Кандинский все картины. Василий Кандинский – биография и картины художника в жанре Экспрессионизм, Абстракционизм – Art Challenge

Рекордная продажа картины «Супрематическая композиция» (1916) из легендарной серии Казимира Малевича на торгах аукционного дома Christie’s в мае 2018 года стала для нас поводом собрать воедино ценовые достижения продаж работ русских художников. Какие максимальные суммы заплатили в разные годы покупатели за работы Валентина Серова, Марка Шагала, Николая Рериха, Василия Кандинского, Натальи Гончаровой?

Накал страстей на торгах Christie’s был нешуточный. Помимо непосредственной борьбы за «Супрематическую композицию» искусствоведы и галеристы ждали, побьет ли работа Кандинского ценовой рекорд продаж русских художников, установленный работой Марка Ротко в 2012 году? Рекорд остался прежним: цена «вопроса» - разница в 1 миллион долларов.

1. Марк Ротко

Первое место в списке самых дорогих русских художников шестой год занимает знаменитый мастер живописи цветового поля Марк Ротко. Его полотно «Оранжевое, красное, желтое», написанное художником в 1961 году, было продано на торгах Christie’s 8 мая 2012 года за 86,88 миллиона долларов. Ценители искусства Ротко регулярно голосуют полновесным долларом за желание приобщиться к феномену этого загадочного художника. Картина «Оранжевое, красное, желтое» знаменита еще и тем, что стала самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.

Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое
1961, 236.2×206.4 см

2. Казимир Малевич

«Супрематическая композиция» (1916) из легендарной серии Казимира Малевича стала самым дорогим лотом на распродаже Christie’s, прошедшей 15 мая 2018 года. Таким образом, Малевич остался номером 2 в ТОП-10 самых дорогих русских художников: хотя цена самой дорогой его работы поднялась с 60 млн долларов на торгах в 2008 году до 85,8 млн долларов в 2018, и всего 1 миллиона не хватило, чтобы Малевич возглавил список.

Картину приобрела частная галерея «Леви Горви», установив новый ценовой потолок для работ русского абстракциониста.

Казимир Северинович Малевич. Супрематическая композиция
1916, 88.5×71 см

Появляясь на аукционах, работы Казимира Малевича всегда создают ажиотаж. Так было и в 2015 году, когда неизвестный покупатель приобрел на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке полотно «Мистический супрематизм» (1922). За картину, принадлежавшую наследникам художника, было заплачено 37,7 млн долларов.

Казимир Северинович Малевич. Мистический супрематизм
1922, 100.5×60 см

В том же 2015 году, 24 июня был побит предыдущий максимум, который платили за Малевича на открытых торгах. За картину «Супрематизм. 18-я конструкция» (1915), которую также продавали наследники Малевича, на торгах Sotheby’s в Лондоне неизвестный покупатель заплатил 33,8 млн долларов.

Казимир Северинович Малевич. Супрематизм 18-я конструкция
1915, 53.3×53.3 см

3. Василий Кандинский

21 июня 2017 года на торгах Sotheby’s «Картина с белыми линиями» Василия Кандинского была продана за 41,8 миллиона долларов. Она побила рекорд того же аукциона: за 20 минут до этого полотно «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом» (1909) «отца абстракции» было продано за 26,4 млн долларов. Эти две работы знаменуют переломные моменты как в творчестве художника, так и во всём искусстве XX века, и входят в небольшое число значительных картин Кандинского, остающихся в частных руках.

Василий Кандинский. Картина с белыми линиями
1913, 119.5×110 см

Василий Кандинский. Мурнау. Пейзаж с зелёным домом
1909

Рекорд по продажам картин Кандинского держался с 2012 года, когда его картина «Эскиз к импровизации № 8» была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 23 миллиона долларов.

Василий Кандинский. Эскиз для "Импровизации 8"
1909, 98×70 см

А до 2012 года самой дорогой картиной Василия Кандинского была «Фуга» (1914). За нее 17 мая 1990 года на торгах аукционного дома Sotheby’s заплатил 20,9 млн долларов швейцарский коллекционер Эрнст Бейлер.

Василий Кандинский
1914, 129.5×129.5 см

4. Марк Шагал

На вечерней распродаже произведений импрессионистов Sotheby’s 14 ноября 2017 года одна из ранних картин Шагала «Влюблённые» (1928) была продана за рекордные 28,5 млн долларов при эстимейте от 12 млн до 18 млн долларов. Война ставок между тремя претендентами длилась более десяти минут. На картине (Les Amoureux) художник изобразил себя со своей музой и первой женой Белой Розенфельд. Полотно было приобретено вскоре после завершения через парижскую галерею Bernheim Jeune & Cie. С и тех пор оно оставалось во владении одной семьи.

Марк Захарович Шагал. Влюблённые
1928

Предыдущий «потолок» для открытых торгов картинами Шагала был достигнут еще в 1990 году. Тогда на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке японский бизнесмен и рьяный коллекционер работ Марка Шагала, Хиронори Аоки, купил картину «Юбилей» (1923). Новая жемчужина коллекции японца (около 30 картин Шагала) обошлась ему около 14 млн долларов.

Марк Захарович Шагал. Юбилей
1915, 80.8×100.3 см

5. Хаим Сутин

11 мая 2015 года на торгах Christie’s в Нью-Йорке полотно Хаима Сутина «Бычья туша» («Le Bœuf»), написанное около 1923 года, было продано за 28,2 млн долларов, не превысив верхнюю планку эстимейта в 30 млн. Созданное в период с 1923 по 1925 год, полотно является одной из девяти картин с бычьими тушами, написанными Сутиным с натуры. Только три картины из этой серии находятся в частном владении.

Хаим Соломонович Сутин. Бычья туша
1923, 81×60 см

6. Алексей Явленский

На момент продажи картины Алексея Явленского «Шокко в широкополой шляпе» специалисты называли эту сделку «инвесторской удачей». Если в 2003 году картину приобрели на Sotheby’s за 8,3 млн долларов, то на торгах этого же аукционного дома 5 февраля 2008 года цена на «Шокко» взлетела более чем в 2 раза и составила почти 18,6 млн долларов. Тогда многие подчеркивали способность цен стремительно расти одновременно с интересом к творчеству художника. Возможно, после экспозиции в Русском музее, открывшей творчество Явленского широкой публике, интерес к его работам у русских коллекционеров вырастет еще больше.

Алексей Георгиевич Явленский. Шокко в широкополой шляпе
1910, 75×65.1 см

7. Валентин Серов

«Портрет Марии Цетлиной» (1910), написанный знаменитым русским живописцем, был продан на Christie’s 24 ноября 2014 года. Сумма, вырученная за картину - чуть более 14,5 млн долларов - стала рекордом специализированных «русских торгов», которые Christie’s регулярно проводит в Лондоне.

Валентин Александрович Серов. Портрет Марии Цетлиной
1910, 109×74 см

8. Николай Рерих

Продажа картины Николая Рериха «Мадонна Лаборис» (1931) стала рекордом продаж произведений русских живописцев аукционным домом Bonhams. 5 июня 2013 года в Лондоне этот лот ушел с молотка за 12 млн долларов. До того момента максимальная цена работ Николая Рериха составляла порядка 3,4 млн долларов (2007 года). И вот 6 лет спустя на торги Bonhams была выставлена очень известная, даже хрестоматийная вещь, которая с 1930-х годов была недоступна широкой публике. Несмотря на то, что уменьшенная копия «Мадонны Лаборис» выставляется в Музее Рерихов в Нью-Йорке, обладание оригиналом и история, провенанс работы, определенно повлияли на высокие результаты торгов.

Николай Константинович Рерих. Мадонна Лаборис (Труды Богоматери)
1931, 8.4×12.4 см

9. Наталья Гончарова

Единственное женское имя, попавшее в список десяти самых дорогих русских художников - «амазонка авангарда» Наталья Гончарова. На протяжении десяти последних лет ее работа «Цветы» (1912) остается самой дорогой среди картин русских художниц, реализованных на открытых торгах. Произведение было продано на аукционе Christie’s в Лондоне 24 июня 2008 года почти за 10,9 млн долларов, ненамного превысив верхнюю планку эстимейта.

Наталья Сергеевна Гончарова. Цветы
1912, 72.7×93 см

10. Николай Фешин

Завершает десятку самых дорогих русских художников Николай Фешин и его картина «Маленький ковбой». С результатом в 10,8 млн долларов полотно было продано на аукционе Macdougall’s в Лондоне 2 декабря 2010 года - самый дорогой лот русского искусства, когда-либо проданный этим аукционным домом. Вдобавок к этому, картина оказалась и топ-лотом всей русской недели того года в Лондоне. С верхним пределом эстимейта в 700 тысяч фунтов, «Маленький ковбой» вызвал огромный ажиотаж и был куплен коллекционером из России.

Николай Иванович Фешин. Маленький ковбой
1940, 7.6×5.1 см

Подготовлено по материалам публикаций artinvestment.ru, sothebys.com, christies.com, macdougallauction.com, bonhams.com, tass.ru, собственным публикациям Артхива. Титульная иллюстрация: коллаж из работ Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» (1961), Казимира Малевича «Супрематическая композиция» (1916), Василия Кандинского «Картина с белыми линиями» (1913).

Он переезжает в Мюнхен , где знакомится с немецкими экспрессионистами . После начала Первой мировой войны возвращается в Москву, но в 1921 году вновь уезжает в Германию. После закрытия Баухауза нацистами переезжает с женой во Францию, в 1939 году получает французское гражданство.

Энциклопедичный YouTube

1 / 5

✪ Кандинский, Композиция номер 7

✪ Кандинский и «Синий Всадник»

✪ Преобразование живописи. Выпуск 9. Пикассо и Кандинский

✪ Василий Кандинский. Композиция VII

✪ Василий Васильевич Кандинский. Художник.

Субтитры

Перед нами очень большое полотно, которое создал русский художник Василий Кандинский в Мюнхене в 1913 году. Сейчас эта картина находится в Москве. За год до начала Первой мировой войны. Она называется «Композиция №7». Кандинский часто давал картинам абстрактные названия. У него есть несколько «композиций», несколько «импровизаций». Видимо эти названия он… Он заимствовал из музыки. Точно. Будто это оркестровка. Для него это и есть оркестровка. Для Кандинского были важны разные аспекты, и один из них как раз прочная связь цвета, музыки и чувств. То, как мы видим звуки и слышим цвета. - То есть почти кинестетическое ощущение, да? - Да. Есть некое естественное сочетание цвета и звука, цвета и формы. По-моему, все чувства взаимосвязаны. Возможно. Существуют разные виды восприятия. Скажем, «этот суп синий на вкус». Именно. Или «буква Б - желтая». Ты напомнил мне об одной истории. В три года у меня заболело горло, и я пришла к врачу. Доктор спросил: «Как твое горло?» А я ответила: «Красное». Вернее, я даже крикнула: «Красное!» И я отчётливо помню это ощущение красного цвета. - Именно! - Так мне было удобнее всего выразить свои ощущения в горле. Так что, возможно, все чувства связаны между собой. Мне кажется, Кандинский имел в виду именно это, хоть и не в буквальном смысле. Наш мозг разрушил это единство всех чувств. Мы вырастаем, впитываем условности, всё больше и больше удаляясь от этих первичных связей. И Кандинский большую часть жизни потратил на то, чтобы вернуться к истокам. Верно. Давайте вернёмся к картине. Я смотрю на неё, потом отвожу взгляд, потом возвращаюсь снова и пытаюсь понять. Думаю, Кандинский сложен для восприятия, потому что зачастую непонятно, что он вообще делает. Но мне кажется, важно не столько то, что он делает, сколько то, как это всё выглядит, или даже то, как это звучит. Он называл свои картины «композициями» или «импровизациями». Кандинский дружил с одним из величайших композиторов раннего модернизма, австрийцем Арнольдом Шёнбергом. Шёнберг работал с атональными звуками, атональными системами и композициями. Если смотреть на картину Кандинского, слушая музыку Шёнберга, всё обретает новый смысл. Давай послушаем? Когда я слушаю Шёнберга, его атональную музыку, у меня часто возникает ощущение, что он пытался выделить звук и позволить ему существовать абстрактно, в виде самого себя. Пожалуй, и правда есть связь между этой идеей и работами некоторых художников того периода, в частности, Кандинского. Думаю, когда произведение перестаёт быть частью природы, будь то музыка в отрыве от повествовательной композиции или же… Но ведь музыка, высокая музыка, которую мы называем классикой, часто бывает оторвана от реальности. Хотя и есть исключения. Например, Шестая симфония Бетховена передаёт бурю. Но чаще повествования как такового нет. Абстрактность - её неотъемлемая черта. - Музыки. - Да, музыки. Но в атональной системе акцент сознательно делается на сами звуки, на воплощение музыки как таковой. И это, на мой взгляд, согласуется с подсознательной, абстрактной живописью. - Да. - Ты сейчас затронула очень важную тему - о принципиальном отличии живописи от музыки. Ведь живопись всегда старается притвориться тем, чем она не является. В этом плане музыке, с присущей ей абстрактностью, на протяжении всей истории приходилось легче. Музыка отчётливо меняет настроение, позволяет человеку находиться в другом пространстве. Она пробуждает эмоции и словно переносит в определённое место. А когда я слушаю Шёнберга, мне становится как-то некомфортно. Его музыка неприятна, я испытываю прямо-таки физический дискомфорт. Она мне не нравится, но идея отчасти именно в этом и состояла. И живопись в период модернизма, в начале XX века, тоже пыталась спровоцировать распад. - Да. - По-моему, это очень интересно. Где же атональность или диссонанс на картинах Кандинского? В этих формах, которые негармоничны? Здесь? Точно. Например, на этом полотне формы и линии словно движутся в разных направлениях. Части картины сталкиваются и соединяются, создавая диссонанс. Будто разрывают пространство. Почему же модернизм так жаждет разорвать мелодию, гармонию звуков, и видит в атональности самый удачный способ самовыражения? Кандинский старается передать свое личное, субъективное восприятие цвета, формы, любого предмета, который он видит. Он воссоздает субъективный момент, стараясь, чтобы в нём было как можно меньше общего с реальностью. Мост не должен быть похож на мост. Он должен быть похож на ощущения художника, который идёт по мосту. Вот я смотрю наверх. Что там? Линия горизонта? Не знаю. Может быть это пейзаж? Нужно догадаться, где что. Думаю, в этом и заключается суть. Похоже, тема картины - конфликт форм как таковых. - Да. - Думаю, вы правы. Художник будто старается обмануть наши ожидания увидеть в этом пейзаж, натюморт или другой образ, пусть даже абстрактный. Получается, Кандинскому, на мой взгляд, удаётся вывести нас на другой уровень восприятия, где мы в полной мере можем рассмотреть конфликт между формами и цветами как таковыми. И абстракция становится разумной. Красный против жёлтого, синий против зелёного. Да. Да, и в каком-то смысле музыка, которую мы только что слушали, делает то же самое. Сам термин «атональный» подразумевает некий конфликт между звуками. Такое ощущение, что в современном мире что-то не сходится. - Отчасти. - В классической музыке есть повествование. Повествование и развязка, хоть и рваная. - Да. - А здесь такое чувство, будто ничего не держится. - Да. - Помните, как у Йейтса: «Все рушится». Словно нет больше такого повествования, которое может объяснить жизнь, может придать ей смысл, определить положение человека в мире. Так и тянет сказать: это же 1913 год, мир уже на пороге войны! - Да. - Все игроки уже на поле. Думаю, с такими словами надо быть аккуратнее, и всё же момент тогда был критический. Неизбежно возникает мысль об апокалипсисе. Мы об этом не упоминали, но мне кажется, в этой картине Кандинский стремится выразить разрушение и обновление. И это связано с идеей апокалипсиса, столь соблазнительной для художников того времени. - Да. - Уничтожить всё, что есть. Ведь чтобы создать новое, нужно уничтожить существующее. В этом и суть разрушения. Стереть это всё. - Полностью. И создать утопию. - Да. Которая придёт на смену. По-моему, просто поразительно, что это было до Первой мировой. И как всё изменилось после войны. Когда художники осознали, что стереть всё - не самая лучшая идея. Что это не обязательно пойдет на пользу. - Да. А ведь теперь у нас есть технологии… - Да. Позволяющие сделать это. У нас есть пулемёты, есть… И смотрите, что вышло: люди искалечены, ужасно изуродованы, и в этом нет ничего красивого. Не все вернулись с войны. У художников не осталось образов, которые помогли бы постичь новую правду. Они лишь видят то, как люди жестоки друг к другу. Но эта картина была написана раньше, когда ещё была жива идея, что апокалипсис принесёт новую истину. А есть ли здесь некий религиозный… - Скорее духовный. - Да, духовный аспект. Определенно. Да. Кандинский написал работу «О духовном в искусстве» в 1911 году, за два года до создания этой картины. В книге он искал связи между цветом, искусством, религией и духовностью и глубокой верой. Он считал, что современный мир утратил эту духовность, простодушие, настоящие эмоции. Первозданные эмоции. И апокалипсис может вернуть человечеству то, что культура, в некотором, роде у нас украла. Очень примитивистская идея. На мой взгляд, эта идея, эти цвета, эти взаимосвязи, то, как всё расходится и соединяется, - всё это… Знаете, когда я разрешаю цветам, линиям и формам вызывать во мне какие-то ощущения, вкусы и звуки, я начинаю получать удовольствие от картины. Здесь есть некая невероятная свобода, заключённая в слове «экспрессионизм». Эта картина сильно отличается от более позднего творчества Кандинского, где он стремится к систематизации и чёткости. А здесь дивное ощущение изобретательности. - Полотно огромное, оно будто погружает в себя. - Да. Интересно, насколько глобальную мысль пытался донести до нас художник. Это симфония. Чем дольше я смотрю на картину, тем лучше я её понимаю. Но никакого удовольствия я не получаю. Это трудная картина. Трудная картина, да. И, наверно, она такой и создавалась. Действительно, очень непросто. Интересно, что и до сих пор она кажется трудной. Уже были и Дюшан и Уорхол, миновал целый век модернизма и постмодернизма, но эта картина всё равно трудна для восприятия. Как и музыка Шёнберга. - Да, Шёнберг тоже сложен. - Да. - Это говорит о многом. - Верно. Subtitles by the Amara.org community

Биография

Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой , а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийского Кондинского княжества .

Василий Кандинский родился в Москве, в семье коммерсанта Василия Сильвестровича Кандинского (1832-1926). В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 году семья осела в Одессе , здесь будущий художник закончил гимназию, а также получил художественное и музыкальное образование. В 1885-1893 (с перерывом в 1889-1891) учился на юридическом факультете Московского университета , где занимался на кафедре политической экономии и статистики под руководством профессора А. И. Чупрова , изучая экономику и право. В 1889 году прервал учебу по состоянию здоровья, и с 28 мая (9 июня) по 3 (17 июля) совершил этнографическую экспедицию по северным уездам Вологодской губернии .

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно - в возрасте 30 лет. В 1896 году он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 года . В Мюнхене знакомится с русскими художниками: А. Г. Явленским , М. В. Верёвкиной , В. Г. Бехтеевым , Д. Н. Кардовским , М. В. Добужинским , И. Я. Билибиным , К. С. Петровым-Водкиным , И. Э. Грабарем .

Наиболее известные работы

• «Колебание»
• «Композиция»
• «Москва»
• «Восток».

Персональные выставки

В настоящее время около 40 работ находятся в Мюнхене (Городская галерея в доме Ленбаха).

Сочинения

Память

Источники

• Личное дело Василия Кандинского, заведенное в Имперском комиссариате по охране общественного порядка Германии (РГВА. Ф. 772k, Оп. 3, Д. 464).

Библиография

Альбомы, каталоги, монографии, сборники статей

• Сарабьянов Дмитрий , Автономова Наталия . Василий Кандинский. - М. : Галарт , 1994. - 238 с. - 5000 экз. - ISBN 5-269-00880-7 .
• Абрамов В.А. В.В.Кандинский в художественной жизни Одессы Документы. Материалы . - Одесса: Глас, 1995. - ISBN 5-7707-6378-7 .
• Турчин В. Кандинский в России. - М. : Художник и книга, 2005. - 448 с. - ISBN 5-9900349-1-1 .
• Альтхаус Карин, Хоберг Аннегрет, Автономова Наталия . Кандинский и «Синий всадник». - М. : Министерство культуры Российской Федерации , Издательство Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина, СканРус, 2013. - 160 с. - ISBN 978-5-4350-0011-5 .

Статьи

• Grohmann W. Wassily Kandinsky. Life and work. - N. Y. , 1958.
• Рейнгардт Л. Абстракционизм. // Модернизм. Анализ и критика основных направлений. - М. , 1969. - С. 101-111.
• Schulz,Paul Otto . Ostbauern. Köln: DuMont, 1998. - ISBN 3-7701-4159-8 .
• Азизян И. А. Москва В. В. Кандинского // Архитектура в истории русской культуры. - Вып. 2: Столичный город. - М. : УРСС, 1998. - ISBN 5-88417-145-9 С. 66-71.
• Азизян И. А. Концепция взаимодействия искусств и генезис диалогизма XX века (Вячеслав Иванов и Василий Кандинский) // Авангард 1910-х - 1920-х годов. Взаимодействие искусств. - М. , 1998.
• Автономова Н. Б. Кандинский и художественная жизнь России начала 1910-х годов // Поэзия и живопись: Сборник трудов памяти Н. И. Харджиева / Составление и общая редакция

В 2016 году весь мир отмечает юбилей Василия Васильевича Кандинского - основоположника и теоретика абстрактного искусства, одного из самых влиятельных художников ХХ века. К 150-летию абстракциониста Третьяковская галерея на Крымском валу и Государственный Эрмитаж подготовили проект, включающий выставку двух главных шедевров художника «Контрапункт: композиция VI – композиция VII», которую можно посетить с 13 апреля по 13 июня.

Система беспредметной живописи Кандинского включает три типа картин, воплощающих три стадии удаления от первоначального импульса, который дал толчок к их написанию: импрессии, импровизации и композиции. Лучшими работами живописца признаны «Композиция VI» и «Композиция VII». В России эти произведения последний раз демонстрировались вместе 27 лет назад.

«Без названия (Первая абстрактная акварель)», 1910

«Композиция X», 1939

Что нарисовано на картинах Кандинского?

Когда речь заходит об абстракционизме, многие далёкие от искусства люди сразу выносят свой категоричный вердикт: мазня. После этого обязательно следует фраза о том, что любой карапуз наверняка нарисует лучше, чем эти художники. При этом само слово «художники» обязательно будет произнесено с демонстративным презрением, которое в ряде случаев даже будет граничить с брезгливостью.

В рамках культурного ликбеза в этой статье рассказывается, что стремился отобразить на своих полотнах один из самых известных абстракционистов Василий Кандинский.

Картина «Композиция VI»
Год: 1913
Выставлена в музее: Эрмитаж, Санкт-Петербург

Изначально картину «Композиция VI» Кандинский хотел назвать «Потоп», поскольку в этой работе живописец намеревался изобразить катастрофу вселенского масштаба. И действительно, внимательно присмотревшись, мы можем увидеть очертания корабля, животных и предметов, будто тонущих в клубящихся массах материи, словно в волнах штормового моря.

Сам Кандинский впоследствии, говоря об этом полотне, отмечал, что «не было бы ничего более неверного, чем наклеить на эту картину ярлык первоначального сюжета». Мастер особо указывал, что в данном случае исходный мотив картины (Потоп) был растворён и перешёл ко внутреннему, чисто живописному, самостоятельному и объективному существованию. «Грандиозная, объективно совершающаяся катастрофа есть в то же время абсолютная и обладающая самостоятельным звучанием горячая хвалебная песнь, подобная гимну нового творения, который следует за катастрофой», - объяснял Кандинский. В итоге живописец решил присвоить полотну номерное название, так как любое другое могло вызвать у ценителей искусства ненужные ассоциации, которые бы испортили им те эмоции, которые должна вызывать картина.

Картина «Композиция VII»
Год: 1913

«Композицию VII» называют вершиной художественного творчества Кандинского в период до Первой мировой войны. Поскольку создавалась картина очень кропотливо (ей предшествовали более тридцати эскизов, акварелей и работ маслом), финальная композиция является комбинацией из нескольких библейских тем: воскрешения из мёртвых, Судного Дня, всемирного потопа и райского сада.

Идея души человека отображается в смысловом центре полотна, круговороте, намеченном фиолетовым пятном и чёрными линиями и штрихами рядом с ним. Он неминуемо затягивает в себя, как воронка, извергающая некие зачатки форм, растекающиеся бесчисленными метаморфозами по всему холсту. Сталкиваясь, они сливаются или, наоборот, разбиваются друг о друга, приводя в движение соседние... Это словно сама стихия Жизни, возникающая из Хаоса.

Картина «Композиция VIII»
Год: 1923
Выставлена в музее: Музей Соломона Р. Гуггенхейма, Нью-Йорк

«Композиция VIII» кардинально отличается от предыдущей работы этой серии, ведь в ней вместо размытых очертаний впервые присутствуют чёткие геометрические формы. Главная идея как таковая в этой работе отсутствует, вместо неё сам художник даёт конкретное описание фигур и цветов картины. Так, по Кандинскому, горизонтали звучат «холодно и минорно», а вертикали - «тепло и высоко». Острые углы - «теплы, остры, активны и желты», а прямые - «холодны, сдержанны и красны». Зелёный цвет «уравновешен и соответствует тонким звукам скрипки», красный «может создавать впечатление сильного барабанного боя», а синий присутствует «в глубине органа». Жёлтый «обладает способностью подниматься выше и выше, достигая высот, невыносимых для глаза и духа». Синий «опускается в бездонные глубины». Голубой же «развивает звук флейты».

Картина «Смутное»
Год: 1917
Выставлена в музее: Государственная Третьяковская галерея, Москва

Название «Смутное» было выбрано для картины не случайно. Неясность и «смута» отображены в работе Кандинского драматическим столкновением центростремительных и центробежных сил, словно разбивающихся друг о друга в центре полотна. Это вызывает ощущение тревоги, нарастающее по мере «вживания» в произведение. Масса дополнительных цветов осуществляет своеобразную оркестровку главной борьбы, то усмиряя, то обостряя смуту.

Картина «Импровизация 20»
Год: 1911
Выставлена в музее: Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

В своих работах серии «Импровизация» Кандинский стремился показать бессознательные процессы внутреннего характера, возникающее внезапно. А двадцатой работе этой категории художник изобразил впечатление своей «внутренней природы» от бега двух лошадей под полуденным солнцем.

Коллекция. Василий Кандинский

Наверное, не существует таких людей, которые при первом знакомстве с творчеством Кандинского признали бы его гениальность. Первый взгляд на его «композиции», «импровизации» и «импрессии» провоцирует разные мысли: от «такое мог бы и ребенок намалевать» и до «что же хотел на этой картине изобразить художник?». А при более глубоком знакомстве оказывается, что художник и не собирался ничего изображать, он хотел заставить вас чувствовать.

Великий первооткрыватель абстракции Василий Кандинский совершенно не собирался становиться художником и тем более философом мира искусства. Напротив, его отец – известный московский коммерсант того времени Василий Сильвесторович Кандинский – видел его успешным юристом, что привело будущего абстракциониста на юридический факультет Московского Университета, где он изучал политическую экономику и статистику. Безусловно, Кандинский вырос в интеллигентной семье, которая не отрицала важность искусства в жизни человека, поэтому еще юношей Василий получил базовые знания в мире музыки и живописи. Но вернулся к ним он лишь после того, как ему исполнилось 30 лет, чем еще раз подтвердил простую истину – начинать никогда не поздно. Несмотря на любовь к своей родине, в частности к Москве, которая не раз появится на его полотнах, Кандинский в 1896 году ради своей страсти к живописи переезжает в Мюнхен – город, славившийся в то время своей открытостью к новым жанрам искусства и гостеприимством для начинающих художников. Толчком к тому, чтобы бросить привычный образ жизни и отправиться в неизведанное, стал повод, совершенно не связанный с искусством, – в мире физики произошло очень важное событие – открытие разложения атома. Как писал в своих письмах научному руководителю сам Кандинский, этот переворот в мире физики вызвал у него странные чувства:«Рухнули толстые своды. Все стало неверным, шатким и мягким…» .

Тот факт, что мельчайшая частица не является целостной, а состоит из множества еще неизученных элементов, привел будущего художника к новому мировоззрению. Кандинский осознал, что все в этом мире можно разложить на отдельные составляющие, и сам он описывал это чувство так:

«Оно (открытие) отозвалось во мне, подобно внезапному разрушению всего мира” .

Еще одним поводом к полному перевороту сознания Кандинского стала выставка французских импрессионистов, привезенная в Москву. На ней он увидел картину Клода Монэ «Стог Сена». Это произведение поразило Василия Васильевича своей беспредметностью, так как до этого он был знаком исключительно с реалистичной живописью русских художников. Несмотря на то что на картине с трудом угадывается сюжет, она затрагивает определенные чувства, вдохновляет и остается в памяти. Именно такие глубокие и волнующие произведения решил создавать и Кандинский.

В Германии Василий Кандинский быстро осваивает классический рисунок, технику импрессионистов, постимпрессионистов и фовистов, и вскоре уже становится признанным авангардистом. В 1901 году свет увидела его первая профессиональная картина «Мюнхен. Планегг 1», в которой сочетались яркие мазки Ван Гога и нежный солнечный свет импрессионистов. Впоследствии Кандинский в своем творчестве стал уходить от детализации своих творений, двигался от реалистичности к экспериментам с цветом.

«Мюнхен. Планегг 1» (1901) – Частная Коллекция

Первым шагом на пути к абстракции стало написание философского трактата «О духовном в искусстве» в 1910 году. Книга сильно опережала свое время, поэтому издателя для нее было найти очень сложно. Интересен тот факт, что оригинал написан Кандинским на немецком языке, а на русском книга вышла только в 1967 году в Нью-Йорке благодаря Международному Литературному содружеству и жене художника – Нине Кандинской. На языке оригинала в Мюнхене книга вышла в 1911 году и имела невероятный успех. За год ее издавали 3 раза, а в Скандинавии, Швейцарии и Голландии, где распространен немецкий язык, книга читалась всеми, кто имел хоть какое-то отношение к искусству. Русские авангардисты имели возможность ознакомиться с содержанием трактата на Всероссийском съезде художников в декабре 1911 года благодаря докладу Н.И. Кульбина «О духовном в искусстве». В нем он использовал некоторые главы книги Кандинского, включая главу о разных возможных геометрических формах в абстрактном творчестве, что сильно повлияло на передовых русских художников того времени, включая Казимира Малевича. Но труд Кандинского – это не учебник. «О духовном в искусстве» – это философское, очень тонкое и вдохновляющее произведение, без которого понять и прочувствовать картины великого абстракциониста просто невозможно. В самом начале книги Кандинский делит всех художников на 2 типа, основываясь на определениях Роберта Шумана и Льва Толстого. Композитор считал, что «призвание художника – посылать свет в глубины человеческого сердца», а писатель называл художника тем человеком, «который может нарисовать и написать все». Кандинскому чуждо второе определение, сам он называет таких людей «ремесленниками», чье творчество не наполнено смыслом и не имеет ценности.

«В нашей душе имеется трещина, и душа, если удается ее затронуть, звучит, как надтреснутая драгоценная ваза, найденная в глубине земли».

Большое влияние на художника всегда оказывала музыка, так как именно она является единственным абсолютно абстрактным искусством, заставляющим работать наше воображение, избегая предметности. Как ноты складываются в прекрасную мелодию, так и краски Кандинского в своем сочетании рождают удивительные картины. Сильнее всего вдохновила начинающего художника увертюра оперы Рихарда Вагнера. После знакомства с ней Кандинский задался вопросом, сможет ли он создать картину такого же сильного эмоционального наполнения, как произведение великого композитора, «в которой краски стали бы нотами, а цветовая гамма – тональностью?».

В поисках ответа на этот вопрос Кандинскому помогло знакомство с австрийским композитором Арнольдом Шенбергом. В январе 1911 года в Мюнхене художник услышал атональные произведения своего будущего друга и союзника и был потрясен. Благодаря концерту Шенберга родилась еще не до конца абстрактная, но уже почти беспредметная картина мастера «Импрессия III . Концерт». Темный треугольник на картине символизирует рояль, ниже можно увидеть притянутую музыкой толпу, а цветовое решение прекрасно отражает то яркое впечатление, которое получил Кандинский на концерте Шенберга.

Кандинский был уверен, что именно Шенберг правильно воспримет его философию абстрактного творчества, и не ошибся. Композитор поддержал художника в его начинаниях с цветовыми экспериментами и поиском «антилогичной» гармонии, на первое место в которой вставали бы чувства, а не сюжет. Но не все деятели искусства разделяли подобную точку зрения, что привело к расколу среди художников и созданию сообщества единомышленников–абстракционистов «Синий Всадник». Объединившись с художниками Августом Маке, Францом Марком и Робером Делане и, конечно, композитором Арнольдом Шенбергом, Кандинский наконец-то попадает в среду, способствующую переходу к полной абстракции в творчестве, поиску новых форм и цветовых сочетаний.

«Вообще цвет является средством, которым можно непосредственно влиять на душу. Цвет – это клавиш; глаз – молоточек; душа – многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».

Невозможно спорить в этом утверждении с Кандинском, потому что множество современных исследований доказывает, что цвет влияет даже на наши примитивные желания и состояния: все знают, что красный цвет вызывает аппетит, зеленый успокаивает, а желтый добавляет нам бодрости и энергии. А сочетая разные цвета и формы в картине, можно повлиять и на более глубокие чувства. Этого и хотел добиться великий художник. Эксперименты Кандинского повлияли на многих художников начала XX века, в том числе на Пауля Клее, который до знакомства с основателем «Синего Всадника» был графиком, избегающем разноцветья в своих картинах, а после был известен благодаря своим нежным, в каком-то смысле наивным акварелям. Швейцарец разделял любовь абстракциониста к музыке и его мысль о том, что искусство должно вызывать сильные эмоции, помогать человеку слушать внутреннее «я» и обретать понимание процессов, происходящих в окружающей среде.

«Искусство не воспроизводит видимое, но делает видимым то, что не всегда таковым является». (с) Пауль Клее

Именно с таким посылом начинает писать свои картины Кандинский после 1911 года. Например, в нашей Третьяковской галерее можно увидеть одно из самых значимых и масштабных произведений художника, написанное в 1913 году, – «Композиция VII ». Художник не дает никаких подсказок к сюжету: на картине есть только цвет и форма, распределившиеся на огромном полотне (работа считается самой большой из всего творчества Кандинского – 2х3м). Масштаб позволил разместить на картине различные по интенсивности и цветовому решению фрагменты: остроугольные, тонкие, в основном темные элементы в центре и более плавные формы и нежные цвета по периметру позволяют нам испытать разные ощущения, глядя на одну и ту же картину. Мрачные тона справа контрастируют со светом на этом полотне, окружности с нечеткими краями рассекаются жесткими прямыми линиями. Композиции Кандинского – это сочетание несочетаемого, поиск гармонии в хаосе, это произведения, скорее похожие на музыку, так как являются наиболее абстрактными. Именно эти произведения считаются главными проводниками философии художника и кульминацией всего его творчества.

Также понимая, что большинству людей нужны подсказки для осознания его искусства, Кандинский продолжает писать свои «Импровизации», в которых прослеживается тонкая (а в отдельных произведениях и достаточно явная) нить, связывающая абстракцию с реальностью, благодаря конкретным элементам. Например, на нескольких картинах мы можем увидеть изображения лодок и кораблей: этот мотив появляется, когда художник хочет рассказать нам о том, как человек сражается с окружающим миром, словно парусные суда сопротивляются волнам и стихии.

На некоторых картинах мы с трудом можем различить мачты, как, например, на картине «Импровизация 2 8 (Морской бой)», созданной в преддверии Первой мировой войны, в то время как на других полотнах образ судна виден с первого взгляда, как на «Импровизации 209», написанной в 1917 году, когда во всей России чувствовался дух революции.

Еще один частый элемент, встречающийся в «Импровизациях», – это всадники, характеризующие стремления людей. Образ воинов на лошадях имел особенное значение для Кандинского как человека, постоянно сражающегося с устоявшимися нормами и канонами ради своих убеждений. Не случайно в названии клуба творческих единомышленников абстракционистов присутствует эта аллегория.

В то время как «Композиции» Кандинского продуманы до мелочей, а расположение фигур и использование определенных цветов абсолютно сознательны, то при написании «Импровизаций» художник руководствовался процессами внутреннего характера, показывал свои внезапные бессознательные эмоции.

Заметные перемены в творческом пути Василия Кандинского происходят во время его возвращения в Москву в 1914 году. Как гражданин России художник был вынужден покинуть Германию во время войны и продолжить заниматься искусством на Родине. С 1914 по 1921 годы он жил в Москве и занимался продвижением своих идей в массы, сотрудничал с правительством в подготовке музейной реформы, развивал художественную педагогику и вдохновлялся родным городом.

«Москва: двойственность, сложность, высшая степень подвижности, столкновение и путаница отдельных элементов внешности… Эту внешнюю и внутреннюю Москву я считаю исходной точкой моих исканий. Москва - мой живописный камертон»

Во время пребывания в России художник метался между разными жанрами и даже изображал Москву достаточно детально (относительно всего своего творчества), а в какой-то момент вернулся и к импрессионистическим зарисовкам.

На всем творческом пути Василия Кандинского мы видим множество разных жанров, приемов и сюжетов. В один и тот же год художник мог создать и достаточно конкретное произведение с понятным широким массам смыслом, и полную абстракцию. Этот факт подчеркивает разносторонность его личности, стремление к новым знаниям и техникам и, конечно, постоянное развитие творческого гения внутри самого себя. Художник, учитель, ценитель музыки, писатель и, конечно, философ мира искусства Василий Кандинский не оставляет равнодушным никого, потому что главной его задачей было заставить людей чувствовать, ощущать, испытывать эмоции. И он достиг этой цели благодаря тому культурному наследию, которое он оставил будущим поколениям.

Где увидеть картины Кандинского в России?

• Астраханская картинная галерея им. Б. М. Кустодиева
• Екатеринбургский музей изобразительных искусств
• Краснодарский краевой художественный музей им. Ф.А. Коваленко
• Красноярский музей изобразительных искусств
• Государственная Третьяковская галерея на крымском валу, Москва
• Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, Москва
• Нижегородский государственный художественный музей
• Рязанский государственный областной художественный музей им. И.П. Пожалостина
• Государственный Эрмитаж, Главный штаб, Санкт-Петербург
• Русский Музей, Санкт-Петербург
• Музейный комплекс Тюменской области

В 1889 году участвовал в этнографической экспедиции по Вологодской губернии, где познакомился с народным искусством и иконописью.

В 1893 году, после окончания университета с дипломом 1-й степени, он был оставлен на кафедре политической экономии и статистики, в 1895 году написал диссертацию, но оставил занятия наукой и посвятил себя искусству.

Он отказался от места профессора в Дерптском университете в Эстонии и в 1896 году уехал в Мюнхен учиться живописи. Кандинский учился в школе Антона Ашбе, в 1900 году перешел в Академию художеств в класс художника и скульптора Франца Штука.

В 1901 году Кандинский основал художественное общество "Фаланга" , которое занималось организацией выставок молодых художников; 1902 году стал президентом общества. В 1902 году Кандинский также стал членом Берлинского сецессиона — объединения художников и скульпторов.

В начале 1900-х годов художник много путешествовал по Европе и Северной Африке, приезжал в Россию, но постоянным местожительством избрал Мюнхен (1902-1908), затем городок Мурнау в Баварских Альпах.

В раннем творчестве Кандинского основой для создании красочных пейзажей служили натурные впечатления ("Синий всадник", 1903). Середина и вторая половина 1900-х годов прошли под знаком увлечения русской стариной. В картинах "Песня Волги" (1906), "Пестрая жизнь" (1907), "Рок" (1909) художник совмещал ритмико-декоративные черты русского и немецкого модерна с приемами пуантилизма (манера письма раздельными неизолированными мазками) и стилизацией под народный лубок.

Кандинский работал также в сферах декоративно-прикладного искусства (эскизы женских украшений, мебельной фурнитуры), пластики (лепка в глине), экспериментировал с живописью по стеклу.

В этот период он исполнил альбомы гравюр "Стихи без слов" (1904) и "Ксилографии" (1909). Выставлялся в Берлинском сецессионе (с 1902), парижских "Осеннем салоне" (1904-1912) и салоне Независимых (с 1908), участвовал в групповых выставках в Мюнхене, Дрездене, Гамбурге, Берлине, Варшаве, Риме и Париже, а также в Москве (с 1902, 1906) и Санкт-Петербурге (1904, 1906).

Одновременно он писал корреспонденции о художественной жизни Мюнхена для журналов "Мир искусства" (1902) и "Аполлон" (1909-1910).

В 1909 году Кандинский возглавил мюнхенское Новое художественное общество, созданное вследствие отказа организаторов сецессиона принять новаторские произведения. В 1911 году из-за эстетических разногласий вышел из общества и вместе с немецким живописцем Францем Марком создал объединение "Синий всадник". В 1912 году он выпустил одноименный альманах, который стал программным документом художественного авангарда.

В 1911 году Кандинский исполнил первую абстрактную акварель, в 1911-1913 годах написал серии беспредметных картин "Импрессии", "Импровизации" и "Композиции".

В 1912 году Кандинский выпустил книгу "О духовном в искусстве", в которой дал первое теоретическое обоснование абстрактного искусства; прислал одноименный доклад на Всероссийский съезд художников в Петербурге (декабрь 1911 года — январь 1912 года).

В 1913 году издал поэтическую книгу Klänge ("Звуки") в сопровождении ксилографий.

В октябре 1912 году в галерее берлинского объединения Der Sturm состоялась первая персональная выставка художника. В издательстве объединения был опубликован его альбом картин Rückbliсke, а также ряд теоретических трудов.

В начале Первой мировой войны (1914-1918) Кандинский вернулся в Россию. После Октябрьской революции 1917 года был занят в основном реорганизацией художественной жизни. В 1918 году он вошел в Коллегию ИЗО Наркомпроса, в 1919 году стал членом Международного бюро ИЗО Наркомпроса, одним из организаторов и ученым секретарем Музея живописной культуры в Петрограде.

В 1920 году был директором Института художественной культуры (ИНХУК) в Москве и профессором Московского университета, в 1921 году — вице-президентом Российской академии художественных наук. Участвовал в ряде выставок художников.

В конце 1921 года Кандинский был командирован в Берлин для создания международного отдела Академии художественных наук и решил не возвращаться в Россию.

1922 году по предложению архитектора Вальтера Гропиуса преподавал настенную живопись и теорию формы в учебном центре "Баухауз" в Веймаре (Объединение художественной академии Веймара и училища прикладного искусства; с 1925 года — в Дессау).

В "Баухаузе" художник лидера абстрактного искусства.

В 1920-1930-е Кандинский создал альбом гравюр "Малые миры" (1923), абстрактные декорации к "Картинкам с выставки" Модеста Мусоргского для театра в Дессау (1928), проект оформления

Музыкальной комнаты для Международной архитектурной выставки в Берлине (1931).

Ежегодно проводил персональные выставки в Европе и США, участвовал совместно с Явленским, Фейнингером и Клее в выставках группы "Синяя четверка", в международных выставках и выставках русского искусства.

В этот период им была написана книга "Точка и линия на плоскости" (1926), которая была переведена на несколько языков.

В 1933 году после закрытия "Баухауса" нацистами Кандинский , в 1939 году получил французское гражданство.

В Германии его работы были продемонстрированы в пропагандистских целях на выставке "Дегенеративное искусство" (1937), а затем изъяты из музеев.

В 1936-1944 годах Кандинский проводил персональные выставки в парижской галерее J. Bucher, выставлялся в галерее Neumann, Музее современного искусства, Музее Гуггенхейма в Нью-Йорке, галерее Гуггенхейма в Лондоне.

В ноябре-декабре 1944 года состоялась последняя прижизненная персональная выставка художника в Париже.

13 декабря 1944 года Василий Кандинский , близ Парижа во Франции. Похоронен на кладбище в Нейи.

Кандинский был дважды официально женат. В 1892 году он женился на своей кузине Анне Чемякиной, брак распался в начале 1900-х годов и был расторгнут в 1911 году. В 1917 году в Москве он сочетался браком с Ниной Андреевской (1893 или 1899-1980), дочерью офицера. В том же году у них родился сын Всеволод, который вскоре умер. После смерти мужа Нина Кандинская продавала и дарила его картины музеям, организовывала мемориальные выставки, в 1973 году опубликовала книгу воспоминаний "Кандинский и я". В начале 1970-х годов она купила дом в Швейцарии, где 2 сентября 1980 года была убита грабителем (преступление осталось не раскрытым). По ее завещанию 150 картин мужа поступили в Музей современного искусства в Париже (Центр Помпиду).

Также близкой подругой художника была его ученица Габриэла Мюнтер. Обещая жениться на ней, накануне Первой мировой войны он уехал из Германии, оставив на попечение Мюнтер свои работы и бумаги. После его возвращения с юной женой в 1921 году, Мюнтер отказалась вернуть картины. В день своего 80-летия Мюнтер подарила все принадлежащие ей полотна художника галерее Lenbachhaus в Мюнхене.

В настоящее время Кандинский . На аукционах его творения оцениваются в десятки миллионов долларов.

В 2007 году в России учреждена Премия Кандинского — одна из наиболее важных национальных наград в области современного искусства.

Материал подготовлен на основе информации РИА Новости и открытых источников