Две девушки, читающие книгу.
Из альбома «Fude no Umi», p.7.

Нисикава Сукэнобу.
Три девушки, читающих книги за котацу.

О. Дмитриева, В. Данилов.
Н. В. Гоголь читает комедию «Ревизор» в кругу литераторов.
1962.

Куртизанка за чтением книги.

Мужчина читает двум женщинам.

Урок чтения.

Читающая Мария Магдалина.

Читающий мальчик.

Чтение под лампой.
1880-1883.

Эдуард Мане.
Чтение.
1865-1873.

Александр Григорьев-Саврасов 2015-11-20 в 01:11

Многие думают, что изобразительное искусство — самое простое для восприятия из всех существующих искусств, но это далеко не так. Отсутствие труда, как, например, при чтении или длительном созерцании театрального действия, обманчиво.

Как правило, мы на бегу формируем своё мнение об увиденной нами картине, за доли секунды решая — нравится или нет. Я уже писал о том, что искусство и вообще интеллектуальная деятельность далеки от солёной рыбы, которая может быть кому- то не по вкусу.

Мы в первую очередь хотим изменить мир, ничего не меняя в себе. Рыбу подсолить, а картину заклеймить привычным «люблю — не люблю» и бежать дальше.

Многие ли задумывались над тем, что не простая эта простота, и одного взгляда мало, чтобы определить, какова ценность той или иной картины.

Картина — прежде всего плоскость, на которой показана имитация реального либо условного сюжета, и следует ли ориентироваться только на иллюзорность изображённого?

Вопрос на засыпку: надо ли есть нарисованную рыбу? Такую ли цель преследовал автор, пытался ли он нас обмануть, создав иллюзию реальности?

Многие думают, что творческий процесс — это лишь созидание, то есть подражание реальному миру. Но разрушение — тоже творчество, и кубизм Пикассо лучший тому пример. Разрушая форму, он творит, его образы неподражаемы, созданный им мир уникален.

Портрет Амбруаза Воллара, Пикассо.

Так ли легко понимать картины, как кажется на первый взгляд, и доступно ли изобразительное искусство для восприятия всем, кто мешает мух с котлетами, а картины с рыбой?

В отличие от кино, театра и других видов искусства, картина не существует во времени, то есть нам не нужно следить за действием, чтобы понять происходящее. Изображение на холсте статично. Простыми словами, картинка не движется, мы видим лишь остановленное автором мгновение, которое оцениваем сиюминутно, не вникая в детали.

Чтобы составить впечатление о фильме, нужно смотреть его целых два часа, а картина достойна одного взгляда. Довольно большой процент зрителей именно так и судит обо всём изобразительном искусстве.

Разве не так мы бежим по залам музея? Картины как слайды мелькают перед глазами, сливаясь в одну киноленту, а что в результате — каша из десятков образов, которые мы завтра и не вспомним.

В идеале музей следует посещать каждый раз ради одной картины, она сама по себе целый фильм, театральное представление, если хотите. Она достойна того, чтобы Вы уделили ей больше, чем одно мгновение .

Если говорить о классическом понимании изобразительного искусства, то картина имеет время и действие, которое она изображает, её сюжет развивается последовательно.

У картины, повторюсь, в её классическом понимании (мы сейчас не говорим о современном искусстве) есть вход в композицию и заданное автором движение. Зритель не просто созерцает сюжет, а движется по изображению так, как это задумал автор.

В картине есть как прошлое, так и будущее, мы с лёгкостью можем это представить, основываясь на том, что запечатлел художник. Конечно, всё это станет возможным, если мы перестанем относиться к изобразительному искусству как к самому лёгкому для восприятия.

Древние греки судили о мастерстве художника по тому, как он мог обмануть зрителя реализмом изображённого. В истории, рассказанной писателем Плинием Старшим (I в. н. э.), птицы путают изображённый виноград с реальным.

Будем ли мы сегодня восхищаться подобным сюжетом? Кто-то, конечно, будет из числа тех, кто путает рыбу с картиной и на бегу выносит суждения о тех или иных произведениях, но уверен, не все такие.

Возьмём, к примеру, меня, зачем далеко ходить? Меня не убеждает реалистично изображённый виноград, я не птица, мне этого мало. Восхищаться фотографичностью картинки в двадцать первом веке, по меньшей мере, странно.

Мне недостаточно того, что изображённый сюжет идентичен оригиналу. Я хочу видеть, а прежде всего, чувствовать, что переживал автор. Я хочу следить за тем, как он мыслит, как общается со зрителем, какие приёмы использует, технические и композиционные.

У меня есть и свои предпочтения, так как я живописец — это колорит, цвет. Это то, что меня завораживает. Подчеркну, именно цвет, а не краска, так как многие не видят никакой разницы. Следует обратить внимание, что живопись — это игра оттенков, а не раскрашенная колерами плоскость.

Меня восхищает и приводит в восторг дышащая цветом поверхность произведений мною любимых художников, я могу часами рассматривать фактуру на полотнах, источающих лёгкость и свежесть живописи.

Я вижу в современной живописи чистый жанр, освобождённый от идеологических и угоднических смыслов. Для меня живопись самостоятельна, и порой мне достаточно одного только колорита, чтобы понять, почувствовать, сопереживать автору.

Конечно же, я пришёл к этому не сразу, тому виной годы творческого поиска и постоянно приобретаемые знания. Я писал, что все мы самоучки, иначе и быть не может. Мне трудно представить, что можно в какой- то момент завершить обучение и сказать, что мне достаточно знаний.

Именно в моих знаниях кроется нежелание быть обманутым, я не жду от художника идентичности изображаемого, мне важна его индивидуальность, его творческий язык, его честность. Эти качества не может повторить ни одно техническое устройство. Именно они уникальны и интересны зрителю подготовленному, которому близки, в первую очередь, свежие решения, а не заезженные штампы.

Вернёмся к поставленному нами вопросу — как понимать картину? Самое первое — остановитесь, уделите ей чуть больше времени, нежели обычно. Пережив эмоционально первое впечатление, задайте себе вопрос, какие задачи ставил перед собой автор и достиг ли он их?

Если картина сюжетная, историческая, концептуальная, Вам следует знать подтекст.

Помимо понимания сюжета Вам очень бы помогли принципы художественного видения, например, как автор манипулирует пятном на плоскости.

Обладая знаниями, Вы бы по-иному увидели мир, а знакомые ранее произведения открылись Вам заново.

Подведя итог, скажу, что художественного произведения без зрителя не существует, понимать картину — значит участвовать вместе с автором в её создании. Конечно же, я не говорю, что Вам следует взять в руки кисти и что-то исправить или дописать. Нет, участвовать — значит принимать содействие в предложенном автором ассоциативном ряде, считывать образы, видеть единство замысла и т.д.

Будьте внимательны к картине. В спешке можно так и не увидеть главного . Аппетит приходит во время еды, так и страсть к изобразительному искусству растёт по мере того, как Вы открываете новые горизонты там, где раньше стеной стоял туман непонимания.

Желаю всем творческих успехов и хочу напомнить, что на блоге в правом верхнем углу есть форма подписки. Рекомендую подписаться, будете в курсе обновлений блога.

Кто они такие - любители живописи

Бывая на художественных выставках, многие из нас видели людей, застывших, будто в ожидании, перед какой-нибудь картиной. С первого взгляда это кажется смешным. Что, действительно, можно так долго разглядывать? И вообще, как говорится в известном анекдоте, зачем смотреть на то, как люди «в древности» без «Полароида» мучились? Да, темп жизни постоянно возрастает, и люди, для того чтобы успеть за временем, все больше становятся прагматиками, оценивающими все, что их окружает, с точки зрения вложений и прибыли. Конечно, любуясь картиной, никакой материальной выгоды Вы не получите. Однако если внимательно приглядеться, можно заметить поразительную связь между зрителями и самой картиной: их лица озаряются идущим от полотна неведомым светом, как будто они попадают под действие загадочной ауры картины.

Живопись - это особый мир, дверь в который всегда открыта, но войти туда может не каждый. Знания, которые несут картины, это не та информация, к которой мы все привыкли, не те сведения, которые мы получаем в школе, и не тот поток фактических данных, который обрушивается на нас каждый день из средств массовой информации. Это духовные знания. Осознание их приходит постепенно - по мере того, как зритель, шаг за шагом, обретает готовность приобщиться к духовному опыту. Поэтому выдвинутый когда-то большевиками лозунг: «Искусство - в массы» в корне неверен. Искусство ничего не может дать массам, если массы не готовы дать искусству что-то взамен. И в этом смысле искусство - элитарно. Однако оно не закрыто для пытливых и страждущих, и всегда готово встретить вновь прибывшего, чтобы, взяв его тихонечко за руку, провести затем по тропе познания в мир простых истин. Нельзя сказать об этом лучше, чем когда-то сказал Ю.Визбор о мире музыки: «Какая музыка была, какая музыка звучала. Она совсем не поучала, а лишь тихонечко звала. Звала добро считать добром, и хлеб считать благодеяньем, страданье вылечить страданьем, а душу греть вином или огнем.».

Как художник воплощает в картине свои идеи

Глаза нас частенько подводят. Вот и в живописи изображенное на картине далеко не всегда равнозначно тому, что хотел сказать автор. Да, любителям телевизионных программ, обожающим смотреть красивые картинки, лежа на диване, это не понравится. Прибегая к использованию техники живописи, художник передает свои мысли и чувства через некий информационный код.

Во-первых, автор (будь то автор художественного произведения или какого-либо еще) всегда выступает «заложником» своего времени. Поэтому идея картины обязательно имеет «привязку» к исторической эпохе, в которой творил художник. Так, например, в средневековой живописи изображение человеческого тела и всего, что с ним связано, считалось греховным. Поэтому неподготовленный человек, глядя на эти полотна в свете сегодняшних представлений, решит, что это какой-то «детский рисунок» и, не затронутый увиденным, пройдет мимо.

Во-вторых,- это код самого послания автора. Формулируя свою идею, художник старается излагать ее на языке живописи, пользуясь законами изобразительного искусства, главным из которых является закон композиции. Кроме языка законов построения изображения, у живописи есть еще и другой язык. Со Средних веков - когда живопись тяготела к иносказательной интерпретации предметов - в изобразительном искусстве выработался язык символов, используя который автор мог уложить свою идею в строгие рамки разрешенных сюжетов. Этот язык получил свое дальнейшее развитие в 17-18 веках, когда для создания картин часто использовались сцены из древних мифов.

В-третьих, сознательный выбор разнообразных художественных приемов формирует у художника неповторимый «почерк», зная который, легко можно установить авторство неизвестных произведений.

Зачем же нужны все эти «коды», неужели нельзя просто взять и нарисовать то, что больше всего понравилось, чтобы все поняли, как это действительно красиво. К сожалению, наука пока не может ответить на этот вопрос. Дело в том, что эта проблема напрямую связана с проблемой происхождения языка. Мы не знаем, почему люди постепенно перешли на условный язык общения, отказавшись от языка жестов и животных криков. Можно только предположить, что это было как-то связано с развитием культуры. И хотя дух реализма в современной культуре, как видно, возобладал, мне кажется, что, так или иначе, авторы реалистичных картин всегда переходят на язык «тайнописи» или же уходят в примитивизм.

Основные законы живописи

Можно облегчить себе восприятие картины, обратившись к основным законам живописи, посредством которых художник общается с нами, переводя на холст свои мысли и чувства. Главный закон живописи - создание правильной композиции, т.е. уравновешение различных частей картины. Основная функция композиции - привлечение внимания зрителей к главному объекту, передача игрой форм, линий и красок определенного душевного настроя.

Так, например, строгие прямые линии хорошо передают вес и объем, придают формам законченность и совершенство, рождают ощущение гармонии, душевного спокойствия. Совершенство форм подразумевает использование чистых насыщенных цветов. Картина становится «звучной». Так, например, очень «звучные» картины у Н.Рериха. Хорошо знали этот прием иконописцы; прекрасно удавалось передать «звучание» красок Феофану Греку.

Напротив, изогнутые линии рождают в душе ощущение движения, изменчивости. Так, например, петляющая дорога в голубой дымке на заднем плане картины Леонардо да Винчи «Мона Лиза» создает ощущение зыбкости, мимолетности, легкой невесомости самого портрета. Очень часто художники использовали задний план для того, чтобы подчеркнуть умонастроение персонажа картины и сообщить зрителю определенную эмоцию. Распространен был подобный прием в написании парадных портретов.

Далее, у картины всегда есть точка зрения - то положение, с которого автор показывает нам объект. Она напрямую связана с законами построения перспективы, т.к. является точкой схода параллельных линий изображенных предметов. Существует несколько видов перспективы. Наиболее распространенные - это обычная прямая перспектива (с точкой схода, расположенной за объектом), показывающая уменьшение размеров предметов по мере удаления от глаз наблюдателя, и обратная перспектива (точка схода находится впереди объекта), предметы в которой по мере удаления от наблюдателя увеличиваются. В иконописи художники часто прибегали к использованию обратной перспективы для того, чтобы подобным образом воплотить идею о приближении далеких идеалов. Точка схода позволяет художникам, как бы играя пространством, привлекать внимание зрителя к наиболее значащим объектам и планам картины. Например, в картине Леонардо да Винчи «Тайная вечеря», мы легко можем определить композиционный центр, благодаря точке схода перспективы изображения, расположенной сразу за Христом.

Большое значение в восприятии картины имеет линия горизонта. Линия горизонта позволяет передавать масштаб изображаемых событий в соответствии с умозрительным восприятием художника. Например, линия горизонта, расположенная в нижней части картины, может рождать ощущение причастности к действию, тогда как, напротив, находясь в верхней части полотна, она заставляет нас оценивать изображенное на картине с «высоты птичьего полета».

Кроме гармонии линий и форм в картине еще должна присутствовать гармония света и цвета. Световые пятна применяются для придания картине эмоционального напряжения, перерастающего в определенный мысленный настрой. Действие этого эффекта объясняется концентрацией внимания зрителей на наиболее важных, значимых деталях картины. Прекрасно умели работать со светом Тициан, Рембрандт, К.Брюллов, И.Куинджи. Например, на картине И.Куинджи «Лунная ночь на Днепре» мы видим только два ярких световых пятна посреди непроглядной ночи - луну и узкую полоску воды под ней. Такой световой контраст рождает в душе чувство спокойствия и умиротворения. Подобные световые контрасты широко используются и в портретах. Прекрасный пример тому - «Портрет мужчины в красном» кисти Рембрандта или «Портрет Ф.М. Достоевского» В. Перова. В них световые акценты на лице и на кистях рук рождают ощущение погруженности в размышления, внутренней силы персонажа.

Цветопередача картины преследует ту же цель, что и световые акценты, - привлекать внимание зрителя к наиболее значимым деталям произведения. Контраст цветов руководит избирательностью восприятия. В первую очередь взгляд выхватывает наиболее яркие цвета картины, а затем невольно переходит на фрагменты, контрастирующие этому цвету. Если внимательно посмотреть на картину, можно заметить, что цветовые контрасты располагаются вокруг композиционного центра, таким образом, создавая на нем дополнительный акцент. Кроме этого, они рождают ощущение внутреннего движения, картина как бы оживает, перестает быть статичной.

Композиционные законы живописи являются хорошей иллюстрацией закона диалектики о борьбе и единстве противоположностей. Вся композиция картины строится на единстве и контрасте объекта и фона, линий и форм, света и цвета. Объединяя эти разные элементы, противопоставляя их другим группам композиции, автор делает картину более емкой и многозначной.

Зорко одно лишь сердце

Картина - это книга, но не старайтесь сразу найти в ней последний лист с содержанием. Картина - это та же пещера Али-Бабы, откуда можно взять лишь столько золота, сколько можно унести за один раз. Но к картине можно всегда вернуться, когда духовные силы вновь потребуют насыщения. Ведь даже приходя на выставку в разном настроении, можно получить разное восприятие картины.

Одну и ту же картину люди могут воспринимать по-разному. Достаточно только вспомнить неутихающие дискуссии на тему «Моны Лизы», чтобы понять это. Одной из восхитительных особенностей живописи является то, что она способна породить бесчисленное число многослойных реакций восприятия, и, одновременно, выявить «общий знаменатель», - тот важный смысл, заложенный в основу картины, - который понимают и видят все.

Живопись всегда будет напоминать нам о том, что, как говорил Лис в романе А. Сент-Экзюпри «Маленький принц»: «…зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь». И, может, действительно, только благодаря искусству, в один прекрасный момент мир будет спасен.

Одной из моих самых излюбленных тем в искусстве являются картины про чтение)))

Какие одухотворенные, осмысленные и благостные лица у читающих людей!

Мне кажется, что это лучшие минуты жизни. Когда человек уносится в невидимый мир, включает свою фантазию, представляет себе картины со страниц книг, он становится волшебником. Особенно умиляют картины с семейным чтением. Как это хорошо, как это правильно!

У меня уже собрана целая коллекция картин на эту тему. Сегодня - первая часть работ.

Charles Edward Perugini (1839-1918), Girl Reading

Картины помещаю в той последовательности, в какой они ко мне пришли. Авторов некоторых из них мне установить не удалось.

Вот эта, например.

Барышня пишет и перечитывает амурное послание. Забыв про письмо, предалась светлым раздумьям))) В ее праведных глазах сияет любовь.

Дай Бог ей счастья!

Следующая картина тоже без автора. Но какая сценка семейной жизни запечатлена на ней!

Отец семейства углублен в своё серьезное чтение. Мама читает детям книжку вслух. Один из ребятишек занимается, что-то пишет в тетради. И все это под уютнейшим большим абажуром. Какие же все они молодцы!

А как хорошо читается летом в саду! Запах цветов, свежий ветерок, ласковое солнце. Идиллия!

Allan R. Banks

Милая читательница в желтом платье. Удобно расположилась в кресле и витает где-то в облаках)))

Фрагонар, Жан Оноре (1732 - 1806)

Вот эта девушка тоже хороша. Такая домашняя, скромная.

Будет хорошей женой и мамой - в этом нет сомнения.

Huntington Daniel. Study In A Wood.

Девочка за книгой. Настолько увлеклась, что забыла обо всем на свете. Переживает за героев романа.

Franz Eybl

Две картины с мужчинами в высшей степени достойными похвалы.

Первый - эмоциональный, увлекающийся. Собрал большую библиотеку. Уверена, что он трудится на ниве просвещения.

Johann Hamza (1850-1927)

Второй - философски курит трубку и тоже полон идей и раздумий.

Pierre-Auguste Renoir

Настоящая леди должна быть именно такой))) С ней всегда приятно побеседовать, так как она много читала и отличается хорошим вкусом и манерами. Но в то же время, проста и уважительна к любому собеседнику.

Thomas Benjamin Kennington(1856-1916). Lady reading by a window.

Даже со спины видно, как хороша и умна дама за столом. Картины, фото на стенах, цветы в вазе, утонченный наряд и прическа. У нее, наверно, чудный голос, она и поет, и музицирует, и искусство нежно любит.

Fernand Toussaint (Belgian Painter, 1873 - 1955)

Задумалась, унеслась мыслями в неведомые края. Раньше говорили - витает в эмпиреях. Строит какие-то планы, а, может быть, и воздушные замки. Пусть ее мечты сбудутся!

Paul Barthel

В стародавние времена, когда рыцари сражались за своих дам на турнирах, дамы читали возвышенные трактаты, чтобы суметь вдохновить поклонников на новые подвиги)))

Дже́ймс А́рчер

Чистая девушка самозабвенно читает и столько ума и прелести в ее лице!

Bulleid George Lawrence

Что и говорить, женщина за книгой - лучшее зрелище для настоящего мужчины)))

Дельфин Анжольрас

Здесь меня привлек яркий наряд девочки, но все же главное, что она не носится в нем по дому, а тихо, спокойно читает книжку. Правильно делает.

Marianne (Preindlsberger) Stokes (1855 - 1927)